Medio centenar de personas despierta en una cámara circular sin recordar cómo llegaron allí.  El grupo rodea una cúpula central que emite una descarga mortal y ejecuta un reo al azar cada dos minutos. Sin embargo, los condenados averiguan que mediante una votación pueden dirigir esa descarga y sentenciar a muerte a cualquiera de sus compañeros. Sólo puede quedar uno.

Argumento:

En materia de ciencia ficción, Netflix dispone de una cantidad ingente de morralla (véase IO de Margaret Qualley) pero si uno tala los árboles podrá ver el bosque y ese bosque, se llama Círculo. Soy un espectador especial, enamorado de obras como The Cube (1997) o el Hoyo (2019) y reconozco que con pelis tipo Escape Room (2019) me lo paso pipa. Por esta razón, no era de extrañar que Círculoentrara dentro de mi catálogo fetiche.

La película está dirigida por Aaron Hann y Mario Miscioney está tan escondida en el surtido de Netflix que no está ni doblada al castellano. Han doblado películas como Ghoulies IV pero Círculo no merece dicho honor.

La cinta nos muestra como la supervivencia humana reside en apelar a prejuicios, miedos y emociones para convencer al resto de quién debe morir o no, y así salvar uno su propio culo, al menos durante dos minutos más.

El grupo está formado por miembros de diferentes razas, procedencias, edades, religiones, profesiones y condición sexual. Este conjunto tan heterogéneo provoca que se rompa aquella delgada línea entre el prejuicio y la discriminación bajo la tutela de la supervivencia. Con las minorías hemos topado Johnny.

Las condenas a muerte se dictaminan mediante el asesino y verdugo voto democrático del personal que habita en el círculo. Si no se votara, la cúpula central envía una descarga mortal al azar. Y la suerte no es menester cuando tu pellejo está en peligro. Por tanto, el parlamento circular necesita reducir aforo y debe formular su primer acuerdo. Y no tarda en llegar a la conclusión de que el sector de la tercera edad  ya ha vivido suficiente y debe ser erradicado del tablero. Muy de pandemia esta decisión.

Más tarde, el grupo sigue con su método socrático y va eliminando miembros de alguna minoría o personas que ejerzan profesiones poco valoradas. Sin embargo, los participantes tienen que  tener sumo cuidado en tocar a las minorías ya que prejuzgar sin argumentos sólidos puede girar el voto en su contra. Sé un asesino pero con indulgencia.

No obstante, el punto de inflexión recae en dos fichas del tablero que no habían despertado interés en el comienzo del juego. Entre los reos, se encuentra una mujer embarazada y una niña de apenas diez años. Estos elementos divide la sala en dos grupos: Los que por humanidad, desean que queden las últimas en el círculo y los que desean cargárselas lo antes posible para obtener más posibilidades de sobrevivir.

Película:

Círculo es un thriller psicológico del subgénero survivorinspirada, según sus autores, en la obra de culto, 12 hombres sin piedad (1957) de Sidney Lumet, donde la persuasión es su eje central. En la película de Sidney Lumet, Henry Fonda es el único miembro del jurado que apoya la inocencia del preso y su trabajo consiste en convencer al resto del jurado de que la culpabilidad no está tan clara como se había votado de inicio.

El chico condenado pertenece a un estrato social bajo y como consecuencia se prejuzga sin vara de medir. Este aspecto se refleja en Círculo para sentenciar a muerte a los participantes. ¿Qué puede aportar un inmigrante ilegal? ¿Y una pornostara nuestros hijos? ¿O porqué tiene que quedar como superviviente un hombre de raza negra sólo por pertenecer a una minoría?. Para un servidor, la película tiene muchos matices a explorar que quizá han quedado eclipsados porque es una obra de ciencia ficción. El cerebro tiende a agrupar a la gente según sus temores e incluso los sectores más progresistas y más conservadores se dan la mano en materia de ideas discriminatorias. Lo explicaba Sidney Lumet en 1957 y se expone en Círculo en 2015. Se ve que prejuzgar es humano.

Obviamente, la película tiene detalles mejorables. El más reseñable sería la cantidad de personajes que empiezan en el círculo. 50 personas van falleciendo cada dos minutos y además la mayoría son en off screen. Este hecho convierte la película en una especie de body count a granel con poca gracia. Una buena reducción de individuos (20 personas por ejemplo) hubiera elevado el grado de empatía del espectador con los personajes ya que se puede dedicar más tiempo a desarrollarlos. En la primera edición, la película tenía una duración de 110 minutos y se redujo a 85 minutos. Quizá estos 110 minutos de la primera versión permitían más desarrollo de los personajes. 

Círculo se nutre de actores y actrices bastante desconocidos. La más célebre es Julie Benz conocida por ser la señora de Dexter y por ser una buena persona en Rambo IV. El historial de sus directores es bastante raquítico. Lo único reseñable es una miniserie bastante paranoica, titulada The Vault y lanzada directamente a Youtube. The Vault trata de unos universitarios que despiertan en diversas habitaciones acompañados de un objeto (una bici estática, un buzón con cartas…). Es una especie de reality show que sale mal. Esta miniserie fue la semilla para que uno de los directores tuviera la genial idea de encerrar a 50 personas en una habitación y que mediante votación pudieran huir. Así nació Círculo.

La película se rodó en 10 días ya que hacer coincidir aquella cantidad de actores en un mismo setera algo complejo. También pudieron filmar las escenas en el mismo orden que vemos en la película.

La película se estrenó el 28 de mayo en el Festival Internacional de Cine de Seattlecon un aforo lleno. Ni una butaca vacía. Pasada la mitad de la película, se estropeó el audio y los diálogos no coincidían con la boca de los actores. Era como ver un torrent de los malos. Aún así las críticas fueron positivas y después de estrenarse, Netflix fue como un ave de rapiña a por la película con la consecuente alegría de sus directores. No obstante, cuentan que después de interesarse Netflix por la película, las compañías que la habían rechazado previamente por no tener un reparto potente, se comportaron como buitres de carroña para poder adquirirla pero ya era tarde.

Curiosidades:

La película se filmó en un almacén de los Ángeles.

El actor Zack Rukavina realmente tiene un brazo amputado por un cáncer. No hay CGI en la película.

Los directores instalaron unos grandes altavoces en el set para que sonara un ruido infernal con cada muerte y así “motivar” a los actores y actrices.

La cúpula asesina fue obsequiada al actor o actriz que quedó último en el Círculo. És más, comenta orgulloso/a que la ha depositado en su garaje particular.

Final (spoiler):

Uno ya sabe cómo funcionan los finales audiovisuales para la plebe. El nivel de exigencia es elevado y la catarsis que el espectador espera, está en muchas ocasiones rozando lo paranormal. O se enseña poco o se enseña mucho. No hay término medio.

Para un servidor, el final es más que interesante. La argucia creada por el único superviviente del Círculo es sensacional. Un cabrón de manual muy respetable. La explicación del engaño del “final human”la dejo para que la disfrute el espectador, así no spoileo en demasía.

He analizado la foto finish del resto de personas que se supone que han sobrevivido en otros círculos. La conclusión es que han resistido por igual cinco mujeres y cinco hombres de diferentes razas. Dos de estas mujeres están en cinta y también han sobrevivido dos niños y dos niñas. Como se puede observar, los extraterrestres ya creían en la política de cuotas. Y afirmo el término extraterrestres porque no existe ninguna duda de que estamos ante un secuestro alienígena.

Otra curiosidad “espoilable” que el espectador puede preguntarse, es que hubiera sucedido si queda la mujer embarazada como la última superviviente y la última votación se resuelve entre la madre y el feto. Los que habéis echado un ojo a la película, sabéis que el feto cuenta como uno más pero al final de la cinta se observa como otras mujeres embarazadas sí que han salido airosas de sus respectivos círculos. La conclusión es que la mujer y el feto forman un individuo conjunto en esa situación final. Sino imagine lo gore de la escena si la madre tiene que decidir en su última votación entre ella y su hijo no nacido. Círculo no es una película de terror al uso pero estamos delante de una cinta con muchas virtudes y poca audiencia.

Un abrazo amigos. Y ánimo.

Gracias a la compra de cromos por parte de familiares y conocidos, conseguí completar esta maravilla de álbum basado en la serie de dibujos animados de las Tortugas Ninja. En la década de los 90 mis ingresos iban destinados a Phoskitos y poco más.

Me imagino a los creadores de las Tortugas Ninja, Kevin Eastman y Peter Laird, intentando vender sus quelonios antropomórficos que dominan el arte del ninjitsu a grandes editoriales. La partida de caja y la mofa inicial seguro que fueron épicas. Actualmente, no sería nada descabellado ofrecer unos personajes de tal calibre a grandes productoras, viendo el éxito de series como Bob Esponja y sus colegas, Calamardo y Patricio.

Tal y como explica el documental de Nerdflix, The Toys That Made Us, los fundadores de las tortugas Ninja se conocieron en un supermercado y cuando Kevin vio un póster de su ídolo Jack Kirby en la pared de su compañero, se hicieron inseparables. Fundaron Mirage Studios en 1983, una editorial independiente con sede en un salón. La misma editorial que refleja el álbum que sostengo entre mis manos.

El comienzo del poder tortuga se originó a raíz del intento de venta de un personaje robótico llamado Fugitoid y que salió rana (o tortuga). Kevin Eastman, del cachondeo del fracaso, dibujó una tortuga con antifaz y un nunchaku para que su compañero esbozara una sonrisa. Entonces, su compañero, Peter Laird, le siguió la broma y amplió el escuadrón "tortuguil". Mediante esta información, podríamos afirmar que Michelangelo fue la primera tortuga ninja de la historia. Pensaron que sería buena idea y autopublicaron su primer cómic de las Tortugas Ninjas en un tono adulto y oscuro. Y el resto es historia (y franquicia). Llegó el éxito.

Obviamente, si querían llegar a un público más amplio deberían potenciar más el humor y la diversión en sus historias con el objetivo de llegar al público infantil. Este cambio de matiz, permitiría crear una línea de juguetes y lanzar una serie de dibujos animados para todos los públicos. Lo que viene siendo pasar de Zack Snyder a Joss Whedon.

Este cambio de tono en sus historias no evitó que fueran rechazados por Mattel entre otras empresas de renombre. Sin embargo, la empresa de juguetes de Hong Kong, Playmates, apostó por las tortugas e invirtió un millón y medio de dólares para crear una miniserie de cinco episodios con el fin de sacar una línea de juguetes. Se contrató a la empresa MWSinc con el showrunner, David Wise, que había trabajado para capítulos de He-Man y Transformers. Se adjudicó a las tortugas un color y una personalidad para que el niño se identificara con el carácter de una de ellas.

También, se solicitó al célebre Chuck Lorre, que en aquella época era más humilde (y más pobre), y compuso el tema principal. Un openingque no podemos negar que es muy molón. En 1987, se emite la serie de dibujos animados con los juguetes sin acabar y el resto vuelve a ser historia (y franquicia otra vez). ToysRus distribuye los juguetes de las Tortugas Ninja y en 1990 lo petan con la película invirtiendo 13 millones de dólares y ganando más de 200 millones de dólares. Un señor pastizal.

Como curiosidad, en el primer boceto de las tortugas ninja disponían de cola pero al observar la figura de frente parecía que se les asomaba “el cowabunga” y no era muy pudoroso. Fue cercenada en la edición final.

El álbum de Panini.

El álbum se compone de 32 páginas y consta de 252 cromos más un póster muy chulo con pegatinas plateadas de los villanos de la serie. Se puede ver a Shredder (Trinxant), Bebop, Rocksteady (Rocamassissa), los soldados de clan del pie o aquel aborto llamado Krang de la dimensión X que tiene un aire al enano de Mad Max: En la cúpula del trueno. También aparece una abuela con metralleta que me tiene bastante loco ya que no he podido situar en el álbum.

En mi juventud, fui muy fan de estos héroes de medio caparazón y adquirí diversas figuras y vehículos. Dispongo de vagos recuerdos de la primera película y todos ellos con cariño. En breve, adquiriré la trilogía de los 90 que es uno de mis deseos a corto plazo (actualización: en breve digo, que optimismo). El álbum costaba 95 pesetas y en su primera página se observan a nuestros héroes y al maestro Splinter (Estellicó) en formato cromo “galvanizado” que molaba mucho.

Analizando el álbum reconozco palabras realmente prodigiosas como April es algo melindrosa, “substancia mutógena” (este último palabro, a priori ni existe), la grupa del dinosaurio o como a la quinta tortuga le baila el nombre entre Zach y Zack. Reconozco que soy un poco tocapelotas con ese tipo de detalles pero en productos destinados a colecciones, se supone que han pasado por varios correctores y me pone un poco enfermo. Me reflejan dejadez, excesiva rapidez por cumplir plazos o que los textos vienen de alguna traducción del esperanto. Un poquito de amor, por favor.

El álbum está basado en la serie de dibujos animados y sus cromos representan frames de capítulos que van desde la primera a la tercera temporada. Me constan siete episodios que se emitieron entre el 1987 y el 1989:

• Tras la pista de las tortugas: Episodio 1 de la primera temporada. Título original: Huellas de tortuga.

Aparece la reportera April O’ Neal que provisionalmente será la única aliada que tienen las tortugas fuera de las alcantarillas. Aprilinvestiga un hurto de un material científico perpetrado por guerreros ninja pero en el transcurso del caso, unos punks sexagenarios la acorralan (dos de estos punks mutarán en Bebop y Rocksteady).

April es salvada por nuestros quelonios antropomórficos y conoce al maestro Splinter (antes llamado Hamato Yoshi). Splinter da la chapa a April sobre cómo fue desterrado de su dojo por una argucia de su rival. El maestro le recita cómo pasó de vivir con lujos en Japón a entrenar ratas y tortugas en las alcantarillas de Nueva York. Hasta que algún desaprensivo roció un potente mutágeno (mutógeno según el álbum) y las tortugas se transformaron en casi humanos. A Splinter, ese líquido compuesto de uranio y detritus, le salpicó mientras acariciaba un roedor y por eso ofrece esa apolínea cara de rata. Nombró a las tortugas como a los artistas que admiraba: Leonardo, Donatello, Rafaello (Raphael) y Michelangelo.Y el resto es historia (y franquicia).

• La invasión  de las ranas punk. Episodio 8 de la segunda temporada. Título original: La invasión de las ranas novatas.

Enfrentamiento épico entre ranas vestidas con un outfit hawaiano y nuestras tortugas. Hay un giro dramático de guión en su conclusión.

• Irma se hace notar. Episodio 3 de la tercera temporada. Título original: Irma se convierte en gigante.

Aparición estelar del personaje de Irma (que no Inma), amiga de April, y que en este episodio es declarada peligro nacional por un tema de rayos ultravioleta. Personaje recurrente en futuros capítulos y que en un par de ellos la dejan como una busca maridos con necesidades insatisfechas.

• La quinta tortuga. Episodio 8 de la tercera temporada. Título original: La quinta tortuga.

¡La quinta tortuga! Interpretado por el clásico fan repelente que se viste con una tapa de cubo como caparazón y se cree algo.

• Verde de celos. Episodio 21 de la tercera temporada. Título original: Celos verdes.

Nuestros villanos inoculan drogas de amor en pizzas y convierten a las tortugas en vulnerables objetivos. Menos mal que Donatello estaba indispuesto y al no ingerir tal po(R)ción, consigue averiguar el plan de Shreddery revertir el conjuro sentimental del resto de tortugas.

• Tortugas en el centro de la tierra. Episodio 10 de la tercera temporada. Título original: Tortugas en el núcleo de la tierra.

Nuestros villanos abren un portal al mundo primitivo enviando un diplodocus a la ciudad.

• Los cuatro mosqueteros. Episodio 16 de la tercera temporada. Título original: Las cuatro mosquetortugas. Por Alejandro Tortumas. 

Maravilloso ese adhesivo con Krang y sus padres viviendo tiempos felices en la Dimension X. La verdad que aflora cierta lástima por el engendro.

¡Cowabunga! Y se despide el señor Repe. Un abrazo.        

Se ha dicho todo (hasta demasiado) de la película, por esta razón intentaré que mi ensayo ahonde en lo humano y en la disyuntiva Kubrick-King. Por cierto, expongo spoilers de la novela y de la película. Sé que han pasado más de 30 años de las obras pero también entiendo que a veces la vida no da para más y es menester avisar de la “espoleirización” de mis escritos.

King se hospedó en la misma habitación que se muestra en la novela: Habitación 217. Aspecto que el mismo hotel no esconde en su web con el objetivo de atraer visitantes. Es más, el mismo hotel tiene un fantástico catálogo donde aconsejan a los “ghost hunters” hospedarse en otras habitaciones como la 401, 407 o la 428 donde los poltergeist comparten lecho con el invitado. El escritor pernoctó en el hotel fuera de temporada y no había huéspedes y este concepto también se refleja en los dos formatos de la ficción: el aislamiento.

Supuesto fantasma en el Hotel Stanley

Varias vivencias en ese hotel inocularon en King los pasajes del Resplandor. Por ejemplo, el aislamiento que le produjo la estancia, su visita al bar tras recorrer largos corredores o un hilo musical constante que le recordaba a esos clásicos bailes de máscaras. Además, en un macabro homenaje, el escritor llamó al asesino del Hotel Overlook de la novela igual que al barman que le atendió en el Hotel Stanley: El señor Grady. También se comenta que en el salón de baile del Hotel Stanley, aun estando vacío, se puede escuchar un piano tocado por el fantasma de la mujer de Freelan Stanley, propietario del hotel. Un hotel con “encanto”.

Realmente, a Kubrickle encantó la novela y le vio potencial pero la mutiló y modificó hasta alcanzar su versión. En un inicio, Kubricky King estuvieron trabajando en sinergia pero al director se le empezó a ir la cabeza y llamaba a King a altas horas de la madrugada para preguntarle si creía en dios. El escritor define muy acertadamente en una frase como fueron las conversaciones de Kingy Kubrick sobre la escritura del guión: “Cuando hablabas con él, realmente nunca estaba ahí”. Finalmente, Kubrickterminó la película sin la ayuda de King. La película se fue versionando y recortando según el continente donde se estrenara y según la escena donde atacara la crítica. Cuenta la leyenda que Kubrick contrataba a personal para que se dirigieran a los cines en bicicleta y recortaran los fotogramas exactos que no quería emitir. Muy loco todo.

En un libro, el escritor es dios pero en una película, el escritor (o guionista) incordia y es prescindible tanto para el productor como para el director. Y King quiso romper esa regla no escrita y no pudo ser. Y menos con Kubrickque te va respondiendo que sí mientras te va cerrando la puerta lentamente en los morros.

En mi cursillo CCC de verano de guionista me enseñaron que una página de guión equivale a un minuto de película. El libro del Resplandorcontiene 560 páginas aproximadamente. Reducir un libro con un gran número de páginas a una duración estándar de una película (no duración Scorsese) y que te quede bonito, es una tarea hercúlea. King afirmaba que para explicar sus obras en pantalla prefería que se realizaran en formato serie. Claro y yo. Por esta razón, al escritor le chifla la miniserie del Resplandor (1997) de Mick Garris. Claro. Dicha serie tiene una duración de 270 minutos y además, es un copy-paste de la novela.

Por regla general, un guionista cuando relata su historia desconoce por completo los medios técnicos de una película (tiempos, limitaciones técnicas, productores tocapelotas, dinero…). Kubrick era guionista, jefe de decoradores, operador de cámara y director. Se le podría llamar que Kubrick era un hombre orquesta. Y King quiso intervenir en lides que desconocía. En 1986, King rodó su única experiencia detrás de las cámaras con La Rebelión de las máquinas y le salió rana. En ese instante, King aprendió que trasladar una historia al cine no era lo mismo que plasmarla en un papel. Para cualquier duda se lo puede preguntar a Frank Miller cuando filmó aquella aberración titulada The Spirit.  

Me parece un detalle muy cómico que en la película, el coche de la familia Torrance fuera de color amarillo y en la novela se lea que es de color rojo; ya que al final de la película, el personaje DickHallorann conduce hasta el hotel y se encuentra con un coche rojo aplastado por un camión. ¿Creéis que hay un mensaje intencionado de Kubrick a King que simboliza un “mira que hago con tu novela y con tu opiniónaplastando tu cochecito rojo”? Me encantaría. Tengo que añadir que en la novela, ese pasaje existe pero no se dan detalles sobre el accidente.

Además, en 2013, otro grande como David Cronenberg criticó a Kubrickpor el Resplandor, afirmando que el director no entendía el género de terror. También aseveró que el problema de Kubrick era su obsesión de obtener éxitos comerciales en sus películas. No estoy de acuerdo con la opinión del maestro Cronenberg. ¿Qué tipo de director busca un éxito de taquilla con películas como la Naranja Mecánica o Lolita? Haciendo ese tipo de películas lo único que se logra son limitaciones en su estreno por el tema de edades y una bonita censura según el país.

En aquella época, Kingestaba crecido ya que otra adaptación suya, Carrie (1976) de Brian De Palma, lo había petado. Sin embargo, a Kubrickcon fama de hombre hermético, se la sudó bastante y rechazó leer el tratamiento de King para la película. Después de enterrar a King definitivamente, el director contrató a Diane Johnson, finalista del premio Pulitzer (ese galardón que ahora regalan) para escribir el guión junto a él. A Diane Johnson le debemos la frase de la máquina de escribir: “Sólo trabajo y nada de juego, hacen de Jack un chico aburrido”.

Como curiosidad, Kubrick quería que Diane se quedara en su casa familiar para trabajar juntos pero alertaron a la escritora del control enfermizo del director y se negó. A Diane también le debemos las críticas más feroces y sutiles a la novela de King. En unas declaraciones afirmaba que era interesante ver como un libro bastante malo y pretencioso resultaba eficaz. Pum! In your face.

Y para calmar las aguas, Kubrickdecía que el final de la novela era poco interesante ya que Halloran salvaba al niño y a la madre. En la película, Kubrick no tiene reparos y se carga a Halloran con un buen golpe de hacha. Según el director, este giro propicia al espectador una sensación de que ya no hay escapatoria.

La realidad es que haciendo un análisis objetivo, King tenía razón de su disgusto ya que Kubrick interpretó la novela a su imagen y semejanza. Y por su parte, King quiso ser una mosca cojonera que los galones de Kubrick no permitieron. Pero donde King se sintió más traicionado es, sin duda, en la evolución de los personajes.

Continuará…

Segundo roundentre estos dos pesos pesados de la industria del entretenimiento. En esta entrada, ahondaremos en el aspecto que más cabreó a King: el tratamiento de los personajes. El proceso hater de King hacia Kubrick alcanzó su cénit. Comencemos:

Wendy

En el libro, Wendyes una amalgama de mujer luchadora, fuerte y con cierto grado de sensibilidad. En la película, es un personaje pusilánime y débil. Según King, Kubrick le aplica cierto grado de misoginia y “está ahí para gritar y hacer el idiota”. Sin embargo, Kubrick afirmaba que no veía coherente que una mujer con las características de la novela pudiera aguantar tanto tiempo a un hombre como Jack Torrance. En mitad de esta algarabía, la actriz Shelley Duvall aportó su granito de arena y criticó la novela afirmando que Kubrick cogió una novela de segunda para realizar una película de primera. Esta inquina por parte de Duvall se origina al ver que King, en una de las visitas al set, no parecía muy impresionado por la elección de la actriz.

Shelley Duvall explicaba que en el momento del rodaje sufrió ciertos problemas personales que le acarrearon más de un disgusto. Sufría cierta ansiedad por estar lejos de casa y además había padecido recientemente una ruptura sentimental. Como curiosidad, esa relación rota fue con el artista Paul Simon, el de Simon & Garfunkel.

En el making of, la actriz muestra mechones de cabello que se le desprenden por el estrés. Es más, en una escena tienen que tumbar a la actriz por un ataque de ansiedad. De cara a la galería, ella lo arreglaba con un clásico “Kubrick era muy exigente pero sacó lo mejor de mí” pero la realidad es que el trato del director dejó mucho que desear. A partir de la 35ª toma, Kubrick empezaba a ver “bien” la escena y eso hizo mella en el reparto. En la escena de la escalera, la actriz sufrió un estado de deshidratación y heridas en las manos por aguantar el bate tanto tiempo. Para más inri, Kubrick ordenó al resto del equipo que ignorara a la actriz. Todo este suplicio se supone que era para que la actriz “viviera” su personaje. Personalmente, no soy muy partidario del método Stanislavskiradical. Sino echarle un ojo al documental de Jim Carrey en Man of the Moon y veréis el significado de la palabra “insoportable”. Para más inri, Shelley Duvall y Kubrickfueron nominados a los Razzies y a la actriz se le acusó de sobreactuar. La realidad es que Kubrick se pasó “tres Maines” con la actriz.

En la novela, Wendyera rubia y de un físico imponente. Estas características coincidieron en la  miniserie donde la actriz elegida fue la estupenda Rebecca de Mornay.Shelley Duvall era todo lo contrario al pensamiento de King. Hubo cierto baile de candidatas en la elección de la actriz para el personaje de Wendy. Por ejemplo, Jack Nicholson quería a Jessica Lange que coincidió con ella más tarde en el Cartero siempre llama dos veces (1981). Aún así, Jack Nicholson reconoció que pocas veces había visto a un actor asumir un papel tan difícil como el que interpretó Shelley Duvall en el Resplandor. Además, en mi cursillo CCC de otoño de guionista me enseñaron que era perder el tiempo describir la apariencia de los personajes en tu historia ya que a las altas esferas les importa bien poco. Para tu guión puedes pensar en Christian Bale pero tranquilamente verás a DannyDeVito si lo decide el director o productor.

Actualmente, es una pena ver los problemas mentales que padece la actriz. Cogí mucho cariño a su personaje de Olivia en la película Popeye estrenada el mismo año que el Resplandor. Me encantaba de niño. Y enlazo esta película porque la actriz en una última entrevista afirmaba que Robin Williams estaba vivo y que cambiaba de forma continuamente.

La hija de Kubrick, Vivian Kubrick, que fue la persona que filmó el making of del Resplandor, mostró su indignación por la denigrante entrevista que mostró a una Shelley Duvall no muy equilibrada. Se inició una recolecta para la actriz pero no llegó a buen puerto.

Jack Torrance

King acusa a Kubrick de no entender el personaje reflejado en la novela y en parte, el escritor tiene razón. Kubrick muestra a un JackTorrancetotalmente ido desde la escena de inicio. Nada más comenzar la peli, el padre le cuenta a su hijo de cinco años una agradable historia de canibalismo y Wendy se lo recrimina. En la novela, es Wendy quién piensa sobre el tema de la expedición Donner que recurrió al canibalismo para sobrevivir. Pero sólo la imagina al ver que podía quedarse atrapada en el hotel por la nieve.

En el libro, sí que el padre explica a su hijo el cuento de Barbazul y Wendy se mosquea. El cuento de Barbazultrataba de un hombre que asesinaba a sus esposas en una habitación y a su mujer “actual” le pedía que no mirara en aquella estancia. Hasta que mira. Danny recuerda esa historia cuando se posa delante de la habitación 217.

King quería a Jon Voight o a Michael Moriarty para JackTorrance. El estudio deseaba a Harrison Ford, Robert de Niro o Robin Williams. Kubrick no propuso sino que impuso a JackNicholson y así se quedó.

Nicholson aceptó su papel en el Resplandor sin muchos obstáculos ya que arrastraba el follón de Polanski con una menor en la casa del susodicho y en este papel, vio una oportunidad de aislarse del juicio mediático en Inglaterra.

Más detalles de la divergencia entre el Jack novelesco y el fílmico. Por ejemplo, en la peli Jack nada más entrar en el hotel Overlook, repasa visualmente a unas jovencitas demostrando que es el padre del año. En la novela, JackTorrance es un padre comprometido y familiar totalmente rehabilitado de sus problemas con el alcohol. La locura de JackTorranceen la novela es progresiva y transmite cierto ademán de combatirla pero en la película ya viene desequilibrado de casa.  

En los dos formatos, se comparte el accidente de Jack con su hijo y el inicio de la desconfianza de Wendy. En un altercado, Jack recoge con tanta fuerza a Danny que le fractura el brazo. Cuando Danny es agredido por la señora podrida de la bañera dejándole heridas visibles; sin meditarlo, Wendy culpabiliza a Jack dado su historial violento. Un historial de violencia que en la novela se amplía cuando Jackpierde su trabajo de profesor por atizar a uno de sus alumnos.

El JackTorrance de King se transforma en un monstruo porque es poseído por los fantasmas del Hotel Overlook. El JackTorrance de Kubrick libera toda su ira homicida retenida gracias al despertar que le causan las alucinaciones del Hotel Overlook. Resulta apasionante la disyuntiva que propone Kubrick al espectador con las visiones espectrales de Jack. ¿Son delirios de Jack o existen de verdad? No se sabe aunque la liberación de Jackde la despensa por parte del fantasmal Gradyparece decantar la balanza hacia un lado.

Este abismo hacia la locura se acentúa con las apariciones de Lloyd (el barman), la visión de la fiesta de máscaras y la charla con el fantasma del antiguo conserje, Grady (el que se cargó a sus hijas). Grady incita a Jack a dar a su familia un severo correctivo en la famosa escena del lavabo rojo. Un baño rojo que refleja el clásico Redrum (habitación roja) y el célebre Murder. En la novela no hay baño rojo pero sí la conversación. Además, en la novela se reincide en el mensaje ya que hay un párrafo donde Jackescucha la voz de su padre a través de una radio que le incita a que acabe con su familia. En la película, con el mensaje de Grady ya va servido para asesinar.

 

No extenderé mis alabanzas sobre la interpretación de JackNicholsonporque simplemente es su personaje. Pocos actores disponen de un aspecto ideal de cabrón para poder interpretarlo. Quizá un Christopher Walken o un Brad Dourif que fue un candidato muy válido para el Joker de Nicholson. Curioso.

Danny Torrance:

Danny, el hijo adorable de la familia, posee un poder excelso telepático y dispone de habilidades precognitivas. A Danny le acompaña su amigo imaginario, Tony, que en la película lo conocemos gracias asu célebre movimiento de dedo índice. Gesto que según dicen, improvisó el propio actor ya que a Kubrick le importaba un pimiento el tema del amigo imaginario. En la novela, Tony es un ente psíquico crucial en la trama, ya que salva a la familia dirigiendo a Danny a la caldera del hotel. Es su ángel de la guarda. Según el libro, Tony, sería como una proyección de Danny con diez años más.

También, tanto en la novela como en la película, Danny parece que tenga una inteligencia superior por ciencia infusa (o por esplender) a pesar de rondar los cinco años. El hecho de eliminar sus pisadas en el laberinto de nieve o de intuir que su padre no activó la caldera en la novela, me abruma (y me chirría) en las dos versiones. Danny fue interpretado por el actor David Lloyd que por lo que se ve fue su única intervención en el cine. ¿No es otra fantástica curiosidad que el apellido del actor sea el nombre del camarero fantasmal del Overlook?

Nos vemos en un tercer round. Sed buenos.

Dispongo de una caja de zapatos donde guardo con nostalgia lo que fue mi universo Tazo. He sido poco de apostar y de jugar a esas partidas tradicionales de tazos. Simplemente, el hecho de jugar, perder y que me chorizaran mis reliquias de cartón, me tocaba profundamente la moral. Por tanto, tengo de todos los tazos que recolecté durante mi adolescencia gracias a la ingesta de grasas saturadas en forma de patata.

La partida clásica consistía en que todos los jugadores pactaban la cantidad de tazos que se iban a apostar y formaban altas torres con los tazos boca abajo. Entonces, cada jugador, por turnos, arreaba con su tazo estrella al tazo superior de la pila intentando que cayera la mayor cantidad de tazos posible. Después, se examinaban los tazos caídos y los que quedaran boca arriba pasaban a ser propiedad del jugador participante.  

El origen de todo este intrincado fue Matutano y su esquizofrénica colección de tazos de Looney Tunes. Los tazos “estándar” se encontraban sueltos en las bolsas pequeñas de 25 pesetas. Es más, los llamaban los Matutazos.

Según los estudiosos, este éxito tiene origen mejicano y su nombre es Pedro Padierna. Este buen hombre recordó un juego de su infancia que consistía en golpear chapas de botellas lo más lejos posible. Este juego se denominaba taconazos y su acotación derivó al término “tazos”. Después, PepsiCo se encargó de que dicho cartón circular traspasara mares y océanos hasta llegar a nuestros colmados o tiendas de ultramarinos (o badulakes).

Os presento mis reliquias. Obviamente, no tengo las colecciones enteras pero sí que dispongo de una gran cantidad.

Es curioso que de la amplia gama de colecciones de tazos que se originaron, la que más se recuerde (y con razón) sea la tirada de Chiquito de la Calzada. Los maravillosos chiquitazos, que si no erro, venían en bolsas de boca bits. Les tengo un gran cariño porque aquel personaje marcó y llenó de humor la década de los 90.

Tazos de Looney Toones:

Los personajes desarrollaban distintos ejercicios con el sufijo –azo. Torerazo, fontanerazo… entre otros ¿Torerazo?. Primera categoría con puntuación de 1.

Mega tazos:

Los personajes de Tiny Toons son presentados con ese fondo epiléptico tan característico del “Eso es todo amigos”. Categoría con puntuación de 3.

Magic Tazos:

Confeccionada con imágenes lenticulares donde cambia el dibujo según el ángulo de observación. Original colección con puntuación de 2.

Esta colección se centraba en los dibujos animados del monstruo de Tasmania y sus compis. Segunda categoría con puntuación de 2.

Tazos de un grosor considerable, manufacturados en plástico que destruían cualquier columna (tanto de cartón como vertebral). Este contundente tazo surgía de bolsas de patatas de más empaque y precio. 

¡Bonus track!:

¿No sabes donde almacenar tus tazos? ¡Panini te da la solución!

Tubo archivador de tazos con un útil clip, ideal para su sujeción en el pantalón de pana. Además, dispone de un muelle para que el primer tazo siempre permanezca a la vista y al alcance de tu mano.

Feliz navidad y felices fiestas.

Hay ciertos personajes secundarios, como las gemelas, que presentan diferencias si comparamos la novela con la película.

En la novela (y en la miniserie), Stuart Ullman, el director del hotel, es un tipo desagradable que se ha visto forzado a contratar a JackTorrance como bedel por órdenes de su superior. Conoce los problemas de alcohol de Jack y no duda en recordárselos. Físicamente, es bajito, calvo y gordo. El Stuart Ullman de Kubrick es amable, alegre, alto y con pelazo. Dan ganas de amarlo. Lástima que se descartara aquella escena donde Ullman le devuelve la famosa pelota a Danny reflejando que es conocedor de los sucesos fantasmales de su hotel.

En la película sólo Danny y Halloran poseen dicho “resplandor” pero en la novela aparecen testimonialmente dos “esplendedores”más que se encuentran con Halloran en la historia. Se trata de una pasajera de un avión y de un señor quitanieves.

Lloyd, el camarero. Fantasma que todos querríamos tener en cualquier momento. Parodiado y utilizado hasta en películas de ciencia ficción como Passengers (2016) interpretado por Michael Sheen. Lloyd simboliza el pasado alcohólico de JackTorrancey el hotel sabe qué del trío familiar, Jackes el más débil. La secuencia mítica del bar en la película es un diálogo calcado al del libro (me alegro que me lo preguntes porque casualmente tengo dos billetes…). En el libro queda claro que Jack realiza tragos imaginarios pero en la peli no tanto. En la novela, Jackbebe Martinis pero en la película bebe Bourbon.

El hotel actúa como un ente espectral. El hotel Overlook es un personaje más que manipula a sus huéspedes mediante alucinaciones y posesiones. El hotel quiere disponer de Danny por su inconmensurable poder telequinético pero no puede y Wendyes demasiado fuerte gracias a su condición de madre y a su indiscutible protección hacia Danny. Es más, en la novela, el “hotel” intenta poseer a DickHalloran como un último intento de matar a Danny pero no lo consigue. Sólo puede escoger a Jack Torrance porque es el más débil.

En la novela, queda más clara la posesión sobre JackTorrance por parte del hotel ya que hay un instante en que Jack se deshace de su posesión momentáneamente y puede despedirse de su hijo. Y le pide que huya de él. Jack es consciente de su debilidad pero no puede hacer nada. Brutal. En la película de Kubrick no queda clara la posesión ya que el personaje viene perturbado de casa.

En el libro, no existe ningún contacto con Jack pero Kubrick influido por la longevidad de la mujer, la bañera y que se beneficiaba jovencitos, nos regala aquella maravillosa escena del beso putrefacto.

Otra escena emblemática es el paseo en triciclo de Danny y su formidable encuentro con las gemelas. Siento decir que la escena icónica no aparece en la novela. Esas gemelas que representan las hijas asesinadas por su padre Grady, en la novela tienen seis y ocho años y no quieren jugar con Danny, tal y como sí sucede en la película. La diferencia de edad de las niñas refleja que obviamente no son gemelas. Aquella escena es un acierto de Kubrickque ha quedado para la posteridad y estaríamos delante de un brillante elemento que supera la película al libro. Nos vemos en el siguiente capítulo.

Contiene Spoilers. La película que expondré a continuacióntrata de un asesino en serie que emplea toboganes acuáticos como medio criminal para triturar gente. Sin duda, la sinopsis de Aquaslash es realmente atractiva y posee una nota de 4 en IMDB pero su baja valoración no me amedrenta. He visto películas de trolls gigantes, de un conejo asesino en serie, gente que se queda atrapada en un telesilla, turistas olvidados rodeados de tiburones y de un yogur extraterrestre que parasita en seres humanos para manipularlos a su antojo. ¿Qué puede salir mal? Casi todo.

Aquaslash (2019) es una película canadiense de serie B con una duración de 72 minutos que roza el “mediometraje”. Su inicio contiene la mayoría de clichés del género. Unos jóvenes que celebran su graduación, se drogan, fornican como salvajes del Serengueti, se pelean, etc. También vemos a un guaperas protagonista que canta en un grupo de música pop-punk, la pandilla de malotes, las tías buenas, los padres manipuladores y codiciosos y los monitores que sudan de la seguridad de las instalaciones. Aquaslashes un “retroslaher”, mezcla entre Viernes 13, Piraña 3D y la maravillosa serie de los Vigilantes de la Playa.

La película no se esconde en mostrar una sugerente escena (sin sentido) de lavado de coches en bikini y por supuesto, la cocaína es el nuevo Nesquik para desayunar entre la juventud. Sin embargo, ante tal despiporre, un desconocido asesino va rebanando al personal en visión de primera persona para dejar con la duda al espectador. Aunque se palpe el misterio en sus crímenes, previamente las víctimas hablan con el homicida demostrando que hay una cercanía entre ambos.

La idea original se cimenta en una leyenda urbana que se difundía por países como Canadá o Australia donde delincuentes instalaban cuchillas de afeitar en los toboganes y se esperaban al final de la atracción para ver el espectáculo de sangre. En nuestro país, se llevaba más lo del corte de digestión si nos bañábamos antes de las dos horas. Cada país, tiene su folklore.

Sin embargo, no todos los bañistas alcanzan la piscina final ya que forman un tapón humano en la zona de las cuchillas que no les deja progresar. Cada desgraciado que se desliza por el conducto, provoca que el primero que estaba atrapado en las cuchillas acabe mutilado en tranchettes. Un efecto dominó mortal de lo más gracioso y para un servidor, es la mejor parte ya que como no empatizas con ningún personaje, quieres ver a todos licuados.

El grupo musical donde toca nuestro protagonista se llama: The Blades (Cuchillas) y la que organiza el evento pregona que será un fin de semana de muerte al estilo de los 80. Señales de confianza. Después vemos a varios jóvenes arreglando una furgoneta Volkswagen hippie de los años 50. No importa la fidelidad de fechas porque queremos ver “chicha”.

Para más inri, se estrenó en el Festival Internacional de Cine Fantástico de Bruselas sin efectos visuales ni el montaje de sonido finalizado. Su director tuvo que pedir un poco de indulgencia a los espectadores para evitar el fustigamiento. Los efectos visuales son obra de la agencia Blood Brothers FX, que se encargaron de los efectos de la simpática (y también canadiense) Turbo Kid con Michael Ironside. Aquaslash fue dirigida por el canadiense Renaud Gauthier y anteriormente sólo había dirigido Discopathe, que se ambientaba en la década de los 70 y trataba de un hombre que asesinaba a personas gracias a la música disco.Curiosamente, esta última peli está mejor valorada en Filmaffinity que en IMDB. En Filmaffinity,ya se sabe que una película de autor y de un país como Canadá, es una golosina para el voto adulterado.  

Spoiler: Quizá otro punto fuerte de este esperpento es el motivo por el cual una de las monitoras es la responsable de la escabechina juvenil. En un maravilloso flashback, observamos a una niña que ve como su padre se ahoga en una piscina de ese mismo parque acuático. El padre fallece por la negligencia del personal de emergencia ya que éstos estaban ocupados “dándose el filete” unos con otros. La niña quedó traumada pero esperó pacientemente a ser mujer para cobrar su venganza. Sublime.

La rotura de la cuarta pared de la asesina en los minutos finales es devastadora e impactante. (Lo siento por el “spoiler” pero igualmente no la váis a ver).

La película fue filmada en el parque Super Aqua Club de Quebec.

Como “bonus track” y para que entréis en contexto, os dejo un escrito de un periódico sobre un parque acuático maldito llamado Action Park de Vernon (Nueva Jersey). El artículo citaba: “Abrió en 1978 y cerró en 1996 para siempre con nada menos que seis muertes, incluyendo tres por ahogamiento, un ataque al corazón tras un shock en el agua, un golpe en la cabeza después de que una atracción saliese volando y una tras ser electrocutado”.

Programa:

Quiero dedicar un homenaje a mis casetes. Un formato maravilloso, económico y de fácil portabilidad y no apto para la playa. Después de quitar dos dedos de polvo, ha aparecido el doble volumen de Crónicas Marcianas Mix inspirado en el programa de “variedades” con mismo nombre y presentado por Javier Sardá.

Si Twitter hubiera existido en el 1997, a Crónicas Marcianas se le hubieran acumulado las querellas, manifestaciones, represalias y los juicios. Y, por ejemplo, Galindo no hubiera podido participar en el programa porque se habrían vulnerado sus derechos. Por cierto, Galindo cuando empezó en el programa ya calzaba unos 60 años.

Crónicas Marcianas fue emitido en Telecinco para competir con el presentador estrella del “Late night” que en esos lustros era Pepe Navarro. Y lo consiguió. Crónicas Marcianas conseguía cuotas de audiencia del 40%, como en una final de Champions.

8 temporadas de emisión en hora golfa (a partir de las 0:00 horas) y que muchos lo consideran como uno de los padres de la telebasura. Telebasura o no, el programa fue un fenómeno en todos los sentidos.

La Música:

Vale Music se llevó de otra compañía a dos DJ en auge como eran José María Castells y Toni Peret que venían de arrasar con sus collages musicales para el extinto sello de Max Music (los maravillosos Máquina Total). Después ficharon de la competencia a Quique Tejada que venía de petarlo con sus Blanco y Negro Mix.

Gracias a Crónicas Marcianas Mix, crearon el primer videoclip para Vale Music que desprende un olor noventero bastante doloroso. Los tres dj, bautizados como el Dream Team, fabricaron los mejores megamix del mercado y en muchas ocasiones, potenciaban (y mejoraban) las canciones mediante el concepto mashups. Este término, y que me perdonen los más puristas, era la mezcla de dos canciones que daban como resultado una nueva canción. Por ejemplo, combinaban la a capella de una canción con la base musical de otra.

Hubo una época (quizá coetáneas en su tiempo) que a las películas de comedia se les añadía el “Como puedas” y a las recopilaciones musicales se les incluía el término Mix(Currupipi Mix, Expediente Mix, Bombazo Mix, Ibiza Mix…).

El casete:

El formato de Crónicas Marcianas Mix era un doble estuche de casets con la portada del planeta Tierra en una cinta y en la otra, el planeta Marte. Incluían una descripción de los deejays en tono jocosoy en el otro volumen, se veía el planeta Marte con una agradable sonrisa y una descripción festiva de los componentes del programa.

Como curiosidad chusca, apareció un Crónicas Marcianas Mix de marca blanca y sin licencias. Se podían escuchar “grandes hits” como Backstage boys (Everybody), Deck (Laura no está) o mi favorita Monik Orange (entender el amor).

No me gusta:

Al ser una recopilación inspirada en un programa de televisión de los 90, las referencias que se escuchan en el megamix pueden resultar anacrónicas.

No me deleita la versión barata de “Barbie Girl” de Aqua perpetrada por M.C Barbie. Duele al oído.También dentro del cassete de Marte, eliminaría a Natasha Hagen con su “You and you” que es bastante soporífera y me cargaría sin pestañear, la canción taladro De Bos “On the Run” que es un horror.

Muchos compositores y grupos “arrastraban” auténticos hits y en esta recopilación se escuchan sus segundos (o terceros temas) que no repetían la misma intensidad y frescura que sus grandes éxitos. Por ejemplo, el grupo Corona venía de pegar fuerte con su atemporal The Rythm of the night pero su “The Power of Love” se queda en agua de borrajas o lo nuevo de Outhere Brothers, que venían de triunfar con su divertido Boom boom boom y su nuevo tema es digno de esconder en la cara B.

Tampoco me gusta (pero reconozo que es algo clásico) es el abuso de remixes musicales de canciones de otros géneros como “Bitter Sweet Symphony” o la canción de Savage Garden “To the Moon and back”.

También, en esta compilación vuelve el adorado Paco Pil pero renombrado como Dr. Pil. Estuvo huido durante un tiempo por problemillas con mafias de la zona, pero su vuelta con su “I Want You” no alcanzó los niveles festivos de Viva La fiesta o Johnny Techno Ska.

Me gusta:

Crónicas Marcianas se compone de clásicos dance “soft” como el inolvidable tema de Jonh Wesley “Lover Why”. Se incluye el tema de éxito, “It’s Like that”, que no era más que una versión de una canciónde hip-hop del 1983 con una base dance. También se escuchan emblemas del género eurodance como el temazo de la italiana Gala y su legendario “Freed from Desire”.

Además, es un lujo volver a escuchar al grupo valenciano New Limit con exitazos a sus espaldas como Smile o Scream. La canción escogida para este recopilatorio es Every Single Day. No tiene el tirón de las anteriores, pero es potable.

Sus mejores temas se concentran en el caset más terrenal donde aparecen los temazos de Sash! con Ecuador y Dj Quicksilver con su Bellisima. Sash, ha sido uno de los referentes eurodance de todos los tiempos con musicotes como Encore un fois o Mysterious Times.

Se incluye el clásico veraniego de 2 Eivissa “Oh La La La” que también se incluyó en el Ibiza Mix 97 perpetrado por los mismos Dj de esta recopilación. También contiene el tema Z 100 “Arrivariva”, canción con aire italiano usada para publicidad y bastante cañero.

En fin, Crónicas Marcianas Mix acompañó a un programa de éxito y supo aprovechar la coyuntura del dance de los 90 perpetrado por tres fenómenos como José María Castells, Toni Peret y Quique Tejada. Sin duda, un recopilatorio buenrollista y de calidad para los amantes de este tipo de música comercial.

Creepshow nació conmigo en 1982 como homenaje a los cómics de terror de los años 50, publicados por EC Comics. Dentro de la colección de estos cómics, hallamos las archiconocidas Historias de laCripta pero todo se torció gracias a un descerebrado psicólogo, Frederick Wertham, que culpabilizó del aumento de la delincuencia juvenil a estos tebeos, derivando a su cancelación. Se vivían tiempos en que las historias de Superman eran fascistas y cualquier cómic que mostrase la guerra en su cruda realidad, era igual a minar la moral de los soldados americanos. Por tanto, eran identificados como relatos comunistas y consecuentemente, censurados. Es más, en la “entradilla” de Creepshow I, cuando el padre quita el cómic a su hijo, le espeta que lee tonterías en una alegoría de aquellos tiempos.

6. Twitter desde el circo de los muertos (Creepshow IV).

Una familia que se dirigía a disfrutar de sus vacaciones, se ve obligada a desviarse en la carretera y seguir por un misterioso camino. De repente, hallan un circo perdido en el desierto donde un hedor nauseabundo se extiende por toda la carpa. Humanos y zombies participan en la obra pero a cada función el público se va reduciendo.

Historia con crítica tecnológica y familiar narrada por una adolescente mediante tuits. La joven publica lo mucho que odia a su madre y lo aburrido que es pasar un verano con su familia. Sin embargo, el circo se vuelve hostil y el miedo provocará que valore más a su familia.

Relato corto escrito por el segundo hijo de Stephen King, Joe Hill, donde vemos influencias de Abierto hasta el Amanecer o Guerra mundial Z (salvando las lógicas distancias). Dirigida por Greg Nicotero, que de muertos vivientes sabe bastante, nos ofrece este relato que podría haber sido la semilla para un buen largometraje. Un relato confeccionado a modo de animación muy potente.

5. El niño de las maquetas (Creepshow IV).

Sin duda, uno de los capítulos con el inicio más aterrador de todos los Creepshows y precisamente, no me refiero al miedo, sino a la pérdida. Bien rodado y a pesar de la limitación de minutaje de los episodios, se crea un vínculo madre-hijo muy potente con referencias al amor por las películas. Un acierto fuera de la temática habitual de estos episodios que podemos observar también en el final del capítulo de Halloween.

En resumen, capítulo muy emotivo con cierto amor al cine de terror y con un protagonismo esencial de Drácula, La cosa del Pantano, la Momia y “Kevin Dillon”.

4. El viejo jefe cabeza de madera (Creepshow II)

Una pareja de ancianos es propietaria de una tienda en un pueblo donde cada vez hay menos población y prosperidad. La bondad de su dueño se hace patente gracias a que presta muchos de sus productos a cambio de nada. Además, mima con esmero una estatua de un indio que custodia la entrada de su establecimiento. De repente, entran tres maleantes y asesinan a la pareja. Piensan que no hay testigos pero el viejo jefe cabeza de madera lo ha visto todo.

Una historia de venganza con encanto que ha sido la idea principal de la mayoría de los episodios de Creesphow. Protagonizado por George Kennedy, ganador de un Óscar por el Rey Pescador y recordado por la trilogía Agárralo como Puedas.

Lo más curioso de este relato es su reparto. Uno de los matones es el actor David Halbrook, hijo del actor Hal Holbrook que participó en el primer Creepshow, en el episodio de la caja.El líder de la pandilla que desea ir a Hollywood gracias a su cabellera, es el actor de la corta serie Mindhunters, Holt McCallany. El tercero es Don Harvey, uno de los malotes de Jungla de Cristal II pero quizá más recordado por Corazones de Hierro de Brian de Palma.

Capítulo duro que se me quedó grabado por la crueldad del crimen. Me parece muy reseñable (ya que a priori no tiene ninguna intención) que en la casa del “niño bien”, encima de la tv haya colocada una balanza, como símbolo de justicia. Esa justicia que aplica la estatua contra los crminales. ¿Quién huevos tiene una balanza encima de la TV? Nos vemos con el pódium. Un abrazo.

El testigo de la famosa colección de relatos, iniciada por George A. Romero y Stephen King, ha sido recogido por Greg Nicotero.  Este autor, que destrozó The Walking Dead, ha sabido coger el tono y la gracia en su nuevo remake y su trabajo se deja ver. Hay episodios realmente fantásticos como El hombre en la maleta, Superviviente, el Detector o Halloween que no se incluyen en mi ranking personal pero que no restan su interés.

Empecemos. Medalla de bronce para:

3. La casa de la cabeza (Creepshow IV).

Como curiosidad se ve a la original Annabelle en la tienda de figuras y la cabeza me recuerda muchísimo a la testa utilizada en el videojuego Monkey Island I (apunte personal). La Casa de la Cabeza fue un episodio dirigido por John Harrison que fue asistente de Romero en el primer Creesphow.

Vamos... idénticas

La historia está escrita por Josh Malerman (A Ciegas, Sandra Bullock) y protagonizada por Cailey Fleming (THe Walking Dead). Historia original muy recomendable.

·   2. La Caja (Creepshow I).

Un bedel y un profesor encuentran una caja abandonada en una universidad que data del 1834. La caja lleva un grabado con una indicación: expedición al ártico. Pronto descubren que el arcón contiene algo vivo. Una alimaña con ganas de comer.

Capítulo añejo y con un tono menos pasado de rosca en comparación al resto de relatos. Quizá gracias al reparto que dan la sensación de que se lo toman más en serio. Sin duda, es un capítulo bastante mítico y muy recordado.

Y en el primer puesto y era absolutamente inevitable:

1.  1. La Balsa (Creepshow II). 

Me interesa mucho como este capítulo rompe bastante el esquema de los patrones del slasher. En el capítulo observamos al tío cabal, al tío popular, la tía pibón y la niña buena que suele salvarse en todos los slashers. ¿Adivinen quién es la primera víctima que es engullida por la mancha?

Se merece este primer puesto.

No abandonéis la ciencia ficción ni el terror.

Fahrenheit 451 es la temperatura a la que arde el papel y también un clásico de la literatura.

Este tipo de historias distópicas crean en mi ser un debate interno donde se me plantea la duda de si realmente la ignorancia puede ser una herramienta para alcanzar la felicidad. En la ficción de Fahrenheit 451 están prohibidos los libros y ese hecho, provoca que sus ciudadanos vivan en una feliz ignorancia hasta que despiertan pero ¿ese despertar es positivo? Mi duda es si sería mejor si viviéramos sin redes sociales y sin ese constante bombardeo de información. La historia de Fahrenheit 451 se centra en la prohibición de los libros porque esos textos facilitan el pensamiento y el análisis, provocando la discordia y el sufrimiento en el ser humano. El villano de la obra, Beatty, explica que el aumento de la población ha originado la aparición de más minorías susceptibles a ofenderse por algunos textos y por esta razón, convierten los libros en ceniza. Esta frase de un personaje de ficción escrita en 1955, me da absoluto vértigo ya se puede extrapolar a nuestros días.

Personalmente, reconozco que soy más feliz sin redes ni televisión pero me asfixia la idea de no estar informado. Encontrar el equilibrio entre vivir informado y la felicidad, es un estado difícil de conseguir.

La historia de la obra se basa en el personaje de Montag, un bombero que se dedica a quemar libros porque el gobierno estima que la literatura es el principal enemigo. Sin embargo, Montag sufre varios sucesos que originarán un cambio de rumbo en su manera de ver el mundo y se verá obligado a tomar el control de su vida. 

Un mundo feliz o 1984 forman parte de esta literatura distópica y el cine y la televisión han explorado mucho sobre estas sociedades sin empatía ni conciencia como V de Vendetta o Hijos de los Hombres. Sin embargo, veo mucha influencia en Equilibrium (2002) aunque hablemos de una peli de acción y seguramente, no sea tan conocida. En Equilibrium, el bombero es sustituido por un clérigo policial y los libros son prohibidos con pena de muerte si se poseen. La escena entre los clérigos interpretados por Christian Bale y Sean Bean es significativa ya que uno de ellos roba un libro en uno de sus registros, tal y como realiza Montag en la obra escrita. Se plantea la duda en los ejecutores de la ley.

Otro dato curioso, es que el protagonista de la novela se llama Guy Montag, muy parecido a Guy Fawkes, que fue aquel señor que intentó volar el parlamento británico en 1605 y que tan bien fue homenajeado en V de Vendetta con su eterna máscara.

FAHRENHEIT 451 de TRUFFAUT (1966).

Mis conocimientos sobre el cineasta Truffaut son bastante pobres. Soy consciente que es un referente. Por tanto, no comprendo muy bien el sentido filosófico que existe en dos escenas rodadas a la inversa. Me producen tal comicidad como en la escena de la biblioteca de Top Secret (1984). Por ejemplo, en la escena de la quema de libros, nuestro protagonista se uniforma “al revés” o cuando los bomberos suben por el tubo de sus instalaciones, también se refleja un burdo rebobinado. Ésta última escena me retrotrae a la serie Batman que justamente pertenecen a la misma década. 

Además, la obra de Trufaut se nutre de escenas surrealistas. En una secuencia, se observa a un señor haciendo que se besa a él mismo en plena redada policial. En otra escena, uno de los bomberos vestido de mujer, vigila a Montag, transmitiéndome la duda si tengo que tomarme en serio la cinta. En otra secuencia curiosa, Beatty, el capitán de los bomberos muestra los últimos detenidos a Montag a través de un álbum. En esas fotos, aparece Montag con "detalles" para no ser reconocido y con un símbolo de no capturado.

En la obra literaria, aparece un perro mecánico del cuerpo de bomberos que actúa como rastreador de herejes y delincuentes. Entiendo que en 1966, el CGI o los animatronics no estuvieran al alcande de Truffaut. Sin embargo, se dejan al (ex)profesor Faber, que es parte primordial del “despertar” de nuestro protagonista, Montag. Para más inri, no aparece ni en la película del 2018 que se supone que disponen de más medios. El personaje de Faber sería el Michael Caine de Los hijos de los Hombres, el Stephen Fry de V de Vendetta o el John Cleese de Últimatum a la Tierra (2008), que cuelo sin pestañear por el asunto apocalíptico.

Me quedo con dos aspectos de la novela de Bradbury sumamente interesantes y que tocan nuestros días. Como ya he comentado, es curioso como dos generaciones tan alejadas acaben tocándose como si fueran extremos ideológicos.

En la novela y película, los intelectuales son perseguidos y alejados de la grandes ciudades. Bradbury transmite en su obra, la pasividad de estos grupúsculos intelectuales que nunca emprendieron ninguna lucha aún a sabiendas de la deriva de la sociedad. "Se dejaron solos unos a otros hasta que fue demasiado tarde". Faber: “Mr. Montag está usted viendo un cobarde”. Viendo nuestra clase política actual, en una sociedad donde prima la emoción en detrimento a la razón, somos carne de un populismo barato que nos lleva a una deriva difícil de corregir.

Hay dos escenas en el Resplandor de Kubrick que no tienen ningún sentido y sólo con la lectura de la novela se puede vislumbrar un poco de cordura.

Wendy angustiada corre por los pasadizos del hotel en busca de su hijo. En el transcurso de su huida, se va encontrando con todos los fantasmas posibles que le ofrece el hotel. Uno de estos encuentros es el siguiente:

Bautizado como el hombre oso en la película. Según en la novela, es un hombre disfrazado de perro al que Danny se encuentra a cuatro patas en uno de los vestíbulos. En el libro, este “furry” amenaza a Danny con comérselo y su deseo es comenzar por su “pirulí” pero escapa. Más tarde, se descubre que nuestro can antropomorfo se hace llamar Roger y vuelve a aparecer en la novela en un baile de máscaras junto al constructor del hotel, un tal Horace Derwent. Este Derwent se dedica a humillar públicamente al hombre perro y lo manipula a su voluntad bajo la mofa del resto de invitados de la fiesta.

Los detalles de comenzar a comerse al niño por el “pirulí” y su respectivo sometimiento hacía Derwent, derivarían en la felación que se intuye en la película de Kubrick. Es una amalgama de detalles que ofrece la novela y que un lector como Kubrick, podría haber plasmado conscientemente en esa pequeña escena.

Otra teoría “más hilarante” es que Danny habría sufrido abusos sexuales por parte de su padre. En una escena de la película, Danny está en ropa interior en su habitación y observamos dibujos de osos en unos cuadros y en un peluche con forma de cojín. ¿Podría ser este hombre oso una metáfora entre Danny y su padre? La novela no indica indicio de ningún abuso sexual pero sí que se explica la agresión del padre al hijo.

¿Qué significa la foto final del 4 de julio de 1921 con un Jack del pasado?

Una paranoia y ya está. Podría cerrar el post y quedarme tan pancho  pero no.

La novela y la película coinciden en esta teoría. En la novela, Jack está exultante en un baile de máscaras imaginario y se encuentra al fantasma de Grady (el asesino que mató a su familia). Éste le comenta un detalle que no se puede pasar por alto y que reafirma el comentario de la co-guionista de la película:

“El vigilante es usted. Siempre ha sido el vigilante. Estoy seguro, señor, porque yo siempre he estado aquí. El mismo director nos contrató a los dos al mismo tiempo”.

Para más inri, Jack espeta en algún momento de la película“es como si ya hubiera estado antes en el hotel” reflejando una percepción de coincidencia y un déjà vú muy real.

Esta frase de Grady en la novela podría haber influido a Kubrick para confeccionar esa misteriosa foto final que tantas teorías nos ha regalado.

Feliz año amigos.

Adoro Filmaffinity pero en ocasiones, no estoy de acuerdo con su democracia ni con sus votos emitidos en total libertad. Ya sea por la exigencia del usuario o porque dicha peli tiene muchos años pero hay cintas con puntuaciones que harían vomitar a una cabra.

Voy a exponer mi defensa de cinco películas de acción injustamente ajusticiadas y que estoy muy orgulloso de disponerlas en formato físico. Un aspecto muy importante de mi valoración es que no ha variado mi impresión al visionarlas actualmente. Empecemos. Voy fuerte:

Masters del universo (1987). Puntuación: 4,6.

El bajo presupuesto de la película lastró que su historia se focalizara en la Tierra y no en Eternia pero este aspecto no desmereció sus decorados y por ejemplo, los interiores del Castillo de Grayskull son bastante potables. Además posee una potente banda sonora de Bill Conti que se escucha permanentemente durante toda la película, y que para nada tiene influencias del Main Theme de Superman. Para nada (sic).

Masters del universo de Gary Goddard es una película excelente de bajo presupuesto que va a todo trapo desde el minuto uno. Su fantasía me evade y me distrae. No pido nada más.

Danko: Calor Rojo (1988). Puntuación: 4,8.

Escenas antológicas como la de la sauna, el hombre vestido de enfermera o maravillosos diálogos como¿Considera femenino tener un periquito?, hacen de Danko: Calor Rojo una de las mejores películas de acción de los 80 con un Schwarzenegger pletórico.

Juez Dredd (1995). Puntuación: 4,1

Sin embargo, Juez Dredd tiene secuencias memorables como la escena de las motos voladoras, el tiroteo inicial en Mega City o mi preferida, el encuentro de Dredd con los caníbales. La crítica, por aquellos años, era implacable con Stallone con nominaciones a los Razzies anuales. No obstante, el presagio de catástrofe no hizo bajar la guarda a la taquilla internacional que apoyó el film del personaje de Wagner y Ezquerra originando una válida recaudación.

Reivindico la versión de Juez Dredd de Stallone. Imprescindible.                                                     

Escape de absolom (1994). Puntuación: 4,9

Estamos ante un mezcla de Fuga de Alcatraz, 1997: Rescate en Nueva York y Mad Max muy entretenida y bastante desconocida para el público en general. Ray Liotta como héroe de acción está sensacional y su antagonista, Stuart Wilson, que recuerda mucho al personaje de Dennis Hopper en Waterworld, está sublime.

Película de aventuras carcelaria muy infravalorada y con escenas a recordar. Sugiero al lector que le ofrezca una oportunidad.

Soldado Universal (1992). Puntuación: 4,8

Soldado Universal es una película icónica del género con tiros, persecuciones, hostias como panes y patadas circulares. La película contiene momentos inolvidables como el de Dolph Lundgren con su collar de orejas y la secuencia de los “Unisol”rapelando por una presa para desbaratar un ataque terrorista. Soldado Universal es uno de los referentes del género de acción de los noventa.

Un abrazo. Echo de menos las película de los 80 y 90.

Sin duda, uno de los cortometrajes más angustiosos que he visto. Me apareció en uno de esos “vídeos cortos” de Youtube a merced de su logaritmo curioso y quedé horripilado.

Una mujer ensangrentada despierta en una superficie lisa y curva donde permanece sujeta in extremis en una posición poco convencional. Cualquier movimiento en falso, puede deslizarla hacía el fondo de un oscuro foso. La mujer desconoce cómo ha llegado a ese agujero y no sabe que hay en el interior del abismo. Es una situación desesperante.

He tenido pensamientos de ese estilo fijándome en superficies lisas de todo tipo con una ligera inclinación pero no atisbo idea real para ayudar a esa desdichada mujer. ¿Tumbarte sobre un costado? La verdad que esa impotencia es lo que me atrapa de este pequeño vídeo de apenas 10 minutos.

Se podría decir que estamos ante una versión minimalista de películas como Buried o 127 horas. El gran fallo del cine actual no radica en la técnica ni en la estructura de un guion sino en la falta de ideas originales. Y aunque se trate de un corto, consta de un concepto simple, innovador y proporciona un interés al espectador desde el primer minuto.

Este corto australiano es dirigido por un tal Tim Egan y es interpretado por una magnífica Laura Jane Turner que no emite palabra alguna pero a través de su rostro transmite un desasosiego pulsante en cada segundo. Convincente.

Según una entrevista, la “inspiración” del director para perpetrar esta obra fue gracias a dos momentos vividos. Uno de ellos fue cuando sufrió un atropello por parte de un coche que se saltó un semáforo en rojo. El hecho de agarrar el asfalto con las manos, medio inconsciente, le produjo una sensación de seguridad irreal, tal y como muestra la actriz en el corto. También le influyó para la cinta estar en contacto con una persona deprimida. Ésta le comentó al director que la sensación de estar en ese estado de depresión era igual a que la tierra se abriera debajo de ti y que el único propósito de la vida era no caer por ese precipicio.

Se le achaca también que no refleja el motivo por el cual se encuentra la mujer en esa situación. Personalmente, me importa bien poco. ¿Y si se ha resbalado con una piel de plátano y ha caído en ese agujero? ¿Sería un detalle relevante?

Inicialmente, el director pensó en filmar una causa que explicara cómo había acabado la mujer en ese hoyo pero se descartó. Se le pasó por la cabeza de que la chica estaba paseando al perro y al escaparse el can, cayó en la fosa. Sin embargo, pensó que el público perdería el interés ya que se preguntaría todo el tiempo que le habría pasado al perro. Y no le falta ni le sobra razón.

Curve ganó el primer premio en Sitges de 2016 y también fue galardonado a mejor corto en un festival de París, llamado Paris International Fantastic Film Festival.

Desconozco si su director tendrá la misma suerte que David F. Sandberg que triunfó con el corto Luces fuera (Lights out) y lo catapultaron para dirigir Shazam y Annabelle. A priori, se le ve con talento.

Aquí enlazo el susodicho. Un abrazo.

Los trailers. Aquellos pequeños cortos con una alta carga de marketing que pueden concluir en la tragedia o en la gloria. Existen trailers que son mejores que la película. Hay trailers confeccionados con el bajo vientre que te meten spoilers hasta la yugular. Y se hallan trailers absolutamente épicos.

La importancia de la banda sonora en estos pequeños fragmentos de milésimas de segundo es vital. No soy muy partidario de la utilización de música pop, rap o rock para los trailers pero entiendo que hay que captar al público joven y no a los carcamales como yo que aún escriben en blogs.

Detrás de esos 2:24 minutos hay verdaderos artesanos que te embaucan para acabar viendo (y pagando) auténticos mojones. Sin embargo, no siempre es el caso y voy a exponer 5 trailers que los definiría como épicos y que me embaucaron de manera irracional.

5. Mad Max: Fury Road (2015)

Era impensable volver a ver una película de ese calibre y lo hizo un señor de 70 años. Una película sencilla de persecución constante con un Junkie XL contundente y un montaje loco. Por ejemplo, Mad Max 2 tuvo 120 cortes en 90 minutos. Fury Road tiene 2.700. En mi opinión este es el mejor trailer de la película de todos los que se subieron.

4. Alien: el octavo pasajero (1979).

Dejad que cuele mi visión jurásica. No es una película de acción al uso pero posee un trailer asfixiante con un tinte experimental que reta al espectador a tener agallas para ver la cinta.

No aparece el Alien y suena una bocina insana durante toda la presentación. Sólo insinúa y añade un amenazante “En el espacio nadie puede oír tus gritos”.  No creo que haya mejor campaña de marketing para una película.

3. Man of Steel (2013).

He disfrutado de Marvel y de DC de Snyder. No voy a entrar en polémicas estériles pero necesitaba un Superman de ese calibre. El trailer nº 2 de Man of Steel es absolutamente glorioso. Esa música onírica junto con la escena del primer vuelo de Kal-El originan unos pelos como escarpias. No sé cuántas veces me tragué este trailer. Absolutamente épico.

2. Hasta el último hombre (2016).

Otro éxito de Mel Gibson después de casi diez años en el olvido. Un olvido que se ganó a pulso al igual que su resurrección. Hasta el último hombre cuenta la historia de Desmond Doss, el primer objetor de conciencia que recibió una Medalla de Honor de Estados Unidos sin coger un arma. Historia ideal de valores para un Mel Gibson que fraccionó su cinta en dos partes: la instrucción y la guerra. Un trailer espectacular que atisbaba la vuelta de un grande.

1.  300. El Origen de un Imperio (2014).

Segunda parte de la maravillosa 300 que pasó sin pena ni gloria pero que a un servidor le encantó. Esta segunda visión ya no tenía la fuerza de Gerard Butler pero visualmente es espectacular. La guerra se traslada a los mares con unas batallas navales impresionantes. Conserva su origen de cómic y se añade al reparto, la agradable sorpresa de Eva Green.

El segundo trailer lanzado es el elegido y el mejor. Los pequeños frames del trailer han sido seleccionados cuidadosamente para que coincidan con la percusión de la banda sonora. Una bestia de trailer.

No puedo más. Para un servidor, personajes como Axel Foley son iconos al mismo nivel que John McClane. Ellos formaron parte de nuestra educación cuando aún estábamos blandos y vulnerables. Nos curtieron. En los ochenta y en los noventa, admiraba a Eddie Murphy y no me hubiera importado ser de raza negra sólo para emular alguno de sus personajes. No necesitaba que Netflix me dogmatizara con su woke tiránico.

¿Alguien se acuerda cuando Axel Foley recorría la lujosa Beverly Hills con su coche destartalado? Pues hemos pasado de ver lujo, mujeres atractivas y hombres que se bajan de descapotables a observar cómo mujeres se visten con niqabs de diseño. ¿Esto es el concepto de empoderamiento de la mujer que tengo que aceptar? No me da la gana.

La juventud que hace reviews afirma que esta versión de Netflix no desprende "woke". Siento comunicarles que se equivocan pero su inocencia es su virtud. No tengo problemas con la relación interracial que vemos en la película ya que los personajes implicados tienen cierto “peso” en la trama. También acepto que la pareja de policías que arresta a Foley sean dos chicas de raza negra con un peso de 50 kg cada una. Lo apruebo porque es un caso justificado ya que una de las policías es Bria L. Murphy, hija de Eddie Murphy y a modo de cameo me vale. Sin embargo, con la escena antes descrita (la mujer tapada), el globo de la inclusividad puede reventar y Netflix disfruta siendo la aguja que lo haga estallar.

Me encantaban esas escenas de cómo Axel Foley se hacía pasar por un amanerado Ramón y accedía a Victor Maitland porque éste le “había pegado un bicho” o cómo entraba en la mansión Playboy haciéndose pasar por un limpia piscinas. Y quiero cantar la canción del parque de atracciones “Wonderworld” hasta morir. Por cierto… ¿Qué le pasa a la gente con Superdetective en Hollywood III?

Viendo la nueva versión de Netflix, Superdetective en Hollywood III es el Padrino. No entiendo muy bien la actitud de Eddie Murphy al defenestrar esta tercera parte pero tampoco creo que estuviera en sus cabales por aquella época. Hace años, Eddie Murphy rechazó un guion de Brett Ratner para hacer una cuarta parte y el tono de las películas que se veía en Hora Punta hubiera encajado a la perfección para realizar Superdetective en Hollywood 4. Sin embargo, cabe añadir que las pocas opciones que había para convencer a Eddie Murphy se esfumaron en el mismo momento en que Brett Ratner se ganara a pulso la etiqueta de depravado sexual.

“Quiero volver a la fuente. Pero también quería hacer una película que fuera muy moderna y contemporánea… Cuando las miras hacia atrás, esas películas eran realmente bastante realistas, honestas y un poco crudas, y quería hacer una película así sobre personajes brillantes, personajes más grandes que la vida”

Qué maravilla. ¿Qué es esta agua que emana por mis ojos? Y mi pregunta para Mark Molloy es:

¿Qué tipo de potencial público crees que va dirigida tu película? ¿A los niños del Tiktok o a los cuarentones que han mamado Axel Foley desde el cine? Ese espectador veterano no quiere versiones modernas ni contemporáneas. No queremos comenzar la película con un policía adulando al personaje del bueno de Eddie Murphy. Es cargante y artificial. Tampoco queremos ver como “los malos” exclaman con admiración que Axel Foley es muy escurridizo. ¿Escurridizo?

Victor Maitland, Maxwell Dent y Ellis Dewald querían la cabeza de Foley. No lo admiraban, lo odiaban y así tenía que ser.

El drama no pertenece a Superdetective en Hollywood. Ni siquiera hubo tragedia en el funeral del Inspector Todd. Todo lo contrario. Hay una broma sutil entre la viuda y Axel Foley.

Además, es un despropósito, está rodada como un telefilm y tiene un pésimo montaje. Unos planos y contraplanos en los diálogos sin continuidad en la gesticulación de los personajes. Se reflejan unos cortes abruptos e innecesarios causados por la inexperiencia de su realizador.

¿Qué necesidad hay de realizar una secuela 30 años más tarde? Si algo se sabe desde la era de los Anunnakis es el fracaso de inventar hijos (o acompañantes impostados) para forzar una “buddy movie” donde el personaje principal ya se valía por sí solo. Ejemplos claros son Indiana Jones y el Dial del Destino o La Jungla: Un buen día para morir (y eso que esta secuela de John McClane la tolero muy bien). Se ha perdido la ironía y la sutilidad bajo un manto de humor absolutamente pueril y se ha concluido la saga con un drama familiar.

¿Qué han hecho con el personaje de Billy Rosewood interpretado magistralmente por Judge Reinhold? En la saga original, era un policía elegante donde su bondad y su afán de hacer cumplir la ley alcanzaban cotas de ridículo. Suya es aquella fantástica escena en la que movilizaba a todos los cuerpos de élite para rodear una furgoneta que finalmente estaba vacía.

En esta versión es un viejo con apariencia de homeless vestido con camiseta de Guns N’ Roses y viviendo en un cuchitril. Absolutamente desaliñado e interpretando a un personaje que no corresponde a la saga original. No es Billy Rosewood.

El personaje emblemático de John Taggart también refleja problemas de “tono”. Su rectitud excesiva provoca que se le coja inquina a su personaje cuando no debería. Sabemos que era un tipo serio, recto y un policía honrado pero tenía su punto cómico. En Superdetective en Hollywood lo confunden con el expresidente Gerald Ford y junto con Axel y Billy detienen a unos maleantes en un local de striptease con cómico resultado.

Antes de escribir cualquier narración, se tiene que conocer a la perfección los personajes de tu historia y aquí, ese trabajo ya estaba hecho. Era sencillo y sin improvisación. Mal.

Superdetective en Hollywood 4 posee un guion con una trama de corrupción absolutamente manida y un desaprovechamiento enfermizo de los cameos y de los personajes secundarios. El más insultante es el personaje de Serge protagonizado por el gran Bronson Pinchot que realiza un cameo de vergüenza ajena. Pese a quién le pese, este personaje hace su mejor intervención en Superdetective en Hollywood III con el “Aniquilator 2000”. Escena icónica.

Realmente Axel Foley no ha perdido su chispa. Simplemente Netflix y su director Mark Molloy han orinado en ella y la han apagado.

Indiana Jones, Jungla de Cristal o Superdetective en Hollywood no pueden generar secuelas entretenidas para pasar un rato. Tienen que corresponder “mínimamente” a sus antecesoras y esta cuarta parte no vale ni para pasar una tarde.

¿Tiene algún aspecto positivo esta cuarta entrega? Sí.

La banda sonora de Lorne Balfe respeta mucho la composición original realizando sólo unos arreglos para que quede una música más limpia y actual.

Qué se acuerden de Gil Hill y de Ronny Cox. Emblemas de la saga.

La alegría de que Eddie Murphy conserve su doblaje al castellano (de toda la vida) perpetrado por el gran Juan Fernández.

Kevin Bacon me convence como villano de la función ya que enriquece el producto sólo con su presencia aunque sea testimonial.

El esfuerzo en recuperar a los grandes secundarios de la saga como Judge Reinhold, Paul Reiser, John Ashton y Bronson Pinchot. Es de agradecer aunque el resultado no sea el esperado.

Qué hayan contado con el barcelonés Eduard Grau como director de fotografía. En este país tenemos grandes profesionales.

Sorprendentemente, la recepción de la película ha sido bastante aceptable por parte del público que no conoce ni tiene en alta estima al personaje. Me alegro por vosotros. Os envidio. Un abrazo.

Razas de noche fue dirigida por el británico Clive Barker inspirada en su propia novela titulada Cabal. Su estreno fue una castaña tanto en crítica como en taquilla pero una horda de adeptos elevaron la cinta a niveles de Baphomet (creador de la ciudad de Midian donde viven los monstruos) y entró en el selecto club de película de culto.

¿Por qué esa baja taquilla?

Razas de noche se estrelló porque las productoras Fox y Morgan Creek, no entendieron la visión del director de Hellraiser que era muy similar a su novela. Barker siempre ha defendido que su película trataba de una historia de amor gótico pero la productora no estaba por el asunto y solicitó rodar nuevas escenas para convertirla en un slasher aprovechando el tirón de David Cronenberg (Dr. Decker) que interpretaba al villano (o a uno de los villanos).

También Barker pretendía que las razas de noche conectaran emocionalmente con el espectador y no con los seres humanos que sólo buscaban la destrucción de Midian y la extinción de las criaturas.

Eigerman, los verdaderos villanos.

La productora no podía tolerar que los monstruos fueran los buenos ya que era un suicidio financiero y la película que se emitió en cines expuso esta visión sin ningún éxito. Y digo sin éxito porque yo personalmente percibí en esa versión “mutilada” que las razas de noche eran los verdaderos héroes de la cinta.

Según cuenta el creador de Hellraiser, hubo un cambio en el personal de la productora cuando se empezó a rodar la película y ahí se torció el proyecto. Nadie consiguió su objetivo. La productora montó una película de Razas de Noche que el espectador no comprendió y los fans de Barker tampoco.

Decker (David Cronenberg)

Razas de noche es una película de fantasía con muy poco terror y ponía muy difícil su campaña de marketing al considerarse como inclasificable. Barker no suele desempeñar en sus obras un trabajo lógico y racional y la productora erró en editarla para que fuera más comercial.

Se llegó al punto de contratar a actores de doblaje de hacendado para modificar los diálogos y doblar encima de lo ya grabado. Por ejemplo, al actor Doug Bradley (Pinhead en Hellraiser y Lylesberg en Razas de Noche) le suprimieron la voz a su personaje y le pusieron un doblaje encima con cierto acento alemán. Cuando Clive Barker vio eso, se le rompió el corazón al ver como maltrataban a su amigo Doug Bradley que conocía desde los 15 años.

Aaron Boone en plena transformación.

Se cuenta que Tim Burton y Clive Barker hablaron sobre este suceso y el director de Eduardo Manostijeras le explicó que tuvo los mismos problemas con Bitelchús pero que luchó hasta el final para que se estrenara su versión y triunfó.

¿Se ha editado un director’s cut?

Pues sí. Llevábamos más de 15 años con la turra de la edición dels Director’s cut y no llegaba nunca. Es importante saber que Razas de noche tiene tres versiones: La versión del cine, la versión del director que se ha editado hace relativamente poco y la versión de un señor muy motivado que juntó todo el metraje encontrado en almacenes y montó una cinta con una duración de más de tres horas, titulada Cabal’s Cut.

La bibliografía del amigo Argail.

Algo muy significativo de las tres visiones de Razas de Noche es que la versión de cine consta de 100 minutos y la versión del director dura 120 minutos. Sin embargo, en la contraportada del Bluray afirma que hay más de 40 minutos inéditos en el director’s Cut. ¿Dónde están esos 20 minutos restantes? ¿Nos han mentido? ¡Nain! Porque se han sustituido unos 20 minutos de la versión original y así completan los 40 minutos del material inédito prometido.

Me interesa mucho los cambios significativos entre las tres versiones y sobre todo en el aspecto visual de los monstruos. Por tanto, a partir de aquí el spoiler va a ser constante.

Como anécdota, la banda sonora la compuso Danny Elfman, componiendo una de las mejores músicas de su vida. El coro que aparece en la melodía inicial tuvo que cantar de espaldas a las imágenes ya que la voz del coro se grababa directamente viendo la película y no era apta para menores.

Dos detalles curiosos es que tanto en la versión del director como en la versión de cine no se hace hincapié o no ven relevante, la dualidad entre Decker y su máscara. En realidad, la máscara le domina y le incita a perpetrar los asesinatos y tanto en la novela como en la versión Cabal’s Cut se ven grandes conversaciones entre la máscara y el personaje de David Cronenberg.

Joyce se pira en el Director's Cut.

Joyce fallece en Razas de noche (1990)

Lori & Boone

Las diferencias más relevantes entre el Director’s Cut y la versión de cine es el aumento de escenas que comparten la pareja protagonista, Boone y Lori. En la versión de cine editada no se percibe un amor sempiterno entre los tortolitos y ver a Lori persiguiendo a Boone en toda la película transmite que hay algo en su cabeza que no va bien. Algo tóxico. Sin embargo, en la versión del director, sí que se permite ver el vínculo romántico que existe entre la pareja. Y finalmente en el Cabal’s Cut, ya van de menos a más, y vemos a Boone y a Lori como se dan el filete con fruición y como se despojan de su ropa interior.

Lori. Su personaje es más protagonista en la novela que en la película.

Una escena curiosa que sólo se ve en las versiones “extendidas” y que su director alaba, es cuando Lori canta en un escenario con mucho público mientras Boone la contempla y decide irse a Midian con lágrimas en los ojos. Si no es para contemplar la hermosa voz de la actriz, la conclusión es que se pierden dos minutos tontamente.

Las razas de noche. “Lo que está abajo, permanece abajo”.

Crear las razas de noche es uno los aspectos en los que Barker supera a su propia novela Cabal. En el libro se citan criaturas con cara de perro, seres ardiendo y como algunos huían transformándose en bandadas de pájaros. No es suficiente. Una imagen vale más que mil palabras y el director de Hellraiser puso toda la chicha en el asador. Por cierto, este personaje con cara de perro sólo aparece testimonialmente en la versión extendida y en el Cabal’s Cut. Su participación estelar es coger a Babette (una niña “monster”) y alejarla del conflicto final.

La incorporación de más seres prodigiosos en comparación a la novela convierte a la película en un extraordinario catálogo de monstruos. Para este cometido ayudó un tal Mark Coulier que fue ganador de un Óscar por la Dama de Hierro de Meryl Streep. También el uso del stopmotion en un par de escenas y que aparecen en las versiones extendidas fueron bastante lamentables.

Además de la imagen anterior, la versión extendida nos ofrece una escena en stopmotion donde un aborto de cangrejo volador neutraliza a un humano. No hacía falta. Cómo decía aquel “Llegaron demasiado tarde para el stopmotion y demasiado temprano para el CGI”. 

Para la película se crearon los Berserkers que son una especie de alimañas sin cerebro que Midian libera para la batalla final contra los “naturales”. Estas criaturas no aparecen en la novela y podríamos definir que son las armas de destrucción masiva de las Razas de Noche.

También tenemos a Kinski (llamado Jackie en la novela) con su cabeza de media de luna y por supuesto, a Peloquín que es una criatura vital, tanto en la novela como en la película, ya que en el primer encuentro muerde a Boone y su mordedura le transformará en Raza de Noche. Un poco rollo Drácula.

Peloquín y Kinki.

También vemos a Lylesburg, el guía de Midian, interpretado por Doug Bradley, el actor que interpreta a Pinhead en Hellraiser. Un personaje que podría haber dado más de sí.

Y también vemos a Raquel, con un gran protagonismo en todos los formatos y que nos regala un topless para atontar a sus enemigos y darles matarile.

He aquí mi favorita alimaña que no pertenece a la novela y está estrictamente diseñada para la ocasión. Es el personaje de Shuna Sassi, mezcla de erizo y gata que hace sus delicias contra los humanos en la batalla final. Su erotismo es palpable y su lanzamiento de púas tóxicas la convierte en una raza de noche letal.

Por ejemplo, también vemos a un tal Leroy Gomm que es un ser al que le brotan unos tentáculos de su estómago y a Vasty Moses, que es quizá la criatura más grimosa de toda la película.

Hay un universo extenso de razas de noche con información ampliada en una serie de cómics que sintiéndolo mucho, no me interesa.

Varios finales.

El final de la película es donde personalmente valoro más esta edición del montaje del director.

En la versión cinematográfica, un sacerdote (padre Ashbery) se echa por encima “un caldero mágico” del mismísimo creador de Midian, Baphomet y parece que obtiene algún tipo de poder en el acto. Más tarde, se encuentra el cadáver de Decker que ha sido derrotado por Boone y sin pensarlo, Ashbery introduce su mano dentro de las entrañas de Decker y lo resucita. Esta escena me recuerda mucho a la película Videodrome de David Cronenberg y que justamente interpreta al malogrado Decker. Este final originaba que la historia forzara secuelas pero no causó ese entusiasmo y su director no pudo completar su intención de hacer una trilogía.

Como veis, Razas de noche tiene mucha miga y varias versiones pero desde un primer momento supe que tendría un sitio privilegiado en mi estantería. Un abrazo.

Es curioso como la temática del payaso asesino ha tenido sus altos y sus bajos durante su historia. Desde aquella divertida paranoia de Los payasos asesinos del espacio exterior del 1988 hasta nuestro querido Pennywise de IT como personaje más célebre. Con mención especial a Twisty de la serie de American Horror Story que causó una queja del gremio de payasos para que no se estigmatizara su oficio.

Quizá la saga Terrifier no es para todos los gustos pero Art el payaso ha causado un fenómeno de masas que ha favorecido que el cine gore o splatter se colara en el cine comercial. Me imagino la cantidad de espectadores que habrán ido a ver Terrifier III pensando que iban a visionar una especie de IT III. Este auge de la saga que iba destinada a ser terror marginal ha sido aupada por titulares en los medios como: “los espectadores han tenido que huir del cine” o “ha provocado vómitos”. Sinceramente, los 10 primeros minutos de “Up” me han causado más terror que todos los “gores” del universo.

El actor que interpreta a este suicida clown, es David Howard Thornton que posee unadelgada figura de casi 1,90 y la característica principal de su personaje es que no emite palabra alguna. Esta disyuntiva es interesante ya que su profesión “oficial” es poner voz a personajes de animación donde ha trabajado en más de 200 voces y en diferentes dialectos. Cabe destacar que el primero que se enfundó el traje de nuestro amigo Art fue un tal Mike Giannelli que sólo interpretó los cortos y el primer mediometraje. Sin embargo, las tres horas de maquillaje no fueron de su gusto y dimitió.

Esta saga está creada por Damien Leone que comenzó con cortos de terror y con una película primeriza bastante chusca. También, a lo largo de sus películas veremos una evolución del payaso asesino que cambiará de humano a ente paranormal (y por ahora, inmortal). Personalmente, me hace mucha gracia ver que a mayor reconocimiento del público más caras conocidas se apuntan al carro y lo iremos viendo sobre todo en Terrifier III. ¿Es Art el payaso el nuevo Jason Voorhees o el nuevo Michael Myers del siglo 21? Lo dudo. Nunca pondría a mis padres ninguna película de Terrifier ni tampoco la Vida de Adèle pero sí que les invitaría a ver Halloween o Viernes 13.

Valoración de las pelis y comienzan los “spoileres”.

All hallows eve o la Víspera de Halloween (2013).

Primer y experimental largometraje donde se estrena Art el payaso con muy poco presupuesto pero con muy mala gaita. Su inicio es prometedor. La niñera y dos críos reciben una cinta VHS junto con los caramelos de Halloween y en dicha cesta, descubren una maravillosa película snuff. El niño queda realmente absorto con las imágenes pero el resto de espectadoras quedan horrorizadas. Por cierto, el actor de doblaje del niño seguramente debe calzar unos 50 años. Una voz un poco grave para un niño de 12 años.

En esta primera intención, Art el payaso no es el protagonista ya que la película está dividida en tres segmentos y el payaso sólo aparece al principio y al final. Es más, esta película se nutre de dos cortos anteriores del director como lo son “El noveno círculo” (2008) y Terrifier (2011), valga la redundancia ya que ese nombre seguirá en la saga.

Sin duda, es la más floja de todas con una historia de un extraterrestre absolutamente lamentable pero consta de escenas bastantes brutotas. Por ejemplo, en el inicio veremos una “fuerte discusión” entre una señora embarazada y los miembros de una “presunta” secta (un copia y pega del corto “El noveno círculo”).

Terrifier I (2016). 

Una presentadora entrevista a una superviviente de Art el payaso que ha sufrido “unos leves cortes en la cara” pero la víctima descubre en el backstage que la presentadora se está mofando de sus deformidades. En un acto maravilloso, la invitada ataca a la presentadora y le arranca los ojos. Esta superviviente (Victoria) se mantendrá en toda la saga y evolucionará de víctima a asesina. En esta primera cinta, Vicky (o Victoria) es la hermana de una de las víctimas de Art el payaso y que intentará ayudar sin éxito.

El relato trata de dos amigas que salen de una fiesta de Halloween y se ven increpadas por el payaso con mutilado resultado. Una de ellas acaba serrada por la mitad (en vertical que duele más) y esa víctima es interpretada por la guapa Catherine Corcoran que recuperarían para el videoclip musical de Ice Nine Kills: A Work of Art de Terrifier III. Le va la marcha a esta actriz.

La virtud de esta primera incursión slasher es que sus víctimas son realmente odiosas, por tanto, la empatía con el payaso asesino es total. La gesta taquillera de Art el payaso ya comenzaba a asomar y la película que costó 35.000 dólares; logró recaudar en taquilla más de 400.000 dólares a nivel mundial.

Mi nota es de 6/10.

Terrifier II (2022). 

En 2022 se estrenó Terrifier 2, con un presupuesto de 250.000 dólares y generó más de 15 millones de recaudación. Si algo se le atribuye a esta secuela es por tener la escena más bestia de toda la saga. Hablo de la célebre escena del dormitorio y del ensañamiento desmedido con la amiga de la protagonista, Allie, causando una polémica también desproporcionada. Todo este marketing favorecía un boca-oreja que alimentaba la curiosidad del público.

No quiero dejarme en el tintero la aparición de una niña desagradable que forma parte de una alucinación de Art the Clown. El primer encuentro entre el payaso y la niña en una lavandería es formidable. Me ahorraré los detalles escatológicos. Más tarde, descubriremos que esta niña fue una víctima de este asesino. La verdad que es una lástima que este personaje desaparezca en la posterior secuela y por ahora, no tenga más desarrollo.

En esta segunda parte (bueno… oficialmente la tercera) se refleja la inmortalidad del payaso y ya podemos definirlo como un ente maligno sobrenatural. En la escena final, Sienna le corta la cabeza a Art The clown pero esta cabeza acaba en las entrañas de la superviviente de Terrifier I. ¿Os acordáis de Victoria de Terrifier I? Pues esa desgraciada mujer tiene que parir una cabeza diabólica que permitirá la resurrección de Art el payaso originando una bonita excusa para disfrutar de otra secuela.

Mi nota es de 7,5/10.

Terrifier III (2024). 

Podemos ver a Daniel Roebuck vestido de Papa Noel que aparecía en el Fugitivo y US Marshals, Jon Abrahams de Scary Movie, Clint Howard, hermano de Ron Howard y a Jason Patric que me he enterado que aparece gracias a los créditos porque “el antes y el después” del actor es realmente estremecedor.

En conclusión, soy consciente que la saga tiene sus detractores pero es un fenómeno interesante que se ha originado de la nada y gracias al boca a boca se ha convertido en todo un acontecimiento, tal y como sucedió con Saw. Esperemos que no lo estiren mucho y no caiga en la secuela insustancial. Por ahora, tiene mi approved.