Soytutioargail

En estas fechas tan lúdico-festivas siempre viene bien un poco de retrospección, de calidez con la gente y de explicar hazañas personales al lector y lectora, a modo de abuelo del anuncio de Werther's original.

Corría el año 1989 y contaba con la virginal edad de 7 años, y mis sendos padres, amablemente, me invitaron a participar en el célebre programa de La1 (el primer botón del mando), Juego de Niños. Y cito, me invitaron amablemente porque por mi intervención nos embolsábamos unas 10.000 pesetas que como el lector puede divisar, no vi ni un duro. Se supuso unilateralmente que con mis cortos siete años ya tenía que pagar por mi manutención y estancia con carácter retroactivo. A pesar de todo y a modo de emolumento, me obsequiaron con un aborto de figura llamado gallifante, que era mitad gallo y mitad paquidermo. Mi imaginación hizo el resto con el muñeco y me di por saldado.

Mi premio al esfuerzo

Juego de Niñoscontó con cuatro presentadores desde el 1989 hasta el 1991. A mí me tocó Ignacio Salas que era aquel que hacía una especie de dupla humorística con Guillermo Summers.

Adelanto que no fui uno de esos agradables infantes que mediante su verborrea pueril debían dar pistas al concursante para adivinar la palabra escondida, sino que hice de azafato, de chico florero o como cita el recibo, de auxiliar artístico. Mi aparición fue igual de escasa que mi memoria pero recuerdo como si fuera ayer cuando tuve que portar un mega gallifante metálico hecho de una aleación de plomo y hierro que pesaba como un muerto. Aparte, dada mi estatura, no alcanzaba la superficie de la mesa, cosa que me obligaba a levantar a plomo (nunca mejor dicho) el aborto de figura a la par que debía mantener el equilibrio al subirme a un peldaño para alcanzar a los concursantes. Un show. Por aquella época no teníamos tantos derechos y gracias a este suceso, sobre todo cuando llueve, me aflora un dolor similar al del codo de tenista. La solución de la productora a tal contratiempo fue la siguiente: empezar a grabar cuando la mitad de la peana del mega gallifante ya estuviera bien apoyada en la mesa y así yo salir airoso físicamente de la permuta. Como veis son estrategias cinematográficas muy al estilo Spielberg.

Qué gracia el "sellaco" de TVE y !con un IRPF de sólo el 10 %.¡

Pero si hay algún momento que a día de hoy, me sigo partiendo el boniato al recordarlo, es aquel en que mi señora madre me sugirió que en la entrega de premios les comunicase a los concursantes una enhorabuena y les lanzase un besito al aire cual Cupido. En el clímax del vídeo se escucha mi voz femenina felicitando a los participantes. Sin embargo lo que mi progenitora no calculó es que podía soltarles una enhorabuena a los concursantes que habían sido derrotados estrepitosamente como así sucedió. Les felicité por perder. Me faltaba acompañar la palabra enhorabuena, con alguna otra, estilo lerdos o inútiles para llenarme de gloria. Sin embargo, todo quedó en la inocencia de un niño y me llevé un Muchas gracias corazón propinado por la bonita actriz Natalia Dicenta; y de milagro no me llevé un beso de esta señora por la altura del puto peldaño antes mencionado. Y me cabrea bastante porque la chica era muy maja.

Conocí a Natalia Dicentay al mago Magic Andreu. Recuerdo que nos hizo un truco de magia y se pasaba pelotitas de una mano a otra y también las hacía desaparecer. Yo lo flipaba pero le hicimos repetir tantas veces la argucia que un poco más nos hace desaparecer a nosotros del cabreo.

No hace falta mencionar el duro casting que sufrí para llegar a tal cometido. Creo que éramos más de 5.000 niños que luchábamos por el puesto y gracias a mi chispa pude ganar al resto. Es broma¡ ¿que vivimos en Spain? Mi tía conocía a la que llevaba el cotarro y me enchufaron directamente sin pruebas ni leches chafando las ilusiones de otros niños. Como debe ser. ¿Casting? Ja,ja…

Aun así, la señora que nos escogió para azafatos se hizo un Thug Life del bueno porque la azafata femenina se llamaba Edurne. Éramos Edu y Edurne, que cachondos. De esta niña tan agradable, Edurne, nunca más se supo y dudo que sea la de Operación triunfo (sí, seguro). Y por eso, Edurne, si ves el vídeo y te quieres poner en contacto conmigo, no lo hagas, da igual. No sabría que decirte.

Sin más preliminares, llega el momento de mostrar mi estrellato.

Y después de este post muy diferente a lo de siempre, desearos felices fiestas y
que el año que viene vaya mejor que éste. Aunque creo que lo tiene bastante fácil. Un abrazo.

Empezamos este ejercicio 2016, más tarde que nunca, con una quinta entrega de pura acción para pieles sensibles. Antes de empezar a disfrutar del contenido audiovisual, quería dar un pequeño homenaje a nuestro querido Alan Rickman que falleció hará unas semanas. Para los que no vivan en este mundo, este señor interpretó al alemán Hans Gruber, el primer (y mejor) cerebro criminal de la mejor saga de acción de la historia, la Jungla de Cristal. Por esta razón, esta sección le guarda un cariño especial a la altura de su capacidad interpretativa.

En una de las curiosidades que aparecía de Alan Rickman se afirmaba que el director de la primera Jungla de Cristal,John McTiernan, le había lanzado al vacío (8 metros) sin avisar y por sorpresa para poder captar el realismo de su rostro en la escena final. Se dice que le propusieron una cuenta atrás de 3,2,1… pero en el primer segundo lo lanzaron hacía el abismo de Helm.

La realidad es que estuvo a punto de rechazar el papel de Hans Gruber porque no veía con buenos ojos participar en una película de acción pero sus amigos le aconsejaron de qué aceptara ya que llevaba sólo dos días en losÁngeles y que le llamaran tan pronto, no solía suceder. También se cuenta que Alan Rickman sugirió al productor de la Jungla de Cristal, Joel Silver, de llevar un traje de gala en vez de un traje terrorista para poder interpretar una escena con acento americano y así engañar a John McClane pareciendo un rehén. El productor le espetó un “cállate, tú vestirás lo que se te ordene”. El primer día de rodaje y como todos sabemos, la escena planteada por Alan Rickman se incluía en el guión. Grande Rickman. Empecemos con el ranking:

5. Infierno Blanco (2012) de Joe Carnahan.Infierno Blanco fue una de aquellas sorpresas que empiezas a visionar con desgana y al acabar la película tienes que coger tu prejuicio inicial y lanzarlo por el inodoro. La película mezcla acción, supervivencia y aventuras con un pletórico Liam Neeson que a priori iba a ser protagonizada por Bradley Cooper. Sin embargo, la presencia de Liam Neeson es un plus y más cuando afirmó que el rodaje le había congelado el cerebro (ja).

Escena: Salto al precipicio. A los supervivientes no les queda más salida que lanzarse por un acantilado con una rudimentaria “cuerda” y así aprovechar el supuesto cojín que les ofrecerá las copas de los árboles. La clásica escena de tensión y aventuras.

4. Tron (1982) de Steven Lisberger/ Tron Legacy (2010) de Joseph Kosinski. La antigua Tron fue una de aquellas experiencias inolvidables en mi ser. Esta producción de Disney fue la primera película en emplear animación por ordenador de un modo extenso. Es curioso pensar que en aquella época sólo podían usar 2 Mg de memoria y 330 MG de almacenamiento. 28 años más tarde llegó el remake, Tron Legacy de Kosinki, un director que visualmente es un genio pero que al plasmar en pantalla sus historias carece de emotividad. Sus películas se olvidan con suma facilidad.

Escena: Motos de luz. Las escenas son espectaculares y según el director Lisberger se inspiró mucho en los juegos de Atari estilo Pong o Breakout. En 1982 no se podía previsualizar la escena por ordenador y por tal razón tuvieron que crear un guión gráfico en papel para más o menos definir la escena. En la misma secuencia pero de Tron Legacy de 2010, el circuito contiene varios niveles y aunque la escena puede llegar a ser un poco caótica, el despliegue de medios y la mejor canción de Daft Punk de la BSO del film, hacen de la secuencia de lo más entretenido.

3. Volar por los aires (1994) de Stephen Hopkins. Nunca pensé que podría enlazar un par de escenas con Jeff Bridges como protagonista de acción. Curioso. Volando por los aires es una entretenida joya y bastante (creo yo) desconocida película de acción que nos regaló una buena década de los 90. La película trata de dos adictos al C4 encarnados por un policía (Jeff Bridges) y por un criminal (Tommy Lee Jones). La idea principal de la cinta es que el personaje de Bridges tiene que adelantarse a los movimientos del criminal para que no suceda una masacre.

Escena: Sacrificio de Max. Escena grabada en mi retina desde los ancestros por la conmoción que me representó en su momento. Supongo que la escena me cogió en aquellos días del mes. El personaje de Tommy Lee Jones convierte a un amigo en común del personaje de Jeff Bridges en una auténtica bomba humana. Bridges, aunque lo ve difícil, intentará desactivar el explosivo adherido a Max pero éste sabe que está perdido. Es curioso porque el personaje de Max está interpretado por el padre de Jeff Bridges, Lloyd Bridges, aspecto que acentúa mucho más la emoción de la escena.

2. Kingsman. Servicio Secreto (2014) de Matthew Vaughn.Magnífica película de espías que recuperaba aquel tono divertido de antaño. Sobre todo destacar un sorprendente Colin Firth que pasó de aparecer en el Diario de Bridget Jones (2001) a protagonizar orgías de sangre en Kingsman. El director, Vaughn es uno de esos pocos directores contemporáneos que dominan como nadie las escenas de acción. Verdaderamente un crack y si hay algo negativo atribuible, siempre a título personal del que escribe, sería la música escogida para dichas escenas. Tuve la misma sensación con Kick Ass (2010). En un futuro veo a Vaughn rodando alguna escena con el Why Can’t We Be Friends de Smash Mouth pero es lo de menos.

Escena: La matanza en la iglesia. La escena consta de un falso plano secuencia donde nuestro amigo Colin Firth participa en un clásico “Todos contra Todos”. Y fue tan importante esta escena que su director sugirió a Colin Firth que para darle el papel debía entrenar durante seis meses. Si llegaba a poder filmar con éxito la escena de la iglesia el papel sería suyo y vaya si lo consiguió. La escena fue cortada en los cines latinos y en Indonesia por su contenido violento con la consiguiente “cabreada” de su público. Tremenda.

1. Los Elegidos (1999) de Troy Duffy. Película comercialmente poco notoria y además sin mucho apoyo en su estreno ya que fue muy limitado. Como suele suceder en estos casos, el “boca oreja” la transformó en una cinta muy querida y por qué no, de culto. Sus ventas en formato DVD partieron la pana y hasta generó una secuela. Como curiosidad Los Elegidos forma parte de aquellos pocos casos en que la diferencia de criterio es abismal entre crítica y público. Este dato es visto en aquella página tan lamentable llamada Rotten Tomatoes. Sigo sin entender porque los usuarios de los artículos de la Wikipedia acuden y exponen esta web como referencia. En fin.

Escena: El tiroteo contra los supuestos seis hombres. El detective interpretado por Willem Dafoe explica magistralmente (y a su manera) como aconteció el tiroteo entre los hermanos irlandeses McManus y unos “supuestos” seis hombres. Sin embargo la realidad fue otra. Esta escena es un ejemplo magnífico de la buena mano para la elección del soundtrack que acompañará el tiroteo. Una delicia y un abrazo.

En la década de los 90 existía una combinación alucinógena que nos mantenía a flote para soportar la dura rutina que nos acometía la EGB. Los elementos principales de esa combinación eran la bollería industrial y los videojuegos. En este caso la mezcla nacía del grasiento Bollycao y de los fascinantes 60 cromos de Sega que se encontraban en su interior. Aquella ingesta masiva de bollos fue concebida en 1992 y yo contaba con unos prematuros diez años.

Estos adhesivos contenían las carátulas de los videojuegos más emblemáticos de la marca Sega y abarcaba juegos de la Master System de 8 bits, la Mega Drive de 16 bits y la consola portátil, que nacía en 1991 para hacer la puñeta a la Game Boy, la mítica Game Gear. Es más, en aquellos años, todo se resumía a una competitiva batalla entre Sega VS Nintendo. Hace relativamente poco, Sega decidía cerrar (algunas) oficinas y dejar el mundo de las consolas para centrarse en la realización de juegos para teléfonos móviles y tablets. Hay que adaptarse al mercado.

Qué tiempos, dan ganas de llorar con las 8.750 pesetas más IVA que costaba la Master System 2. En los anuncios hemos visto el Ayrton Senna de Megadrive y el Indiana Jones entre otros. Y en los cromos podemos divisar videojuegos míticos como el Paperboy, Budokan, Golden Axe II, Super Hang-On, Shinobi, World Cup Italia 90, Mercs, Donde está Carmen Sandiego, OutRun, etc.

Sin embargo, estos cromos necesitaban de un soporte, una razón de existir y por eso los amigos de Panrico crearon: El póster-álbum de un tamaño desorbitado (87 x 63 cm) imposible de guardar sin doblar con los defectos que conlleva.

Buscando información he visto como un buen hombre vendía el suyo incompleto (49 cromos) por la nada desdeñable cantidad de 50 euros. La gracia del asunto es que la colección se compone de 60 cromos y yo tengo pegados 61. Además algunos adhesivos numerados no me cuadran con los que posee este señor, lo que me hace pensar que puede haber un libre albedrío entre su póster y el mío bastante notable. En un análisis más concienzudo he averiguado que Bollycao en el mismo año publicó dos ediciones diferentes de cromos de Sega. La primera edición contenía un póster y 60 cromos (la de este post), y la segunda edición, llamada Novedad 92, no contenía un álbum y contaba con 50 cromos y 6 escenas Sonic. En esta segunda versión también aparecía otro cromo en el bollo con la imagen de una letra del abecedario y el Sonicpor ahí haciendo el congrio. Todo esto me hace temer que mi álbum es un revoltijo de los cromos de las dos ediciones pegados sin sentido.

También podías entrar en un sorteo ante notario (cuidao) donde podías participar para ganar una magnífica consola. Sin embargo, he leído por la web que para participar debías enviar todo el álbum y lo normal en este tipo de sorteos es que no fueras el agraciado. O sea que te quedabas sin consola, sin el álbum y sin los cromos pero ganabas cuatro kilos de grasa corporal, el colesterol a tope y el aplauso del señor de correos.

Es fantástico recordar estos objetos y que gracias a la pereza y al cariño no has aparcado en cualquier container. Grandes tiempos aquellos. Un abrazo.

Muy fan del Budokan.

Existen dos preguntas que aún la humanidad no ha podido resolver. La primera es cuando el universo dejará de expandirse y la siguiente es que carajo es el fresisuís de Los Simpsons. Como la primera cuestión es demasiado banal, se intentará contestar la más compleja.

Y el personaje que mejor conoce esta bebida es nuestro amado Apu, inmigrante indio y poseedor del récord de permanencia en su puesto de trabajo. Se dice que estuvo 96 horas consecutivas y cuando finalizó, creía ser un colibrí.

Es importante avanzar que el conocido badulaque de la serie (Kwik-E-Mart en USA) y principal proveedor de fresisuís de Springfield, está inspirado en la franquicia de supermercados 24 horas, 7-Eleven. En nuestra jerga, hablaríamos de la clásica tienda del paki.

En esta cadena de supermercados 7-Eleven venden una bebida llamada Slurpee yLos Simpsons, en una adaptación cachonda de tal brebaje, la denominaron fresisuís. Aunque fresisuís es el apodo para la versión castellana ya que en la adaptación americana, el fresisuís es llamado Squishee.

Como curiosidad en julio del 2007 cuando se estrenó la regulera película de Los Simpsons, la cadena 7-Eleven se transformó a modo publicitario en badulaques, o sea en Kwik-E-Mart’s para USA.

¿Pero qué se supone que contiene el fresisuís?

Analizando la bebida real (Slurpee), el fresisuís sería una bebida carbonatada (con gas) y congelada a medio derretir. Para nosotros no sería más que una especie de granizado/batido de un sabor (por ejemplo, Coca-Cola) que se succiona a través de una caña para que el azúcar se asiente directamente en el cerebro. Importante: servir en vaso montaña o vaso tonel.

También el fresisuís se puede preparar en formato casero con los siguientes ingredientes: hielo picado, Coca-cola (por ejemplo) y un sobre soluble en polvo de sabores, algo similar al Tang.Este sobre soluble se ve que es difícil de encontrar en Spain y en América la marca distribuidora es Kool-Aid. Aunque debe haber más marcas obviamente.

Instrucciones: Se echa el hielo en la licuadora. Añadir Coca-colahasta que el hielo flote y por último agregar el sobre en polvo. Mezclar hasta que quede todo compacto que tire para atrás y… ¡pal buche¡ La versión del 7-Eleven, obviamente, lleva más azúcar y se le añade una especie de sirope para que coja un tono más pastoso, más batido que granizado.

O si no os queréis complicar la existencia se puede disfrutar del sublime Fresisuísnova(Slurpe Maker) que nos permitirá realizar nuestros propios fresisuís en casa de un modo fácil y sin cadáveres. Seguro que amigos y familiares querrán repetir la experiencia.

¿De dónde surge la palabra fresisuís?

Ya hemos visto, que la bebida real se denomina Slurpee y que la adaptación americana modificó este nombre a Squishee. ¿Pero por qué nosotros Fresisuís y no Squishee?

La culpable es una gran mujer llamada Maria José Aguirre de Cárcer que ha sido la encargada de traducir los guiones de los Simpsons desde la década de los 90 y llegó a ser felicitada por la misma Fox por perpetrar la mejor traducción que se había realizado.

Simplemente el neologismo Fresisuís no tiene más misterio que el ser una palabra inventada por esta traductora. Como podía ser fresisuís, podía haber sido Tinguaka, por decir una idiotez. A parte de fresisuís le debemos a Aguirre de Cárcer, el famoso “multiplícate por cero” traducido libremente del “Eat my shorts” de la versión americana.

Normalmente la serie original contiene referencias culturales, juegos de palabras y un humor autóctono del país de origen y si se tradujera literalmente, el espectador no comprendería ni un ápice.
Contaba Aguirre de Cárcer que por ejemplo Los Simpsons en Alemania no llegaron a arrancar por emplear la traducción literal de la versión americana. Curioso.

Apariciones estelares

La impresión que nos ofrece la serie sobre el fresisuís es que su ingesta puede causar la llamada de la hiperglucemia y provocarnos severas alucinaciones. Sin embargo veremos su interesante periplo por los Simpsons y algunas de sus apariciones:

La primera aparición de esta edulcorada pócima corresponde al capítulo de Bart, El general (1x05),donde vemos como los acólitos de Nelson, que por cierto fue su primera aparición, se preguntan de qué sabor son los fresisuis que ingieren.

La segunda aparición del famoso granizado coincidió con la primera aparición de Apu en la serie; y ese capítulo es el de La Cabeza Chiflada (1x08). En el refresco se refleja la película de estreno que había en aquellos años en Springfield, la imperecedera Space Mutants IV.

También vemos fresisuís a granel en el capítulo del Poni de Lisa (3x08) cuando nuestro Homer trabaja en el badulaque para poder pagar la manutención del poni.

Capítulo Otto- Show (3x22).Otto pierde su trabajo de conductor de autobús escolar y debe sacarse el carné. Bart pide un fresisuís con mucho sirope porque ha sido un día duro y Apu le oferta una improvisación, un maravilloso Fresisuísal curry.

Capítulo Explorador de incógnito (5x08). El super fresisuís. Este es emblemático, que mejor que un vídeo.

Súper fresisuís from Soytutioargail on Vimeo.

Apoyo a Cupido (10x14).Icónico capítulo de San Valentín donde Apuagasaja a Manjula provocando la ira del resto de maridos de Springfield. Observamos la máquina con un vaso publicitario que cita “Squishi” (Squishee).

Como podemos observar la relación Apu y Fresisuís es absoluta y por ejemplo en el capítulo del Día del apaleamiento (4x20) nuestro dependiente indio sortea un fresisuís a quién encuentre la serpiente escondida en su local.

Los ejemplos reflejados son hasta la doceava temporada ya que a partir de tal efeméride Los Simpsons para un servidor dejaron de existir. Sin embargo es lógico que tal bebida refrescante siguiera apareciendo en la serie como en la temporada trece en aquel capítulo donde nuestro Apu es infiel a Manjula con la mujer de los fresisuís precisamente. En fin, recordad este verano pedir un fresisuís en vuestro establecimiento habitual. Un abrazo.

Bienvenidos al rankingdel amor y de la poesía. Vuelve el crossover de la nostalgia y la sensualidad, de la profesionalidad y de la exuberancia y de la belleza y del escozor. Todo junto y sin orden.

Todos recordamos aquellas series de los 80 y 90 que tanto aportaron al entretenimiento y a nuestra educación. Sin embargo, en aquella época dorada existió un elemento terrenal que no pasó desapercibido y que brilló con luz propia en cada episodio de cualquier serie. Sin duda, hablamos de la actriz. Aquella profesional que sólo con su presencia hacía que se resbalase la mortadela de nuestro sándwich hacia el suelo.

Angela Lansbury... mmmm...

He elaborado un ranking(o lista) de 22 actrices de gran profesionalidad y de bella factura que en los 80 y 90 me dieron tanto a cambio de tan poco. Me asusta que así, a vuelapluma, mi cerebro retenga a tanta mujer sin hacer ningún tipo de esfuerzo.También, como no deseo escatimar en imágenes, desglosaré tal homenaje en tres entradas para que tengamos tiempo de asimilar tanta belleza. Ni el Pájaro Espino pudo reprimir su deseo ante su fe.

Aquí ya no hay sotana que valga.

Para no perder aquel aroma recordaré a las actrices in situ, o sea en aquellos años, para no llevarnos un golpe de la dura realidad de lo coetáneo. Soy consciente de lo bien que han crecido Punky Brewster o Stephannie Tanner de Padres Forzosos y de lo mal que han evolucionado las gemelas Olsen pero nos situaremos en el arco temporal de los 80 y 90 con algunas excepciones. Cualquier sugerencia en materia de estrógenos será bien hallada ya que la selección es personal y los gustos de uno, ya se sabe. Vámonos:

22. Jane Badler de la serie V (1984-1985). Conocida por interpretar a Diana, la villana alienígena de V y ser un hito sexual de los 80 sin ella darse cuenta.

Aparte de ser actriz, Jane Badler se dedica al mundo de la canción y no hará mucho hizo un dueto con Juan Camus del primer Operación Triunfo. Ya me puedo morir. Después de su éxito en V, se alejó del mainstream hasta que en 2010 volvió a interpretar a su personaje más recordado en el remakede V que pasó sin pena ni gloria. Mi predilección por aquellas mujeres villanas hacen que está mujer medio lagarta y engullidora de roedores sin masticar, me tenga bastante perturbado.

21. Paula Trickey de Pacific Blue (1996-2000). Quizá no recordéis tal serie ya que en mi caso se emitió por el canal autonómico (y creo que por la 2). Pacific Blue me recordaba, en menor medida, a la serie de los Vigilantes de la Playa pero en bicicleta. La actriz principal, era la chica rubia de intachable virtud, Darlene Vogel,pero su compañera de cabellos castaños me cogió con la cadena de mi bicicleta bien engrasada y los pistones sucios.

20. Lucy Lawless de Xena, la princesa guerrera (1995-2001). Gran actriz neozelandesa que nos demostró que es mejor no cabrear a las guerreras de la antigua Grecia. Es curioso porque junto a Lucy Lawless se hallaba una actriz de cabellos rubios que evidenció en la serie una especie de atracción sexual no resuelta. Este simple suceso atrajo a un alto porcentaje de audiencia homosexual. También hemos visto a Lucy Lawless en la genial Spartacus donde nos muestra que su autoridad puede ser usada en cualquier ámbito amatorio.

19. Jennie Garth de Sensación de Vivir (1990-2000). Sí, amigos, ¿A quién escogeríais para compartir vuestra vida de la serie Sensación de Vivir? ¿Brenda, Brandon, Donna…?¿Donna? Sin lugar a dudas, un servidor compartiría sus restos óseos con Kelly, interpretada por la actriz Jennie Garth. Participó también en la serie hermana Melrose Place y se ha casado tres veces. Como debe ser. En la serie transmitía que era una mujer de carácter y mi atracción se acentuó gracias a la obsesión por los cabellos platino que arrastraba en mi adolescencia.

18. Tia Carrere de Cazatesoros (1999-2002). Fantástica mujer de ascendencia española, china y filipina que nos dejó perplejos en la serie Cazatesoros pero donde golpeó fuerte fue en su participación como femme fataleen la excelente Mentiras Arriesgadas (1994). Aún recuerdo ese vestido verde. Tia Carrere es ese tipo de belleza exótica que uno imagina en una playa desierta compartiendo cocos y otras frutas.

17. Amy Jo Johnson de Power Rangers (1993-2002). Más conocida como la Power Rangers Rosa, la rosa chicle. Amy Jo Johnson fue una gimnasta que llegó a los Juegos Olímpicos y también participó en la serie Felicity.Además se dedica a la canción hasta que no la llamen para metamorfosearse. Nadie como ella sabía portar ese ceñido traje rosa con rombos tan sugerente. Sin duda, en comparación con sus compañeros, es la que mejor ha sabido llevar su carrera ya que la serie Power Rangers parece provista de alguna maldición esotérica y cruel.

16. Christina Applegate de Matrimonio con Hijos (1987-1997). Cautivadora y luchadora actriz de ojos azules que nos deslumbró en la sitcom Matrimonio con Hijos con Ed O’ Neilly Katey Sagal. En 2008, sufrió cáncer de mama que le obligó a realizarse una doble mastectomía sin perder ni un ápice de esplendor y de simpatía. La vimos por última vez en la comedia Vacaciones(2015) donde pudimos observar que el paso del tiempo no es hostil con la actriz. Parece que se conserve en barrica de madera de roble porque sigue en modo diosa tras el paso de los años.

En breve, otra tanda más sugerente. Un abrazo!

n poco más y vuelvo por Navidad. He sucumbido a una subida de tensión eléctrica y mi router se transformó en una gran bola de fuego, pero no hemos venido aquí a hablar de voltios (o de vatios) sino de los joules de calor que nos originaban aquellas actrices de la inolvidable década de los 90.

Aquellos maravillosos años...

En esta ocasión, dejamos en paz la primera entrega y vamos a viajar por una segunda tanda de grandes profesionales y de perfectas féminas que nos enseñaron lo que es el amor y el despecho. Empecemos sin más dilatación:

Cosas de Marcianos.

15. Sarah Michelle Gellar de Buffy, Cazavampiros (1997-2003). Pizpireta actriz que hemos visto en películas como Sé lo que hicisteis el último verano (1997), Crueles intenciones (1999), en las horrorosas Scooby-Doo y en la versión americana de El Grito. Sarah Michelle Gellar despertaba la imagen clásica de aquella joven universitaria con cara de no romper una vajilla y que en sus ratos libres se dedicaba a desmembrar vampiros. Sin embargo donde nos puso los dientes largos de verdad fue en el film Crueles Intenciones. Observad.

14. Lisa Nicole Carson de Ally McBeal (1997-2002). A parte de Ally McBeal se dejó ver en la serie Urgenciase hizo poco más. La energía que emanaba en la serie de abogados/as me cautivó y la realidad es que la afroamericana nos dio buenas razones para perder el juicio y que nos condenaran a trabajos forzados. Sin duda, Lisa Nicole Carson se catalogaría como un buen ejemplo de “mujer neumática”. Lástima que esta belleza de ébano desapareciera del mundillo televisivo por una enfermedad mental diagnosticada como trastorno bipolar. Esperamos su pronto regreso.

13. Melissa Joan Hart de Sabrina: Cosas de brujas (1996-2003). Vivo con el sempiterno recuerdo de aquel gato negro mecánico. Melissa Joan Hart nos hechizó con sus encantos en aquellos mediodías anteriores a nuestro horario escolar de tarde. Sus penetrantes ojos azules y su melena rubia provocaron que no hiciera falta que nos echara unos polvos mágicos para seducirnos. Sin duda, no me hubiera importado vivir con tal aquelarre.

Aquí con 40 tacos.

12. Traci Bingham de Los Vigilantes de la Playa (1991-2001). Empezamos con la primera escogida de aquella serie que debería estar en los altares de cualquier índole. Hablo de Los Vigilantes de la Playa. Devoción. Sin duda, Traci Bingham es una apuesta personal porque si de algo disponía la serie era de un elenco de lo más encantador. La actriz mostraba un peso narrativo en la serie realmente paupérrimo, sin embargo su apariencia momentánea resultaba un latigazo para mi testosterona. Se dejó ver en Sensación de Vivir e hizo pequeños papeles en series como el Príncipe de Bel-Air y Matrimonio con hijos. Ojalá pudiera reencarnarme en David Hasselhoff e irme a los 90 a darme unos chapuzones con “Niumi”.

11. Sherilyn Fenn de Twin Peaks (1990-1991). En la serie abundaba el surrealismo y las fantásticas actrices. Recordamos a ese inolvidable trío formado por la susodicha Sherilyn Fenn, Mädchen Amick y Lara Flynn Boyle. Sin embargo, Sherilyn Fenn jugaba con ese rol de lolita fatal que hipnotizaba al espectador cuando aparecía por la caja de tubo catódico. Como curiosidad rosa, entre sus relaciones se hallan al recién fallecido Prince y Johnny Depp. Un encanto de mujer con un magnetismo enfermizo.

10.Tiffany Amber Thiessen de Salvados por la Campana (1989-1993).Ella es Kelly Kapowski y nos dio el empuje definitivo para desear llegar al instituto. Aunque la realidad siempre fue otra. Participó en la serie Sensación de vivir haciendo de villana, creo recordar. Tiffany Amber Thiessen con unos ojos azules intensos, carita angelical y un cuerpo de escándalo llegó a ser toda una sex symbol en los 90. Su rol de animadora en la serie no hizo más que alimentar nuestro deseo y provocar que su apellido Thiessen fuera algo literal.

9. Yasmine Bleeth de Los Vigilantes de la Playa (1991-2001). Se vuelve a colar en el top otra diosa perteneciente a Los Vigilantes de la Playa. Yasmine Bleeth llegó a la serie rompiendo esquemas ya que el estereotipo dominante se basaba en la clásica rubia siliconada. En los años 1995 y 1996 Yasmine Bleeth dominaba los primeros puestos en cualquier ranking de belleza. Quizá sea la única que tanto por peso narrativo como por divinidad física consiguiera eclipsar a la mismísima Pamela Anderson.

8. Brittany Daniel y Cynthia Daniel de Gemelas de Sweet Valley (1994-1997).Serie que alimentó uno de los sueños masculinos más ancestrales en materia de gemelas. Brittany siguió con la interpretación pero Cynthia se hizo fotógrafa. Recuerdo que una de las gemelas interpretaba a un personaje más malévolo; y que la gemela restante perpetraba el papel de niña buena y sosa como el lamer poliespan. Personalmente, en mi época onírica de los 90 me atraía más la gemela mala pero actualmente, donde uno ya quiere asentarse junto a la hoguera, preferiría ponerle un piso a la gemela del poliespan. La verdad es que buscando fotos de estas bellísimas damas se observa que quién tuvo retuvo porque a día de hoy siguen estando para celebrar fiestas en el campus. Malinterpretarme.

En breve se desvelarán los primeros puestos de este nostálgico y sensual ranking. Un abrazo.

Y llegamos al final. Hemos sucumbido a 22 actrices de intachable virtud en las entregas del 22 al 16 y del 15 al 8 y ahora toca finalizar con este inesperado Top 7.

Dicha lista es totalmente subjetiva y las posiciones adjudicadas en este ranking sólo reflejan mis experiencias personales con tales diosas de la belleza y de la profesionalidad. Y mis experiencias personales se basan estrictamente en lo que puede dar de sí mi insoluble imaginación. Se procede a dicho top para no dilatar:

7. Vanessa Angel de una Chica Explosiva (1994-1998).Vanessa Madeline Angel es una actriz y modelo que recordamos con fervor de la entrañable película Vaya par de idiotas (1996). Sin embargo, la serie Una chica explosiva, sacó a relucir uno de esos sueños pueriles que siempre imaginamos. Y no es más que crear una mujer perfecta a través de nuestro ordenador. Y entre bytes nació Vanessa Angel, como un ángel que atacó a nuestra testosterona desde los canales 1, 2 y Antena 3. Como curiosidad, fue la primera opción para interpretar a Xena pero a causa de una enfermedad la sustituyó la posición 20 de esta lista, Lucy Lawlees.

6. Jennifer Aniston de Friends (1994-2004).Aquí puede haber trifulca. Poco que decir. La vimos impresionante y muy bien tratada por el tiempo en la comedia Somos los Miller (2013) donde interpretaba a una stripper de manera muy estimulante. Pero fue en Friends donde nos inoculó todo su potencial. El personaje de Rachel Green nos ilusionó a creer que podríamos conseguir una mujer dulce, atractiva y divertida como ella pero todo se truncó cuando apareció Brad Pitt.¿Qué tiene ese que no tenga yo? Muchos se preguntarían en su momento. Vamos, seguro…

5. Courteney Cox de Friends (1994-2004). Y sigue la trifulca. Tengo que afirmar, que si en plena actualidad, me exigieran un flirteo entre Jennifer Aniston y Courteney Cox (risas), iría de cabeza a intentar tal proeza con Jennifer Aniston. Sin embargo, en su época, me hubiera tirado de cabeza a por la morena Courteney Cox obsequiando de regalo una severa paliza a Chandler. Su personaje de Monica Geller era perfecto, apasionada, maniática del orden y con un dominio de la cocina incontestable. Todo ese poderoso carácter creaba un compendio de amor y sensualidad que cubría mis necesidades amatorias. En su filmografía la encontramos en la saga Scream y en una de mis películas fetiche, Masters del Universo (1987).

4. Alyssa Milano de Embrujadas (1998-2006).Quién no se acuerda de aquella niña de la película de Commando (1985), que obligó a Schwarzenegger a partir cuellos a diestro y siniestro. Alyssa Milano nos embrujó con su belleza de ascendencia italiana y nos tuvo pegados al sillón sin necesidad de polvos. De polvos mágicos. No tuvo una buena relación con su compañera de serie, Shannen Doherty, que acabó con la salida de ésta. Sin embargo, actualmente las dos brujas han enterrado sus escobas de guerra. Siempre recordaremos a Alyssa como la diosa de aquel aquelarre televisivo.

3. Fran Drescher de la Niñera (1993-1999).Aquí comienza el pódium. Fran Dreschercomenzó su andadura en la película Fiebre del sábado noche (1977) pero en la sitcom de los 90, La Niñera, es donde la recordamos con estupor. En mi caso, el canal autonómico se encargó de edulcorar mi adolescencia con esta actriz que interpretaba a la seductora, rebelde y con rostro de hacerte un 8 con un plumero, Fran Fine. Su personaje de niñera sexy, avivó más la llama del más estirado. Merecedora de esta 3ª posición. Te queremos Drescher.

2. Pamela Anderson de los Vigilantes de la Playa (1991-2001). Poco que decir y mucho que ver. Fue la vigilante más explosiva de los Vigilantes de la Playa y un verdadero icono sexual de los 90. No añadir a Pamela Anderson en los primeros puestos de esta lista hubiera sido más que un error, un suicidio heterosexual. Esta canadiense, luchadora por los derechos de los animales no pudo evitar que más de uno se pusiera “burrote” al ver esos rescates acuáticos en perfecto slow motion. También soñamos con ella cuando la vimos aparecer en la “entrañable” película Barb Wire (1996) y en aquella serie de culto VIP.Material exquisito a recuperar.

Su cuerpo marcó tendencia y originó un estereotipo, que para bien o para mal, nos acompañó toda la década de los 90. Ya sabéis, rubia, ojos azules y un gran busto. NOTA: El único caso de la lista donde encontrar imágenes con ropa ha sido ardua tarea.

Y aquí llega el 1 de esta lista donde se ha intentado fusionar belleza y nostalgia. Y según el número de Mg almacenados en mis diversos discos duros, es para…

1. Nikki Cox de Infelices para siempre (1995-1999).Muchos/as se preguntarán quién leches es. Empecemos por el principio. Infelices para siempre fue otra sitcom emitida por la segunda cadena (la 2) a partir del 1998 y que fue tachada de una escondida copia de la serie Matrimonio con Hijos donde una de sus actrices de reparto ha aparecido en esta lista (Christina Applegate). El argumento se basaba en que el padre de familia hablaba con su alter ego encarnado por un conejo de peluche gris y que se aposentaba en un sofá de un sótano. ¿Os va sonando? Pues uno de sus personajes fue la encantadora Tiffany Malloy interpretada por la exuberante Nikki Cox. Hace poco la cacé en la serie Entre fantasmas excesivamente “recauchatada” y por eso, aprovecharemos la excusa y la situaremos en los 90.

Nikki Cox era lo más parecido a Afrodita, diosa de la belleza. Mi diosa de la belleza. Poseía un rostro de ensueño y un cuerpo que quitaba hábitos, religiosos o no. No ayudaba mucho su personaje provocativo, inteligente y manipulador. Sin duda, con ella la década de los 90 tenía sentido y la 2 también. Me despido con ella y que paséis felices vacaciones.

Chuck Norris es un personaje prolífico y hasta llegó a crear su propio arte marcial, el Chun Kuk Do. Sin embargo, en uno de mis viajes alucinógenos por Youtubeme topé con esta octava maravilla del mundo y que desconocía profundamente. Disfruten.

Si sois humanos y tenéis sentimientos, el vídeo os habrá puesto la piel como escarpias. Escuchar la Cabalgata de las Valkirias de Wagner mientras el dibujo animado de Chuck reparte tollinas es un regalo para nuestras córneas. Si os fijáis en el minuto 0:50 lucha contra un cocodrilo y lo envía dentro de un armario con sus propias manos. Es más, al final del vídeo Chuck hurta la moto de unos jovenzuelos y les alerta que es una emergencia y les recalca que es Chuck Norris. El pronunciar su nombre ya es un motivo de peso para poseer cualquier objeto o persona. Los jóvenes al verse "robados" resoplan un: estos americanos… Genial.

Chuck Norris Karate Kommandoses una serie de animación que apareció en pleno 1986 y que seguía la estela de esas series “malrollistas”donde sus héroes, al final de cada capítulo, se reían como si tuvieran problemas de salud. Por supuesto, esas carcajadas las empezaba y las acababa Chuck y cualquier variación del orden de los factores alteraba el resultado a muerte.

La serie sólo duró cinco episodios y su duración era de 20 minutos más o menos. La primera emisión tuvo lugar el 15 de septiembre y acabó el 19 del mismo mes demostrando que fue todo un éxito… ¿?

El argumento de los episodios se basaba en la existencia de un comando de héroes (Karate Kommandos) liderado por Chuck Norris que combatía contra unos terroristas llamados Vulture (Buitre) y que eran capitaneados, por un tal The Claw (la garra). Este The Claw, que portaba una garra por brazo, en uno de los capítulos se observa como uno de sus sirvientes se dedica a limar su ortopedia. Sublime.

La serie fue producida por Ruby-Spears y emitida por un canal de la Cartoon Network, llamado Adult Swim. Gracias a esta productora y con un dibujo similar a Karate Kommandos, se produjeron series tan míticas como Rambo y Mr. T. Karate Kommandos nunca llegó a emitirse en España (si no erro) y el material que hay por la red está en su versión original y si rebuscas más, en latino.

Cada capítulo se iniciaba desde el gimnasio personal del verdadero Chuck y con su verborrea nos introducía en la trama del episodio. Y si se hacía corta su presencia, no había problema, porque también Chuckaparecía en la conclusión ofreciéndonos un sabio consejo para matar a nuestro oponente y saber donde esconder el cuerpo. Bueno… no era así, sino que nos asesoraba para ser buenas y útiles personas. Me causa bastante admiración el ver como nuestro protagonistadespués de darle “la de cristo” a un saco o realizar unas abdominales mortales, aún contaba con fuerzas para deleitarnos con sus consejos sin exhalar.

Deberían volver esas camisetas

La serie abarcaba un tono “Filmation” bastante potente y tanto la realización del dibujo como la indumentaria (ese cabello al viento de Chuck), despertaban un aire a He-Man que tiraba para atrás. Además, He-Man también concluía con el dichoso consejo final para ser un ciudadano ejemplar. Es más, un tal Alan Oppenheimer, doblaba al presidente de USA en la serie de Chuck Norris y repetía trabajo de doblador en la serie de animación de Masters del Universo.
Aquí tenéis sus mandamientos en perfecto inglés.

La parte técnica se ve bastante lamentable y la animación fue realizada por una empresa surcoreana llamada Hanho Heung-Up. Y no era extraño que en la década de los 80 se contratasen empresas surcoreanas para realizar la animación. Sin ir más lejos, Los Simpsons no estrenaron su capítulo previsto gracias al nefasto resultado que realizó una empresa surcoreana.

En materia artística, el personaje principal era doblado por el mismísimo Chuck Norris y alguna de las voces adicionales fue perpetrada por James Avery, el desaparecido tío Phill del Príncipe de Bel-air. La serie fue dirigida por Charles A. Nichols y por John Kimball que en mi opinión “freak” no eran moco de pavo. Les debemos capítulos de series nostálgicas como Rambo, Popeye e hijo, Chip y Chop,Los Autos Locos, Pato Donald entre otros.

En 2011 (sólo 25 años después) se lanzó la serie en DVD a través del formato Hanna-Barbera Classics Collection y sólo es posible adquirirla a través de la Warner y Amazon de USA.

También aparece en el meollo, el creador de míticos personajes de Marvel,Jack Kirby que participó en la serie Karate Kommandos como consultor y fue el creador de uno de los personajes. Además Chuck y Jack Kirby tenían una muy buena relación y no fue una sorpresa que se editara un cómic con el sello de Marvel.

Personajes:

En el grupo heroico aparecen: Tabe, campeón de sumo y adicto a las calorías; Reed, aprendiz de Chuck y hombre afeminado; Pepper, la mujer de los artilugios y la que suele conducir; Kimo, el samurái y Too-Much, el clásico niño asiático y tocapelotas que vimos reflejado en Indiana Jones y el templo Maldito.Liderando la maldad tenemos a The Claw,el hombre con pinza metálica por brazo; y a su mano derecha, el llamado Super Ninja. También aparece la atractiva Angel Face pero intuyo que le hicieron el vacío en materia de merchandising y quedó relegada a ser torturada por unos delfines en el primer capítulo. Como podéis ver aunque Chuck Norris sea muy conservador, la multiculturalidad se hace patente en la serie.

Merchandising:

Sólo se emitieron cinco episodios pero el marketing fue de órdago. Star Comics que era una especie de ramificación o “subcontrata” de Marvel publicó cuatro cómics de la serie con Steve Ditko como dibujante. Steve Ditkoes el co-creador de Spiderman y del Dr. Extraño junto a Stan Lee y que dibujara a Chuck Norris, me hace cavilar que lo hizo bajo amenaza de patada giratoria.

La empresa Productos Kenner sacó a la venta una colección de figuras articulables que realizaban unos movimientos de orinar y no echar gota. Se realizaron tres versiones distintas de la figura de Chuck Norris y su tamaño era el doble de un Gijoe. Actualmente los precios de sus muñecos dentro de sus blísters alcanzan precios poco razonables (el amigo Chuck, 136 $).

Vean su curiosa campaña publicitaria.

Hasta sacaron a la venta un impresionante vehículo denominado Karate Corvette y también un kit de accesorios con shurikens y cinturones de kimono muy molones. Se plantearon futuros proyectos como poner a la venta motocicletas y un helicóptero de combate pero todo quedó en agua de borrajas. Este contratiempo no evitó que también se editara un librito con páginas para colorear destinado a los más pequeños y una baraja de naipes.

Aquí tenéis el primer episodio en inglés de esta serie épica que el destino y la distribución nos negó. Ojito con los delfines teledirigidos. Un abrazo y un disparo de Uzi.

Chuck Norris Karate Kommandos - Deadly Dolphin from KitanoX42 on Vimeo.

Crónicas de un yogur homicida:

Los 80 desprendían imaginación y fantasía a mansalva y el público aceptaba con normalidad este tipo de género. Ideas como una máquina de clonar ninJas, un asesino reencarnado en un muñeco de juguete o un yogurt mortal copaban aquellas estanterías de los vídeoclubs más glamurosos. Y esta vez escribo sobre la cinta In-Naturalo La Cosa en Méjico o The Stuff en USA (1985). Cada zona le adjudica el nombre que le surge del bajo vientre.

La historia es de lo mejor que uno se puede tirar a la cara. En una mina, un trabajador encuentra una sustancia espumosa y cremosa en la nieve. Ni corto ni perezoso coge tal manjar y se lo introduce en la boca con agradable resultado. De repente, aquel yogur dulce y cremoso pasa de la boca del minero a distribuirse en todos los supermercados del país gracias a su adictivo sabor y sin que ninguna ley alimentaria le tosa.

Sin embargo, la competencia de “postres unidos” ve peligrar su negocio ya que esta nueva sustancia entra con fuerza en el mercado. Para tal revés, esta organización contrata a un exagente del FBI (Michael Moriarty)convertido a espía industrial para que destape la fórmula secreta de tal vianda. No quiero dejarme en el tintero que este agente viste con traje y botas y que repite el mismo horroroso chiste cada vez que dice su nombre (en latino poderoso).

Esta sustancia, que a mi ver es de origen extraterrestre, invade y controla el cuerpo del consumidor tras su ingesta, al más puro estilo La invasión de losladrones de cuerpos (1956). Es más, la paranoia comunista de aquellas películas de ciencia ficción de los 50 es similar a esta cinta, ya que hay “algo de fuera”que deshumaniza nuestra sociedad y en este caso se trata de un yogur. Además The Stuff aporta una crítica voraz al consumismo donde si no comes ese yogur estás fuera del rebaño. Y esto le sucede al niño de la película que es el primero en observar como ese postre se mueve por sí solo como ensaladilla rusa en un bar de carretera y su familia no le cree mientras engulle tal postre.

En un fabuloso instante de la cinta, vemos como se derrama el producto en una pared y la madre mientras lo limpia espeta que aquello es maravilloso porque aparte de ser bajo en calorías, no deja manchas. Más tarde, el púber entra en un súper y todo enervado destruye el yogur de los estantes siendo detenido por seguridad.

Pero ahora toca volver a nuestro James Bond del postre que sigue con la investigación. Por un lado, gracias a sus artes amatorias, el agente convence a la directora de marketing de The Stuff (Andrea Marcovicci) para que le ayude a resolver de qué está hecha tal exquisitez. Y por otro lado, salva in extremis al niño al verse perseguido por sus padres con exceso de lácteo. Se puede decir que entre los tres miembros han establecido un comando anticonsumista de élite.

Gracias a la directora de marketing serán invitados a las entrañas de la fábrica de tal adictiva crema y amablemente, la empresa les proporcionará una habitación de hotel donde el más tonto sabe que enviarán a alguien para eliminarlos. Y allí se produce una de las mejores escenas del celuloide donde en gran parte de la escena vemos que no son los protagonistas los que están en pantalla sino sus dobles.

Antes de la escena vista, aparece un doble del espía con alopecia.

Según la Wikipedia, esa escena está con la imagen girada para que se vea como el postre y el hombre se deslizan de abajo a arriba. Aunque, para un servidor, la escena también está rebobinada ya que el movimiento de los actores/dobles/gente que pasaba por allí es demasiado robótico.

En otra escena, el niño repelente queda atrapado dentro de un camión cisterna que será llenado de nata montada. El niño está superpuesto al yogur con un CGI realizado por un Atari y en muchas ocasiones el actor está mirando a Cuenca mientras el peligro inminente le ataca por otro lado.

Seguimos con su mágica historia. Nuestro comando, al verse en minoría respecto a los trabajadores de la fábrica pide ayuda a una especie de guerrilla anticomunista liderada por un coronel encarnado por el actor Paul Sorvino que nos deleitará con las mejores frases del film. En una escena, ordena a su ejército que pidan los recibos de los taxis que les trasladan a la batalla. Sí, van en taxis.

Por fin, nuestros amigos destruyen la fuente de yogur y consiguen concienciar a la población de que cancelen la ingesta de dicho producto. Sin embargo, no impide que la película tenga una escena post-créditos sorprendente.
En esta escena aparece una tal Brooke Adams que justamente participó en La Invasión de los Ultracuerpos (1978) y cita con dicho postre en la mano: No siempre es suficiente. Y esa frase simboliza muy bien el tono del film. En economía lo primero que aprendes es que el ser humano cuando sacia sus necesidades siempre quiere más, como el horroroso chiste de su protagonista visto anteriormente.

La peli y su cremoso reparto:

The Stuff es una película de bajo presupuesto de serie B que mezcla comedia y ciencia ficción y una subliminal crítica consumista. Sólo hay que ver aquella explosión del local The Stuff rodeado sospechosamente de un McDonalds y un KFC. O cuando comentan como la ley protege a los refrescos de Coca-cola. ¿Os imagináis que la Coca-cola fuera de origen extraterrestre o qué algún producto fuera exudado de forma horrorosa por algún ser cómo sucedía en un capítulo de Futurama? Sería una risa.

La película costó 1.700.000 dólares que es un señor pico y lo único que sabemos es que gran parte de ese presupuesto no fue destinado a los efectos especiales sino a la imprenta que se dedicó a etiquetar todo tipo de envases y de carteles publicitarios con las palabras The Stuff. Aún así se han de valorar los esfuerzos de aquella época en conseguir réplicas tangibles de los personajes o criaturas del film y que era (y es) la salsa de este tipo de cine. Ni croma ni exceso de CGI.

The Stuff está considerada como película de culto y ya he visto en un algún “unboxing” de su versión Blu-ray un librito a color y unos extras con comentarios de directores como Darren Lynn Bousman, que afirma que le cambió la vida al ver esta cinta. Según Amazon, el Blu-ray de España está pelado en materia de extras como suele pasar.

Su director, Larry Cohen, es un realizador y guionista casado con la ciencia ficción y en 1967 creó la célebre serie Los Invasoresque trataba que en vez de un misterioso yogur eran los propios extraterrestres quiénes se adueñaban de los humanos para expandirse. Según Cohen, la idea de la película se le ocurrió en la ducha y ahí lo dejo porque no deseo exprimir más sobre este asunto.

Sorprende mucho la retahíla de actores de renombre que aparecen en la cinta. Por ejemplo, Paul Sorvino, visto en Uno de los Nuestros (1990),Abe Vigoda del Padrino I y II o Danny Aiello nominado al Óscar por actor de reparto por Haz lo que debas (1989).

Es más, la hija de Paul Sorvino, la actriz Mira Sorvino,hace una aparición sin acreditar. Se cuenta que hizo una visita a su padre en el set y que el director la fichó como extra para encarnar a una empleada de la fábrica del malvado yogur.

También aparecen sin acreditar el actor Eric Bogosian que a los que nos gusta la acción lo conocemos de ser el malote de Alerta Máxima 2 (1995).Y también, pero esta vez acreditado, vemos al fallecido actor Patrick O’ Neal que justamente participó como general amigo del personaje de Steven Seagal en Alerta Máxima 1 (1992). Todo queda en familia.

Y como sorpresa final… también emerge sin acreditar y aparece cinco segundos en pantalla, el atractivo Patrick Dempsey.

Pequeña polémica:

Cohen fue demandado por la empresa Effects Associates porque según la agencia, el director les comentó que no estaba contento con los resultados de los efectos especiales y que sólo abonaría la mitad de la factura. Entonces se pactó de utilizar sólo la mitad del trabajo realizado. Sin embargo, Cohen se pasó el trato por el forro y utilizó gran parte del trabajo. Sobre todo, hablamos de la escena final donde explota la fábrica y alguna tienda. Pero Cohen ganó la demanda porque todo se acordó vía oral y se supone que en la entrega del material ya hay un acuerdo implícito para usar todo el trabajo si es que no hay alguna clausula escrita que diga lo contrario. Ya sabéis, todo en papel.

Curiosidades:

Uno de los personajes que ayuda a nuestro espía industrial es el personaje llamado Chispas de chocolate Charlie. En principio su director quería que lo interpretara Arsenio Hall pero tuvo que conformarse con Garret Morris que es el actor que interpreta al recepcionista negro de la serie Dos chicas sin blanca.

Fue la última película de Alexander Scourby antes de fallecer. Fue un actor prolífico que empezó en los años 40 y que dada “mi juventud” no he visto ninguna de sus obras. Para los que os guste el cine clásico quizá lo contemplasteis en Los Sobornados (1953) de Fritz Lang.

Se cuenta que la espuma blanca que persigue a nuestros protagonistas estaba hecha con pescado y que los actores al acabar la escena se lanzaban a un río para despojarse de tal hedor. También cuando necesitaban menor cantidad de “postre” mezclaban yogur, helados Häagen Dasz y espuma de extintor. Precisamente los Häagen Dasz nunca han sido baratos.

Se descartaron 30 minutos de escenas y en ellas nos hemos perdido por ejemplo, como el yogur caminaba por la ciudad en un perfecto stop-motion.

Hay un momento en que el hermano del niño está jugando al videojuego Zaxxon que fue de los primeros juegos que yo jugué en pantalla verde y negro. Y según informaciones fidedignas el actor lo jugaba con un Atari 800.

En la cafetería, nuestro espía le comenta a chispas de chocolate Charlie que acuda a Frank Herbert del FBI. Este Frank Herbert no aparece en la película pero este nombre sí que pertenece al escritor de la novela Dune. Un abrazo.

Menudo título. Estoy navegando por unos ríos cinematográficos bastante caudalosos. Chicas de fraternidad en la bolera es una película de 90.000 $ que se pasea entre la comedia de terror adolescente y lo erótico, sin ser nada de otro planeta. Hablo de lo erótico. La serie B es innata y según la wikipedia, la cinta se basa “libremente” en el cuento popular de la mano de mono. Esta historia cuenta que un faquir hechizó una mano de simio momificada y que quién la hallara podía pedir un deseo. Sin embargo, el deseo se transformaba en catástrofe para el afortunado y el mono le salía rana. Podría alardear sobre mi conocimiento del cuento pero lo único que recuerdo a estas horas es la historia de un capítulo de Halloween de Los Simpsons.

Debido a su ínfimo presupuesto, la película se filmó en doce días y tuvieron que esperar a las 9 de la noche para que cerrara la bolera y así poder entrar a grabar. Es más, le dijeron al guionista que espabilara porque ya tenían reservadas las dos noches para filmar en la bolera. Diez días le dejaron al guionista para acabar el libreto. Aun así la película se llegó a estrenar en cines con un lanzamiento muy limitado que duró cuatro telediarios.

¿De qué va esto?

La película se inicia con tres adolescentes en una habitación rodeados de todo tipo de material erótico y de repente, escuchamos la primera frase del film que nos conducirá a la catarsis: Qué tía, vaya par de tetas. Tras el aburrimiento, uno de estos jóvenes tiene un divertido plan y es ir a ver un rito de iniciación de dos chicas que desean pertenecer a la hermandad Tridelta. Los chicos no se lo piensan y salen a la caza visual de tal ceremonia pero uno de ellos (Andras Jones) con tan solo una cerveza ya va perjudicado, lo cual dificulta la incursión de incógnito.

La hermandad Tridelta es liderada por un triunvirato femenino que se ubica en una casa también decorada con material erótico pero fálico. Estas mujeres también tienen un cruel plan para sus dos novatas, sobre todo para el espectador masculino heterosexual. El plan consiste en azotar a las féminas en sus posaderas y llenarlas de nata montada.

Sin embargo, la jefa de la hermandad coge in fraganti a los jóvenes mirones y los une a las candidatas para que realicen la última prueba: hurtar un trofeo de la bolera del pueblo. Y de aquí surge el sugerente título del film, Chicas de fraternidad en la bolera (eh?).Obviamente las candidatas no están muy contentas rodeadas de tanto “pervert” pero no hay que preocuparse porque la hermandad Tridelta las vigilará a través de las cámaras de seguridad de la bolera.

Y aquí empieza lo bueno y la segunda parte del film. Llega el grupo al local y se encuentran a una deslenguada punki intentando robar (Linnea Quigley). Pero entre los insultos y las bofetadas uno de los trofeos cae y dicho objeto empieza a emanar un humo mágico del cual aparece una especie de troll llamado Tío Impie. Comienza el despolle al máximo nivel.

El diablo menor, como se hace llamar, concede un deseo a cada uno. El obeso del grupo pide oro, otra candidata exige ser la reina del baile y el pervert restante reclama fornicar con una de las candidatas (Michelle Bauer). Ese pervert restante no sabe que quedará agotado y al borde de la muerte dado el carácter insaciable de la candidata elegida. Es un detalle ejemplarizante que nos enseñará a no pedir los deseos a lo loco.

A todo esto y sin venir a cuento, aparece un conserje en la bolera que su función será morir y explicar a los supervivientes el pasado de Tío Impie. Entre la oratoria del bedel escucharemos frases profundas como:

“Mañana tendré el dedo como la verga de un burro y tendré que aprender a rascarme los huevos con la otra mano” o “el pomo está más duro que el coño de una estatua”

Sublime. También, ahora que estamos muy de super héroes, hay un instante en que la punki al ver tal desmadre, pregunta al grupo si son la Liga de los gilipollas nocturnos; tontería que tengo que reconocer que me partí bastante. Más tarde, como se preveía, el duende se cabrea y se desdice de los deseos pedidos (menos el sexual, por supuesto) y transforma al trío líder de la hermandad en sus “esbirras” para que asesinen a todo quisqui. Por ejemplo, una es transformada en una especie de Hulk, otra en la novia de Frankenstein y la jefa de la hermandad es convertida en una especie de Cindy Lauper con mala gaita.

La verdad es que (salvando las distancias) nos hallamos ante una de aquellas agradables historietas de hora y media, tipo Creepshow, que a un servidor le regocijan enfermizamente. Y en conclusión, tenemos una película de toque cutre pero entrañable y que hay que visionar con buen humor. Y para demostrar las intenciones del film; se cuenta que el productor avisó al reparto de que cambiaría el nombre de la película a Chicas de fraternidad en la bolera en vez de The Imp. Al escuchar tal información, una de las actrices, Carla Baron (la que va de novia de Frankenstein), dijo que con ese título el público no se tomaría la película en serio. Todo el set de grabación respondió partiéndose el chorizo. Y como podréis comprobar en el siguiente vídeo, Tío Impie también se parte.

Scream Queens:

Lo bueno de este tipo de películas es que se descubren inicios de verdaderas eminencias en su campo, como puede ser el realizador de los efectos especiales, Craig Caton, que participó en Eduardo Manostijeras (1990), Terminator 2 (1991) o Parque Jurásico (1993), como coordinador y titiritero. Craig Caton, creó la marioneta del Imp en dos semanas y la inspiración del diseño fue por un dibujo del historietista Bernie Wrightson donde se veían a unos monstruitos que se reían de un hombre en un puente.

Chicas de fraternidad en la bolera (Juego infernal) (1987) fue dirigida por el prolífico en serie B, David DeCoteau, fan de la Venganza de los Nerds (1984) y que también trabajó para el mítico Roger Corman. En el elenco coincidieron tres scream queens, por antonomasia: Brinke Stevens, la pornostar Michelle Bauer (la insaciable) y Linnea Quigley (la punki), de la cual dicen que tiene el grito más largo en una película.

Pero a donde quería llegar era a la guapísima actriz, Robin Stille, que interpreta a la líder de la hermandad y que era el personaje que ofrecía más guerra a nuestros protagonistas. Esta actriz se suicidó con tan sólo 35 años y pasó su vida ahogada en vodka y desilusionada por el trato recibido por Hollywood. Es más, su compañera de reparto, Linnea Quigley, afirmó que quedó herida en las escenas de lucha con Robin Stille, ya que ésta iba hasta las cejas de vodka y le arreaba de verdad. Un pena.

Por último, destacar la BSO que está bastante molona y es perpetrada por un tal Guy Moon que le daba al sintetizador que daba gusto.

¿De dónde aparece tío Impie?

En mitad de la película, el personaje del bedel nos relata que existió un horroroso jugador de bolos llamado Dave McCabe que sufría todo tipo de burlas e improperios. Sin embargo, hubo un vuelco en su destreza y el chaval empezó a tirar los bolos como nadie y a ganar trofeos. Pero al mismo tiempo, todas aquellas personas que se burlaban de él, también dieron un vuelco en su vida y aparecieron terroríficamente muertas. Por tales asesinatos, condenaron al pobre McCabe a la cámara de gas y confesó que él no había cometido los crímenes sino que había sido un ente convocado mediante magia negra. Antes de morir, Dave McCabe encerró al diablo en un trofeo permaneciendo 30 años cautivo.

Es curioso porque al personaje de la versión castellana lo llaman imp, es más, el mismo duendecillo se hace llamar tío Impie. ¿Pero qué es un Imp? Un imp es un demonio menor de origen germánico bastante travieso que utiliza la broma para atraer la confianza del humano. Se esconden dentro de un objeto (trofeo) hasta que algún/a incauto/a lo invoca. Como anécdota en la franquicia rival de los Pokemon, los Digimon, existe el Impmon dedicado a esta especie de ente.

Curiosidades:

En el Reino Unido, su versión doméstica se tituló The Imp, sudando del título original.

El nombre de Dave McCabe de la historia del bedel era el pseudónimo que utilizaba el director cuando filmaba películas de adultos en sus inicios. A parte, desconozco si es casualidad o no, pero uno de los personajes de la película de terror Todavía estamos aquí (2015) se llama Dave McCabe.

Gran escena. Hago el trueque de cuchillo a hacha sin que te enteres.

La única máquina recreativa que parpadea es la de Tron (1982) (y que reconozco).

Se vislumbra entre los pósters de la hermandad a Elvira, Dama de la Oscuridad.

Al inicio del film, el chaval que está viendo una película afirma que lo que ve no es un zombie sino un succubus. Un súcubo en spanish es un demonio que toma la imagen de una mujer atractiva para seducir a los hombres; en especial a adolescentes y monjes. Lo de monjes no es cachondeo.

En mi descarga totalmente “legal”, al final de la proyección, se hace mención al programa de Antena 3, Noche de Lobos, que fue un programa sobre cine fantástico y terror presentado por el director del festival de Sitges, Joan Lluís Goas. Y de esta información sacamos que la película se emitió por dicho canal el 24 de febrero del 1991. Qué tiempos. Un abrazo.

Desde siempre he llevado un reproductor de música adherido a mi persona. Empecé con el Walkman, que iba sujeto a mi tejano con aquella pinza tan útil. Pero aquel aparato voluminoso suponía un bulto sospechoso debajo de la camiseta y además, su peso excesivo era incompatible con el pantalón de chándal-pijama tan aclamado en aquella época. Después me adapté al Discman (o sandwichera) pero el mío no llevaba pinza y lo sujetaba aprisionando el aparato (el discman) contra la goma del calzoncillo y mi ingle. Un show. Más tarde, adquirí el glorioso Mp3 para pasar en un abrir y cerrar de ojos, al Mp4. Sin embargo, mi avaricia quería más y más y para poder saciar mi apetito pedí a los reyes de Oriente un Ipod. No un Ipad, un Ipod, y Touch.

Los Ipod’s no tienen precios muy populares pero su forma ergonómica y su pantalla enorme y táctil, hacen del aparato (el ipod),un reproductor muy atractivo. Por ahora bien. Hasta que uno instala un horroroso software llamado Itunes. Porque para Apple, el copiar y pegar de toda la vida, no es moderno, no es hipster y es un sistema anticuado destinado para la plebe. Es demasiado intuitivo. Por no hablar de la posibilidad de que haya dos Ipods en una casa usando el mismo Itunes, entonces “las sincronisadas” de las canciones con el aparato son de lo más divertido. Una mañana, puedes despertarte que tu Nothing else matters de Metallica ha sido sustituido por el Somos novios de Armando Manzanero porque tu madre ha conectado su Ipod en el Itunes de tu PC. ¿Y la radio? Por favor... que el flamante Ipod lleve algo tan arraigado como la vieja radio es de fósiles tecnológicos. Para más inri, el cacharrito tiene el hardware necesario para recibir (o emitir) señal de radio pero a los señores de Apple no les sale de las pelotas si no es con Wifi.

En fin… el otro día paseaba con mi Ipod y caí en la curiosidad de que quizá adoraba canciones de dudosa heterosexualidad pero que satisfacían mis necesidades musicales. Realizando un sesudo estudio sobre qué música se catalogaba como “canciones gay’s”, o en su defecto, de tinte muy femenino, he podido extraer cinco melodías que llevo conmigo y que despiertan en mi ser, el Kevin Kline que todos llevamos dentro pero que no dejamos aflorar.

Nadie de mi generación se ha librado de bailar el Will Survive de Gloria Gay-nor y su baile en la discoteca ya apuntaba maneras. Recuerdo como todos los machos alpha de la sala nos cogíamos en corro y realizábamos movimientos pélvicos a lo “paquito el chocolatero”. EH! Eh!. Otro movimiento improvisado, al ver que la canción no terminaba, era el de dar patadas al aire como si fuéramos vedettes del Moulin Rouge, todos cogidos. Lo estoy pasando mal escribiendo esto. Tampoco mi estirpe se ha escapado de danzar con los fabulosos Village People, con coreografía incluida en el YMCA, con Britney Spears, Loco Mía, Lady Gaga, Mika, Cher, Mónica Naranjo…etc’s.

Pero no es momento de esconderse y quiero compartir mi top 5de canciones catalogadas como gay’s, o como excesivamente blandas, y que escucho con orgullo. En mi caso, con orgullo a secas.

5. Cindy Lauper – Girls just want to have fun (1983)

“Algunos chicos cogen una chica bonita y la esconden del resto del mundo. Yo quiero ser la que camina al sol” y su pegadizo estribillo“Las chicas solo quieren divertirse”.

Poco más a desarrollar. White and in bottle, milk. Es una canción que me causa buen rollo y en su videoclip toda la familia y cualquier individuo que se tercie acaba bailando la melodía pegadiza de Cindy Lauper.Además tengo asociada la voz de Cindy Lauper a los Goonies, motivo por el cual hace que aún me produzca más simpatía. La cantante tiene una hermana lesbiana y ha escrito canciones destinadas al colectivo homosexual. Muy icónica.

4. Madonna – Open your heart (1986)

“Abre tu corazón a mí, nene. Yo sostengo la cerradura y tú sostienes la llave. Abre tu corazón… que te daré amor si tú traes la llave”.

Con el horroroso “políticamente correcto” que recorre nuestra era, estoy seguro de que este videoclip hubiera sido censurado y vapuleado en Twitter, pero a mí, personalmente, me despertaba un rollo enamoradizo bastante singular. El videoclip nos mostraba a un niño que se colaba en un Peep Show donde Madonna bailaba sensualmente en el centro. Al final del vídeo, Madonna le planta un beso en los morros al niño y se fugan los dos bailando el tema. Obviamente, el vídeo alcanzó una polémica desorbitada por parte de feministas y por parte de castrados conservadores. Fue un"ni pa tí ni pa mí".

Si hay iconos gay’s en potencia, Madonna rompe moldes. Como Cindy Lauper, Madonna tiene un hermano homosexual y criticó ferozmente la homofobia de la industria musical en el 1990, ya dando muestras de su lucha a favor del colectivo.

3. Whitney Houston - I Wanna Dance With Somebody (Who Loves Me) (1987)

“Necesito a un hombre que aproveche la oportunidad de un amor que arda lo suficiente para durar”

Como macho heterosexual esa frase es idónea. I Wanna Dance With Somebody es una canción alegre, de despertador, de pegar un salto de la cama con una felicidad extrema y empezar con ilusión un nuevo día. Lástima que la canción sólo duré cinco minutos y que el resto del día sea más como el tema de Crash Test Dummies – Mmmm.

Me caía bien Whitney Houston. Elementos como la película “El Guardaespaldas”, el gorgorito de I will always love you o el temazo buenrollista, típico de anuncio de cereales, How I will now, lo avalan. Nunca imaginé que muriera con tan solo 48 años y que llevara una vida tan de mierda. Un pena. Participó en conciertos benéficos para la lucha contra el sida y hace poco ha salido a la palestra una relación lésbica que mantuvo con su mejor amiga y asistente, Robyn Crawford.

2. Backstreet Boys – I want it that way (1999)

Yo soy tu fuego? Tu único deseo, si, sé que es muy tarde pero lo quiero de esa manera.

Si eras un tío y te gustaba una boy band, era igual a estar muerto en el instituto y/o a ser una nenaza. Es más, en mi defensa, en aquellos tiempos no me atraía el tema para nada. Sin embargo, que escuche con agrado I want it that way, tiene su explicación coetánea y su vivencia nostálgica.

Este tema era el elegido por los Dj’s de mis lugares habituales de ocio como “canción lenta”. Y ese instante significaba el trampolín de valentía necesario para conocer bellas damas en un baile agarrado. Y era gracioso; porque cuando sonaban los primeros acordes del tema, se mascaba la tragedia, la tensión se cortaba con navaja de Albacete y uno era capaz de prever su propia humillación si se producía el rechazo de la fémina a la petición del rito danzante.

Lo más anecdótico es que, a día de hoy, te puedo tatarear sin pestañear casi 10 canciones de los Backstreet Boys. Te queremos Nick!

1. Paradisio – Bailando (1996).

“Sí señor, efectos especiales yé yé yé. Sí señor, una tentación, yé yé y yé”. Profundidad narrativa.

El nivel de incomprensión del sentido de la letra de esta canción es equiparable al valor nostálgico que me provoca. O sea, incalculable. Si uno analiza las lyrics, sin la melodía encima, dan ganas de lanzarse por un balcón. Pero si se dispone de la música, esas notas tan pegadizas, como alga de mar en glúteo, son imposibles de olvidar. Además, la canción lleva intrínseca una alegría y un jolgorio que alcanza niveles gaylord bastante elevados. Pero no tengo miedo a reconocer que he pasado mis mejores noches con esta canción, en aquellas peñas típicas de pueblo celebrando sus fiestas patronales. Y es que lo daba todo aunque sonara la canción del telecupón.

La canción fue compuesta por el grupo belga eurodance llamado Paradisio y unos años más tarde fue versionada por la atractiva Loona.

Aquí este post musical. Si queréis abriros al mundo con alguna canción imposible de declarar en público, seréis bienvenidos y bienvenidas y se guardará el anonimato y la anonimata. Un abrazo y felices polvorones.

Feliz año amigos y amigas. Decir que uno está a favor del doblaje en ambientes cinematográficos es como llevar en pleno Harlem un cartel que diga: “Yo odio a los negros”. Favoreces el linchamiento social y eres atacado por un esnobismo feroz. Hasta me ha aparecido el personaje de Franco en muchos foros. Navegando en modo randompor internete, he observado que el 99% de los usuarios prefieren la VO (aunque esté en esperanto) y que la otra parte, la plebe, no da su opinión. Sin embargo, no he notado una hostilidad exacerbada y esto demuestra que parece ser que entendemos que el menú del DVD nos ofrece la posibilidad de ver su contenido de la forma que más nos plazca. Para nada este tema es similar a los horrorosos debates, por llamarlos de alguna manera, del español latino y del español europeo (o castellano) que inundan youtube, iniciado y provocado en la mayoría de ocasiones por la parte latina. Sí, es así.

Daniel García, la voz de Brad Pitt.

Personalmente, el 95 % de contenido audiovisual que me he tragado en toda mi vida ha sido a través de actores y actrices de doblaje y creo que a nivel estatal no nos podemos quejar en términos de calidad. Es un gremio bastante apaleado donde sorprendentemente los actores y las actrices pueden vivir sólo del doblaje. A parte, en mi ignorancia, he visto que este tema es un mundo, casi situado en la deep web, donde la gente debate quién o no debería doblar a que actor o a que actriz. También como consumidor de doblaje sería útil el anonimato del actor y de la actriz de doblaje en cuestión, porque personalmente personajes como Santiago Segura me rompen mucho las películas donde ofrece su voz. Por ejemplo, en el Drácula de la película Hotel Transilvania me da la sensación que en algún momento escucharé, “nos hacemos unas pajillas” y no es cachondeo.

Como todo en la vida hay extremos. En todos los foros se hace mención a ejemplos como Dani Martín en Escuela de Rock, la serie The Wire y la más polémica y no sin razón, el doblaje del Resplandor. Sin embargo, hay otros casos muy mencionados, como el conseguido doblaje de Bruce Willis o los doblajes que ayudan a aquellos pseudoactores, como por ejemplo Michael Jordan en Space Jam, que escuchándolo en castellano parece que el jugador haya cursado diez años de interpretación. El tema ofrece mucho pero no es el objetivo del post sino de ofrecer un personal homenaje a un gremio necesario e infravalorado por espectadores que comprenden perfectamente lenguas como el mandarín o el iraní. Es un ranking personal y soy consciente de que me dejo un montón y de los buenos; como Constantino Romero, Joaquín Díaz, Miguel Ángel Jenner, Juan Antonio Bernal, Pepe Mediavilla (Morgan Freeman), Claudio Rodríguez, Pedro Molina (Denzel Washington), Juan Carlos Gustems o Jordi Pons haciendo de Michael J. Fox… uf! hasta Carlos Revillahaciendo de Homer pero si los añado a todos, no hay ranking ni hay “ná”. Empecemos:

10. Juan Fernández. Personalmente me parece un actor de doblaje fantástico y es el menos expuesto a la opinión pública. Invisible en cualquier vídeo o reportaje sobre el tema en Yutiub. Es más, su nombre favorece a la confusión con otro actor. Muy valorado en el mundillo por poner la voz a Eddie Murphy, que precisamente no es un actor fácil de doblar ya que suele hablar a toda castaña. Siempre en papeles muy secundarios, lo hemos escuchado en Rick Moranis (Los Picapiedra y Cariño, he agrandado los niños), Dan Aykroyd (Mi novia es un extraterrestre), Hank Azaria (Una jaula de grillos) entre otras. Me ha venido aquella risa “monga” de Eddie Murphy.

9. Ernesto Aura (1939-2008). Apuesta personal y para un servidor, el que mejor doblaba a Arnold Schwarzenegger (Depredador, Mentiras Arriesgadas). Con una voz potente y muy grave, lo hemos escuchado encarnando a Laurence Fishburne(Matrix), Tommy Lee Jones (Batman Forever), Patrick Stewart (Star Trek VII: La próxima generación)… y haciendo la voz en off en los cassettes de la saga “Máquina Total”. Esto es el “Máquina Total”.

8. Luis Posada (1963).Otro genio del doblaje que inconscientemente hemos crecido con él. ¿Os suena Jack Sparrow? Sí, es el que ofrece su voz a Johnny Depp para que nosotros, la plebe, podamos comprender aquellas historias en pantalla. También es la voz habitual de Jim Carrey a la que define como la más difícil gracias al histrionismo permanente del actor. También le hemos escuchado en boca de Owen Wilson (Zoolander), Leonardo Di Caprio (Titanic), Adrien Brody(El pianista) entre otros.

7. Rogelio Hernández (1930-2011). Quizá el más clásico de la lista que actuaba en nombre de Michael Caine, Paul Newman y Marlon Brando pero si está aquí es por su doblaje del Joker de Tim Burton. Esa voz me impactó de una manera desorbitada y ha ayudado mucho a que este Joker sea actualmente mi predilecto. También ha doblado a James Caan, John Cleese (Un pez llamado Wanda), James Cromwell (La Milla verde), Tony Curtis (Con faldas y a lo loco)…

6. Ramón Langa (1959). Inconfundible. Con él no hay duda. Debería modificar el nombre de Ramón Langa por John McClane. Langa es la voz habitual del glorioso Bruce Willis y además ha doblado a Kevin Costner, en JFK, Bailando con Lobos y en la célebre el Guardaespaldas. También le tengo mucho cariño de que doblara al emblema de la Cannon, Steve James, ya sabéis, aquel hombre de raza negra que repartía tollinas junto a Michael Dudikoff.

5. Camilo García (1947). Adalid del doblaje patrio y célebre por sus ”Clarice ¿Han dejado de chillar los corderos?”. Camilo García es la voz habitual de Anthony Hopkins y llegó a la gran pantalla gracias al personaje de Han Solo. También fue la voz de Christopher Lee como Saruman pero donde le tengo mucho aprecio es como Leslie Nielsen. Me partía el chorizo con Frank Drebin. Por estos lares, lo hemos escuchado como Danny Glover (Arma Letal), Tommy Lee Jones (Men in Black), Gerard Depardieu (Cyrano de Bergerac), o su preferido, Gene Hackman (Sin perdón) y un porrón más.

4. Ricardo Solans (1939). El más veterano y amo del mítico ¡Abogado! ¿Abogado? de Robert de Niro en el Cabo del Miedo. También recordado por ese desgarrador ¡Adriaaan! de Sylvester Stallone en Rocky. Un monstruo del doblaje que aparte de ser la voz habitual de los antes citados tiene en su currículum a Al Pacino (Scarface), Bill Murray (Los Cazafantasmas), Dustin Hoffman (Hook), Richard Gere (Pretty Woman) y un porrón more.

3. Jordi Boixaderas (1959). Inconfundible y para mí, uno de los mejores en activo. Suele dejarse ver en series catalanas pero quién no se acuerda del “¡Esto es Esparta!” de Gerard Butler o el “Mi nombre es gladiador” de Russell Crowe. También da voz a Daniel Craig (James Bond), el siempre fallecido, Sean Bean (El señor de los Anillos), Ron Perlman (Hellboy) y sí… a Optimus Prime entre otros.

2. Jordi Brau (1958). Otro crack que sin quererlo forma parte de nuestra infancia. Con una voz peculiar, bastante aguda, le hemos escuchado como Tom Hanks (Forrest Gump) ¡Teniente Dan!, Robin Williams (Jumanji), Nicholas Cage (Con Air), Steven Seagal (Alerta Máxima), Daniel Day Lewis (El último Mohicano), Sean Penn (Mystic River), Tom Cruise (Misión (es) Imposible(s)… Y ¡Buenos días princesa¡ en el Roberto Benigni de La Vida es Bella.

1. Salvador Vidal (1953). Si he dudado en el resto de la lista, en la primera posición no tengo indecisión alguna. Actualmente me parece la mejor voz masculina en activo (y en pasivo también). Con una voz grave y característica, la hemos escuchado en actores como Mel Gibson (Arma Letal), Harrison Ford (Indiana Jones y la última Cruzada), Michael Douglas (Instinto Básico), Liam Neeson (La lista de Schindler), Ed Harris (La Roca), Kurt Russell (Sargate), John Travolta (Grease), George Clooney… Un grande. Un abrazo!

Toca el turno de las señoras. Si hay un valor nostálgico en las voces masculinas, en el doblaje femenino es más acentuado. ¿Y por qué Argail? Yo te lo diré, porque detrás de los niños actores, sobre todo cuando hablamos de animación, hay detrás una voz femenina. Sin ir más lejos, un ejemplo con el que me he quedado a cuadros ha sido con el bueno de Steve Urkel, doblado perfectamente por una actriz llamada Pilar Coronado. También hay casos fantásticos como Ana Ángeles García que doblaba a Marco o el doblaje de Teresa Acaso que nos regalaba su voz en nombre de Oliver Atom. Pero si existe un claro ejemplo muy visible por la longevidad de la serie es el excelente doblaje de Sara Vivas que ofrece su voz a Bart Simpson.

Aquí tengo un ejemplo, en términos de nostalgia, sobre el doblaje de series tan míticas como Dragon Ball. Siento que esté en catalán pero quiero que no os quedéis con el idioma sino con la reacción de los presentes y como se lía parda cuando aparece la señora que doblaba a Goku de chiquitín. Hasta se escucha un: “Me puedo morir ya”. Una risa. Minuto: 1:15.

Doblaje Bola de Drac Salón del Manga (catalán)por soytutioargail

¿Pero por qué los niños no son doblados por niños, Argail? Estás pesado hoy. Obviamente, hay casos donde hay niños que doblan a niños y lo realizan muy bien pero hay una dificultad legal y burocrática para que un niño trabaje (sólo faltaría) y una persona adulta siempre facilita mejor la tarea. También imaginad una serie de animación de varias temporadas, por ejemplo Doraemon. Al doceavo capítulo de la serie, el niño que dobla a Nobita con su voz angelical, le cambiaría la voz a adolescente con sus respectivos gallos ya que los niños, si algo tienen, es que crecen y muy rápido. Por este motivo, una actriz de doblaje funciona mejor en estos casos.

Pero aquí hablaremos de actrices de doblaje de cine con voces que harían derretir un témpano de hielo por su calidez. Como siempre, me dejaré un porrón y de las buenas como Marta Martorell poniendo esa voz mítica de Angela Lansbury en Se ha escrito un crimen, u otras como Maria Moscardó (Hilary Swank), Maria Jesús Lleonart (Karen Allen, Goldie Hawn), Marta Tamarit (Meg Ryan) o ese futuro asegurado con mujeres como Isabel Valls (Audrey Tautou, Kristen Stewart). Pero debo hacer una lista subjetiva donde puede que se valore más la transmisión emocional que la profesionalidad. No sé que he escrito porque estoy muy sentimental pero sé que estáis conmigo. Empecemos:

10. Ana Pallejá:Gran voz del doblaje femenino que despierta en mi ser una tontería digna de estudio. Y es que poniendo la voz a la estudiante de intercambio (Elizabeth Shannon) de American Pie o a Jennifer Love Hewitt en Las Seductoras, no ayuda nada. Es la voz de Claire Danes en la serie Homeland y de Jorja Fox en CSI. Ya sabéis, la investigadora que acaba enamorada de Grissom. También, se deja escuchar en actrices como Selma Blair (Hellboy), Anna Chlumsky (Mi chica), etc; y es la voz habitual de Charlize Theron (Mad Max), Reese Witherspoon (Una rubia muy legal) y Renée Zellweger (El diario de Bridget Jones).

9. Alba Solà:Otra voz inconfundible del doblaje femenino. Es la voz habitual de Cate Blanchett (El curioso caso de Benjamin Button) y de Sandra Bullock (Gravity, Miss Agente especial). Además ha doblado a Milla Jovovich en las cuatrocientas Resident Evil y a Julianne Moore (Mundo Perdido, Hijos de los hombres). También la hemos sentido en nuestros adentros en doblajes como Rebecca Hall (La maldición de Rookford), Marcia Gay Harden(La niebla, Mystic River), Helen Hunt (Mejor… Imposible); y no más importante (y sorprendente también), a Phoebe de Friends. Gran voz.

8. Concha Valero (1958-2006). Fantástica actriz de doblaje que por desgracia falleció con sólo 47 años. Sus trabajos más importantes (para mí) fueron el doblaje de Trinity en la trilogía Matrix y como Mónica en la serie Friends. Imposible no recordar su voz. También gracias a la longevidad de la serie, ofrecía su voz a Marg Helgenberger de CSI, la compañera rubia de Grissom. Ha sido la voz habitual de Kristin Scott Thomas (Misión Imposible) y de Madeleine Stowe (12 Monos). También la hemos escuchado como Maria Bello en Payback, Rene Russo en Arma Letal y Freejack, etc. Muy valorada en el mundillo y con razón. Una pena.

7. Marta Angelat: Actriz que posee una voz grave y que personalmente tiene un registro que en las películas me suena de maravilla. Es la voz habitual de Geena Davies (Thelma & Louise, Memoria Letal), Anjelica Huston (La familia Addams), Emma Thompson (En el nombre del padre, Primary Colors) y de otra actriz fetiche (mía), que me impone mucho, como es Catherine Keener (Cómo ser John Malkovich, An american crime). También es la voz habitual de Cher y lo añado como información adicional porque no os voy a engañar, no he visto ni una película de esta señora. Además la hemos escuchado como Sally Field en la señora Doubtfire, Michelle Pfeiffer en Lobo, Kathleen Quinlan en Breakdown y también en la blanca Sissy Spacek de Carrie (1976).

6. Núria Trifol: De registro joven y con una voz que podría causarte un paro cardíaco si te susurrara en la nuca. Es la voz habitual de Natalie Portman (V de Vendetta, Cisne Negro y la reina Amidala en Star Wars). También ofrece su dulce voz a Anne Hathaway (Caballero Oscuro: La leyenda renace, El diablo viste de Prada) y a Keira Knightley en todas las pelis de Piratas del Caribe. Por ahí también pululan Anna Paquin en Darkness, Scarlett Johansson en La Isla o Kirsten Dunst en Jumanji.

5. Graciela Molina (1977). Fantástica voz, ideal para actrices jóvenes y niños. En el vídeo que enlazo a continuación no os perdáis la facilidad de registro que posee esta mujer con esa variación entre mujer y niño. Evoca el asombro, el prodigio y el terror también. Sin embargo, cuando escuchéis su voz es obligatorio situaros en “American Pie”, porque es para partirse el boniato (Alyson Hannigan). La hemos escuchado como Ariel de la Sirenita, Toto de Cinema Paradiso, Amy Adams en La Llegada, Hayley Atwell en el Capitán América, Natalie Portman en Leon (el profesional), Noomi Rapace en Prometheus, Christina Ricci en Sleepy Hollow, Kirsten Dunst en Olvídate de mí… y así hasta el infinito.

4. Núria Mediavila. Mujer que entra dentro de mis predilectas ya que a parte del doblaje, tiene un registro de voz peculiar y que anima a la ensoñación. Es la voz de Angelina Jolie (El intercambio) y Jodie Foster (Contact), es más, tiene un aire físicamente a esta última. También participa en un listado de actrices que tocan mi interior. Interior= eufemismo. Ahí están mi Rachel Weisz (Constantine), mi Cate Blanchett como Galadriel, mi Elizabeth Hurley (Austin Powers), mi Nicole Kidman (Moulin Rouge), mi Elisabeth Shue (El Santo), etc. También la escuchamos como Juliette Binoche (Chocolat), Helena Bonham Carter (El club de la lucha), Winona Ryder (Eduardo Manostijeras), Uma Thurman (Kill Bill) y como curiosidad es la hija del señor que da voz a Morgan Freeman.

3. Mercedes Montalá (1958). Mítica voz del celuloide y una clásica por estos parajes auditivos. A esta veterana del gremio la recordamos con ejemplos tan sugerentes como Sharon Stone en Instinto Básico o Julia Roberts en Pretty Woman, es más, es su voz habitual. También la reconoceremos auditivamente por dar su voz a Catherine Zeta Jones (la Trampa) y a Michelle Pfeiffer (Mentes peligrosas). Personalmente tengo su voz muy incrustada al prestarla en muchas ocasiones para el género de acción. Por ejemplo, a Teri Hatcher en Tango & Cash, Mary Ellen Trainor en Arma Letal 2, la chica de Van Damme en Libertad para morir, Mimi Rogers en Peligrosamente unidos o a Sandra Bullock en Demolition Man, que como curiosidad es la única vez que la ha doblado. Propicios días.

2. Rosa Guiñón. Bestia parda del doblaje que reconocemos por doblar fantásticamente a Meryl Streep. Quién no recuerda los Puentes de Madison o Memorias de África; pero si está aquí es por Julie Andrews en Mary Poppins. Qué paz me da la voz de esta mujer, leche. Actualmente, la solíamos escuchar en voz de Jessica Lange en la serie de American Horror Story. Es una actriz de doblaje de gran trayectoria y escuchamos sus interpretaciones desde la década de los 50. También debemos su voz a actrices clásicas como Audrey Hepburn (Desayuno con diamantes). No he encontrado otra escena y a partir del 1:20 escucharéis su familiar voz.

1. Maria Luisa Solá (1939). Para un servidor la mejor voz femenina y una todoterreno en el mundo del doblaje. Es la voz de mi actriz favorita, Sigourney Weaver, que hemos escuchado en Avatar, Alien, Cazafantasmas... Curiosamente en Aliens: el regreso no doblaba a la actriz y es un aspecto que no podía creer pero sí. Ha ofrecido su voz a actrices como Jamie Lee Curtis (Mentiras Arriesgadas), Susan Sarandon (Thelma & Louise), Nancy Allen en la trilogía Robocop, Carrie Fisher en Star Wars, y también para mi musa, Kim Basinger, en el Batman de Tim Burton. Un abrazo.

Llevo días explorando una habitación que la última vez que entró alguien ya no pudo salir. Y con ese miedo típico de que al apartar una caja, me aparezca un portal interdimensional, he podido localizar verdaderas reliquias. Entre estas antiguallas, he hallado varias revistas que fueron publicadas en los años 1923 y 1924.

Este material se titula Mundo Gráfico y fue una revista muy popular que salía al mercado los miércoles y se editó entre el 1918 y el 1938. Esta publicación se comió de lleno la guerra civil y se ve que con las restricciones del papel la acabaron de sentenciar.

Las que tengo en mi poder, fechan del período de la dictadura de Primo de Rivera y como es obvio, este pequeño dictador metió mano en todas las publicaciones de esta revista. Sin embargo, lo que más me atrae de este hallazgo; es la publicidad de la época ya que me permitirá chafardear lo que preocupaba a la sociedad de aquellos años y ver que se cocía en la demografía de nuestros no coetáneos.

He sacado varias conclusiones oteando la publicidad. Observo que existía una enorme obsesión por la imagen, por la belleza y sin distinción de géneros. Sorprendentemente, muestra una sociedad interesada en lo superficial cuando en mi ignorancia supina siempre había imaginado que este tema era un concepto de hoy pero se ve que no. Aquella sociedad aparte de tener una ideología denominada vulgarmente como “facha” también tenía cierto anhelo por cuidar y mejorar la “facha” de la persona. Sí, es un chiste horrendo.

La mitad de los anuncios son relacionados con la estética y algunos de estos reclamos copan toda la página. Sobre todo si hablamos de la aparición del cartón por la zona craneal. Lo que en nuestro argot se denomina “eliminar el champú de la compra semanal”. Os enseñaré unas muestras:

Nada que envidiar a los “antes y después” del televenta de madrugada. “Usted podrá llegar a la ansiada curación”.

Me encanta el calvo subido al cangrejo. Marketing agresivo.

Cabe afirmar para el neófito que estos potingues eran una patraña de aúpa y que la solución más efectiva era colocarnos un atractivo bisoñé.

Ahora toca el turno de las damas y de por qué no, sus pechos. A continuación, veremos unas pastillas crece-tetas que devolvían a la mujer sus hermosos pechos de antaño, ya que gracias a la anemia o a las repetidas maternidades, los senos perdían hermosura.

"Devolver una marmórea frescura” ¿Marmórea?

Sin embargo, existía una competencia agresiva en materia de pechamen y el rival comercial no dudaba en citar que aquellas pastillas eran drogas y que perjudicaban seriamente la salud. ¿Y qué alternativa nos ofrecía?

¡Descargas eléctricas!

Otro curioso anuncio, era el que ofrecía un “Crecedor racional” para lograr una altitud añadida de un máximo de 8 cm.

O ese gran negocio que corregía desviaciones nasales mediante breves sesiones durante el sueño. Para un servidor, lo más importante es que cualquier producto siempre era expuesto con el eslogan: “en nombre de la ciencia”. Una ciencia, más basada en la superchería y en el efecto placebo que en cualquier investigación empírica.

Trabajé en esa calle.

Otro aspecto notorio de los años 20 era la familia. Ya imaginamos cómo funcionaba el concepto “familia” en aquellos años: Un alto número de hijos, esposa que cuida y mantiene el hogar, pautas católicas y roles familiares por defecto (padre de familia que trabaja, etc).

La propaganda nos muestra que un matrimonio sin hijos significaba una derrota social que recaía en gran medida sobre la parte femenina. Menos mal que existía un compuesto vegetal llamado Lydia Pinkham que activaba el horno. Es más, para demostrar su autenticidad, el anuncio adjunta una presunta carta de una usuaria que gracias a este potingue consiguió parir un niño sano después de sufrir tres abortos. Claro que sí, guapi.

“No tener hijos deshace matrimonios y causa disgustos” pero pruebe nuestro tratamiento y volverá a ser la coneja la cual está programada a ser.

También era una época donde las familias tenían problemas para conseguir una alimentación óptima y la anemia era una fiel compañera que se agravaba en aquellas mujeres que se encontraban en estado de gestación. Y los niños tampoco se libraban.

El perrito, la madre y Chucky. Qué bonita estampa.

El hipofosfitos lo petaba.

Y por último, unos cuantos consejos publicitarios de aquellas marcas aún vigentes en nuestra sociedad. Por ejemplo, ese licor tan necesario para nuestras mañanas gélidas.

Aquí tenemos a Colgate, muy útil para potenciar la belleza de la mujer. El tema higiene y que también es necesario para el género masculino no es vinculante.

Otro alimento útil para evitar la anemia fue el Phoscao, que se trataba de un cacao soluble, padre del Cola Cao y del Nesquik. En la década de los 70 (o antes) la marca Phoscao fue absorbida por Nutrexpa, los del Cola Cao.

Y si después de medio litro de Phoscao, usted no iba al baño, Vichy le proporcionaba una evacuación inmediata.

Y así era el marketing de la década de los años 20. Nada deja de sorprenderme. Un abrazo.

Si hay algo que choca en la filmografía de la década de los 70 es una película de espíritus. De parapsicología. La década de los 70 se nutrió de hiperrealismo, pesimismo y de esa fotografía ocre de bar Manolo que deprimía al espectador. Pero de esa época triste, surgió la película La leyenda de la casa del infierno de origenbritánico y de temática de “casa encantada”. La cinta está basada en una novela que sorprendentemente he leído y tal gesta he creído que merecía este post. Soy un lector pésimo.

La novela titulada La casa infernal (1971) fue escrita por el célebre Richard Matheson (1926-2013) y Stephen King se refirió a ella como la novela de casas encantadas más aterradora jamás escrita. El Sr. King exageraba hasta el tuétano pero parece que los dos escritores tenían más de una coincidencia. Como por ejemplo, no deja de ser curioso que en la novela, Matheson, ubique la casa encantada en Maine; territorio usado por King hasta la saciedad en sus obras literarias. En 1973, la obra literaria fue adaptada al cine con un Richard Matheson en función de guionista y supo sintetizar con éxito las 282 páginas del libro en una película de hora y media. La película fue dirigida por el británico John Hough muy ducho en lides fantásticas y terror y que un servidor desconocía de forma atroz.

El elemento diferenciador de la historia es que no trata de aquella pobre familia (con niños, por supuesto) que por el azar se encuentra atormentada por un ente tocapelotas que no deja de abrir y cerrar grifos. Sino que trata de cuatro personajes de diferente creencia y vocación, que serán contratados por un anciano de 87 años, llamado Deutsch, con el objetivo de que habiten durante una semana en la casa de la familia Belasco, el único lugar donde la supervivencia espera ser refutada. Como habrá cogido más de uno, el inicio es calcado a The Haunting (1963 y 1999) con sus leves variantes.

¿De qué va?

En 1931 y en 1940, dos expediciones visitaron la maltrecha casa de la familia Belasco, ya difunta, y sólo pudo salir una persona viva. Este superviviente fue el médium físico Ben Fischer (Roddy McDowall), que volverá a formar parte de esta nueva expedición porque le va el bondage. A este selecto grupo se unirá el físico y empírico, Lionel Barrett (Clive Revill) y su mujer Edith (Gayle Hunnicutt). Y por último, se congregará al comando, la médium psíquica, Florence Tanner(Pamela Franklin) a la que el grupo tachará de loca y sufrirá la ira de los espectros del hogar de Belasco. Personalmente, los cuatro personajes están muy bien definidos, dando a cada uno su rol para estimular el conflicto social. Ya se sabe que dentro de la casa, todo se magnifica.

Barret, el científico; su mujer, Edith; Fischer, el superviviente y Florence Tanner, la médium.

Sin hacer esas comparaciones horrorosas de gente modernilla con aires de grandeza; la película no es ni mejor ni peor que el libro, simplemente es diferente. Por ejemplo, en el libro, Barrett padece poliomelitis en una pierna y esta dolencia le afecta de rebote a su tercera pierna. Este malestar en el libro quedará patente, ya que Edith, su mujer, le recrimina con asiduidad su anomalía fálica y no dudará, siempre poseída por el ente (según ella, todos sabemos que no), en intentar beneficiarse al resto de la casa sin importarle género. En la película, la calenturienta Edith estrecha el cerco y sólo acosa al mojigato de Fischer, el superviviente de las otras expediciones. También en la película, Barret puede saltar siete escalones y goza de una virilidad ejemplar.

La médium, Florence Tanner, la vidente flipada, tanto en la novela como en la película, lleva el peso de la trama ya que el espectro de Belascose comunica a través de ella y será nombrada oficialmente como el sparring de los poltergeist. Hasta el felino del hogar tomará a la médium como su almuerzo. Florence Tanner también representa la parte creyente de la historia y siempre entrará en conflicto con la parte escéptica del científico Barrett, dando juguillo al argumento en materia emocional. Y si entramos en opiniones personales, quizá Fischer, el superviviente de las anteriores incursiones, sea el que más me pierde en la película. En la novela representa a un tipo introvertido, con el que poder confiar ya que ha escapado del maligno Belasco dos veces. Mientras que en la película, porta un aire de tío raro bastante acentuado. Además, el llevar ese tipo de gafas de pasta no le ayuda mucho.

Comprensiblemente, más allá de las situaciones y de los lugares descartados respecto al libro, el Sr. Matheson(o la productora, o la década) elimina de la película todo el tema sexual, y la sangre es cara de ver como ya le sucedió a la adaptación televisiva de It de Stephen King. Por ejemplo, el fantasma de Belasco sí que aparece de cuerpo presente en la novela y en la película no. Y en uno de los pasajes del libro, llega a copular con su sparring, la médium Florence Tanner. Es más, Matheson en la novela, roza la grima escribiendo que la médium al abrir los ojos ve un cuerpo que la besa en avanzado estado de descomposición rodeado de una luz en el que burbujean los gases de la putrefacción (literal). También en la película se obvia una pequeña escena lésbica entre Edith y la médium Tanner,con estrujamiento de pechos inclusive. Para más inri, se aparta del metraje hasta un pellizco picarón en el culo de Florence Tanner perpetrado por el fantasma de Belasco con gran profundidad narrativa. Ja!

También Matheson deja en exclusiva para su versión entintada, varias localizaciones emblemáticas, como una ciénaga de olor insoportable donde las embarazadas de las orgías de Belasco depositaban sus criaturas. Y además se elimina del guión de la peli, una piscina olímpica donde uno de los personajes es asesinado por el ente. En la película, ese personaje fallece de forma ridícula y ya lo encuentran muerto por ciencia infusa.

En el caso contrario, donde la película sí que es mejor que el libro es que en la película se obvia como nuestros protagonistas en el tramo final entran y salen de la casa hasta en tres ocasiones. ¿Y qué pasa cada vez que entran? Qué muere alguien. Una vale, dos bueno, pero tres veces! A mí me da la impresión que Matheson en el libro quería mantener vivos a todos los protagonistas hasta el tramo final. Pero se dio cuenta de que su libro terminaba y no supo cargarse a sus personajes de forma equilibrada y los eliminó del mapa deprisa y corriendo.

Aún así, todas estas curiosidades no empañan el buen guión de Matheson para la película ya que en el celuloide se muestran los pasajes más importantes de la novela. Tampoco Matheson se estrujó mucho los sesos que digamos en los diálogos ya que son un “copy paste” de los diálogos de la novela.

Pero si hay un factor que comparte la novela y la película es su absurdo final. ¡Spoiler! Cargarse a un poderoso ente a base de improperios y calumnias me resulta profundamente ridículo. Además el ente nunca es visible en el combate final. Se insulta a la ventisca. ¡No eres ningún genio! ¡Eres un bastardo! y ya está, muerto. Épico.

La leyenda de la casa del infierno es la clásica película de casa encantada que ha envejecido mal y lleva en sí tatuada una fecha de caducidad que sólo es resucitada por la larga sombra de su escritor y guionista. Película curiosa y para complementar.

La escabrosa leyenda del fantasma Belasco:

El antiguo morador, Emeric Belasco, fue un acaudalado personaje muy dado a la celebración de orgías y a la invocación de magia negra. Sin embargo en uno de sus días de planazo, Belasco, desapareció de la fiesta dejando tras de sí, 27 víctimas mortales. A partir de ese día, no lo encontraron nunca más. Se decía que a Belasco lo llamaban el Gigante Rugiente por su enorme estatura aunque después se verificó que su gran altura fue un fraude ya que se hizo cortar las piernas para acoplarse unas prótesis porque era más parecido a un pigmeo.

El escritor Mathesonse inspiró en el personaje real de Aleister Crowley para confeccionar su Belasco ya que éste fue el último mago del siglo XX. Aleister Crowley heredó una auténtica fortuna y se dedicó a celebrar orgías sexuales junto a las élites sociales tal y como hacía Belasco. También fue fundador de una orden mágica, donde el ritual sexual con sacrificios de animales y humanos fueron el pan de cada día.

Pero si hay una curiosidad potente es en el actor que encarna a Belasco y que aparece sólo medio minuto. Ni siquiera aparece acreditado. ¿Os suena de haberlo visto por Gotham? Un abrazo.

Nosotros, los guapos, hemos visto casos de discriminación positiva sexual que hemos tenido que asumir por imposición o por azar. Se define discriminación positiva sexual cuando uno/a de los amantes es considerado/a difícil de ver en comparación a su pareja. Cuántas veces nos hemos preguntado como ella puede estar con ese Trasgo del mundo de Tolkien o como él puede estar con esa Ecce Homo. Incontables veces.

Cuando era más joven… que ahora, inventé un sistema métrico sociológico llamado “mi barómetro”. Dicha ciencia exacta, consistía en valorar si la magnificencia física de uno de los componentes de la pareja era simétrica a la restante. En resumen, si consideraba que la chica o el chico era proveniente de los subterráneos de Mordor y si esa persona era digna de merecer ese pibón como cónyuge. Recuerdo grandes discusiones en noches de taberna sobre este tema. Actualmente ya no se puede conversar sobre estos asuntos porque lo “políticamente correcto” acecha y se sodomiza nuestra opinión. Pero yo aún vivo en los 90.

Como decía Rutger Hauer en Blade Runner:“Yo he visto cosas que vosotros no creeríais” y sí; existen parejas de amor que nos cuesta creer y que llegamos a ver hasta con un ápice de injusticia. Pero por suerte, el amor no tiene sexo ni edad ni religión ni apariencia física y hay que comprenderlo como tal, pero ahora toca ser malotesy es mi obligación exponer una serie de parejas que han sido patrocinadas por la cinta Un monstruo viene a verme (2016).

Como buen caballero, empezaremos por las damas.

Jennifer Love Hewitt y Jamie Kennedy (2009-2010).

Aún recuerdo el papel de Jennifer Love Hewitt en las Seductoras y de esas apariciones tan sugerentes en la serie The Client List. Es más, si yo fuera el muerto de un capítulo de Entre Fantasmas yla única persona que me ve, es Jennifer Love Hewitt, iba a ir su padre el tuerto hacia la luz. Justamente, en esta serie conoció a un extraño Jamie Kennedy que cautivó a nuestra tejana actriz con sus inexplicables encantos.

Salma Hayek y François-Henri Pinault (2009-…).

Ella tiene 50 años y él posee 55, pero él parece que tenga la misma edad que el tío de los cuentos de la Cripta. En cambio, la mejicana posee un cuerpo de escándalo que ha ido conservando en barrica de roble, libre de agentes externos que provoquen algún tipo de corrosión. No se puede entender tal relación porque aunque él esté forrado hasta las trancas dudo que ella viva en insalubridad. Lo que se discierne que estamos ante un claro caso de amor verdadero. Seguro que sí.

Christina Hendricks y Geoffrey Arend (2009-…).

Uno de los casos más duros de escribir. Me tiembla el pulso. Parece que hubo un cataclismo en el 2009 en temas maritales (veáse Salma Hayek). Esta pareja, aparece en todos los rankings de lo “inexplicable”, “injusticia”, “imposible” y del “por qué, señor”. Christina no ha tenido suerte en la gran pantalla, sólo apareció con cierta “visibilidad” en la película Drive (2011) con un papel breve y aséptico. Sin embargo, en la serie Mad Men nos enseñó lo importante que es la curva y la turgencia. Por cierto, su pareja, Geoffrey Arend es actor y lo vimos por ejemplo, en la Trampa del Mal. Este hombre es la prueba viviente de lo importante que es estar en el sitio y en la hora adecuada.

Lisa Marie Smith y Tim Burton (1992-2001).

Hay gente que conoce a su pareja a través de aplicaciones sociales o paseando al perro pero estos dos artistas congeniaron sentimentalmente por tener una experiencia Ovni similar. Lisa Mariees una actriz y modelo conocida por aparecer en las películas del señor Burton, como lo hizo en Mars Attack (la extraterrestre que seduce a Martin Short para entrar en la Casa Blanca) o en Sleepy Hollow donde se mostraba realmente exuberante. Sin embargo, cuando se abrió la veda fue en Ed Wood, donde interpretaba a esa especie de Elvira, Dama de la Oscuridad que ya acabó por encender el alfarero que hay en mí.

Álex de la Iglesia y Carolina Bang (2014-....).

Esto no sólo sucede en Hollywood. En nuestro territorio patrio también aparecen irregularidades sorprendentes como es la relación entre el director de Balada triste de trompeta y Carolina Bang. 20 años y 30 cm de altura separan a la pareja y en dos años de relación ya han procreado una hermosa hija. Ella está para ponerle un piso y él para que le envíen la carta de desahucio. Es broma. Claro ejemplo de que el atractivo es subjetivo y personal. A qué sí.

Elizabeth Banks y Max Handelman (2003-…).

Elizabeth Banksposee un rostro disyuntivo entre lo angelical y lo pérfido y esa duda, mata. Mata de amor. La vi fantástica, embutida en ese vestido amarillo en esa cosa llamada Vaya resaca (2014) y como soy un enfermo, me daba un no sé quécuando la veía disfrazada de maruja pin-up en los Juegos del Hambre. Está emparejada con un novio de la universidad llamado Max Handelman que nos demuestra lo importante que es realizar estudios superiores.

Malin Akerman y Roberto Zincone (2007-2013).

Tengo a Malin Akerman tatuada en el cerebro dentro de su ceñido y entallado traje amarillo y negro de la película Watchmen (2009).No me explico como la sueca actriz pudo entablar una relación con un hombre de estatura similar a Gimli y poseedor de una fantástica cresta gallinácea. Pero todo tiene su explicación. Ella era la cantante y él era el batería del mismo grupo musical de juventud y ya los opiáceos hicieron el resto.

Catherine Zeta- Jones y Michael Douglas (2000-…).

Ella tenía 30 años y él 55 cuando nos demostraron que el amor no entiende de edades. Todos sabemos que en su juventud, el señor Douglas estaba para empotrarlo pero en el momento del inicio de la relación con la británica actriz, él empezaba a envejecer aceleradamente mientras ella se mostraba impávida ante el paso de los años. No cabe decir que toda esta referencia la sitúo antes del 2010 que fue el año que le diagnosticaron a nuestro querido Michael esa grave enfermedad. Esperemos que se mejore pronto porque queremos un remake de Black Rain.

Scarlett Johansson y Romain Dauriac (2014-2017).

¿A qué estamos jugando? Me pregunto. Mi barómetro va a reventar. Scarlett es, sin querer, un icono sexual de este nuevo siglo y esos ojos, esos labios y el resto de su anatomía dan veracidad a tal título. Quién no recuerda ese vestido rojo con ese escote en los Globos de Orode 2006. Sí, en los globos de oro. Chiste fácil. Esta encantadora mujer ya carga con dos divorcios a sus 32 años y se prevé que caerá algún otro más. Después de divorciarse del potente Ryan Reynolds, apagó su llama con un tal Dauriac, que no era más que un hipster, con un aire a Jon Bernthal y con una suerte que no se la creía ni él. La relación acabó y ahora ella quiere mi "wasap".

Sarah Paulson y Holland Taylor (2015-…).

El amor no entiende de sexo ni de edades pero da mucha rabia. Con una diferencia de 31 años (¡vámonos!), la encantadora Sarah Paulson de American Horror Story y la actriz que interpretaba a la madre de la serie Dos hombres y Medio, iniciaron un tórrido romance. Paulson posee una imagen muy achuchable e inocente pero comprobamos que ella es más de potajes de la abuela. Les deseo lo mejor.

Rosario Dawson y Danny Boyle (2013).

Rosario Dawson me produce simpatía, me gusta cómo interpreta y tiene dos pechos confeccionados por el mejor alfarero del planeta. Danny Boyle es uno de los mejores directores del mundo pero su relación temporal con la señora de ébano es uno de los mejores regalos que se habrá podido llevar en su carrera personal. Los 22 años de diferencia entre la pareja no eran una pequeña muesca sino un gigantesco cenote que nadie se podía explicar. Gracias a los dos por volver al territorio más grande del mundo, la friendzone.

Ya sabéis, nunca os infravaloréis. Un abrazo, majos y majas.

Ha llegado el momento de ellos. Los atractivos e insaciables machos. El hombre de a pie ha sabido capear aquel estigma social, que le acusaba de sólo percatarse del físico de una mujer en detrimento de otras cualidades femeninas. Y la lista que se muestra a continuación, da fe de ello.

Siempre me he considerado una persona muy heterosexual por culpa de unos procesos bioquímicos de los cuales nunca he controlado ni tengo culpa. Sin embargo, bajo mi fachada de hombre que en público nunca alaba la belleza varonil, soy consciente de que existen unos cánones establecidos y una simetría perfecta en la belleza masculina. Y eso le hace pensar a uno que si se diera la casuística de vivir en un mundo sin señoras, sería muy probable que me beneficiara a Ryan Gosling sin ningún tipo de prolegómeno.

Está claro que cada ser humano o sociedad entiende la belleza según su idiosincrasia. Por ejemplo, en la cultura maya tener un ojo a la virulé (estrabismo) era bonito y atractivo. Por este motivo, hay que comprender a estos valientes que componen esta lista y que han sabido aparcar detalles sin importancia como la edad, la belleza o los 120 kilogramos de más de su señora.

Ha sido una lista difícil de confeccionar porque, a veces, se ha intentado atrapar lo imposible. Por ejemplo, actores como Leonardo Di Caprio, de amplio catálogo amatorio, de sus 25 pretendientas no he hallado ninguna fea, a mi juicio. U otros ejemplos como Ewan Mcgregor o Matt Damon, que suelen aparecer en este tipo listas pero que personalmente sus “respectivas” no son dignas de mi escarnio. Es más, creo que la suerte (o la fama) han estado del lado de los actores. Todo depende del ojo (como en la cultura maya) con el que se mire.

Pierce Brosnan y Keely Shaye Smith (2001-…).

Brosnan ofrece esa pinta de galán, de hombre correcto y de gentleman que nos ofreció en su personaje de JamesBond donde siempre acababa rodeado de bellas mujeres. El cómo rodeó a su fiel esposa es otro tema pero sí sabemos que es una de las parejas más longevas de Hollywood y que el amor brota por todos los poros del matrimonio.

Josh Holloway y Yessica Kumala (2004-…).

Josh Holloway fue nombrado el buenorro de Lost y supo cautivar al público femenino por su carácter rebelde y socarrón. Sin embargo, la búsqueda del actor en Google ocasionó más de un desmayo cuando se verificó que ya estaba emparejado y que encima era con una mujer de rasgos asiáticos de belleza un poco distraída. Se cuenta que el actor se hallaba conquistando a una mujer cuando de pronto se le apareció Yessica Kumal por la retaguardia.Ella le tocó el hombro y le dijo que no se fuera del bar sin antes darle su número de teléfono. Se sospecha que este acto iba acompañado de un revólver que apuntaba a nuestro actor. Siguen felices.

Chris Evans y Jenny Slate (2016-2017).

Nuestro potente Capitán América se rodeó de diosas como Jessica Biel o Minka Kelly. Por esta razón, dejó atónitos a muchos cuando encontró el amor en la terrenal actriz Jenny Slate. Esta tal, Jenny Slate, conquistó el corazón de nuestro actor en la película Un don excepcional (2017) y terminó el mismo año (la relación).

Patrick Dempsey y Rocky Parker (1987-1994)

Patrick Dempsey, más conocido, como el Dr. Macizo de Anatomía de Grey, se apuntó a la moda de encamarse con jubiladas. El cachondeo de todo esto, es que Patrick conoció a su señora en una película titulada Ellas los prefieren jóvenes (1988) donde el actor interpretaba a un joven que se enamoraba de dos personas mayores. Es para partirse. Él tenía 21 años y ella 47 tacos. Se casaron y se separaron en un divorcio de pesadilla. Rocky Parkerfalleció en el 2014. DEP.

Hugh Jackman y Deborra- Lee Furnes (1996-…).

Una de las parejas clásicas en estos derroteros. El Sr. Jackman está considerado como uno de los machos más atractivos del planeta y sus abdominales, donde se puede hacer una parrillada de verduras, lo avalan. Con una diferencia de 13 años, el actor ya lleva 20 años casado con la actriz, Deborra- Lee Furnes, que no es poco. Y más a sabiendas, que nuestro Lobezno, con un chasquear de garras de adamantio podría conseguir a cualquier señora más joven. Más joven que él. Grande Wolverine.

James McAvoy y Anne-Marie Duff (2006-2016).

James McAvoy tiene su morbo perosu señora Anne-Marie Duff locarece. Yo no comprender rostro pálido. Anne-Marie Duff posee un rostro raro, mezcla de caniche feliz y chinchilla asesina que habría que vigilar. Para variar y siguiendo la tónica de la entrada, ella era 8 años más mayor que él aunque tampoco era una diferencia para echar a correr. Se divorciaron en el 2016 y ahora el actor se pasea por “Múltiples” caminos para encontrar el amor. Malísimo.

Aaron Taylor Johnson y Sam Taylor-Wood (2009).

Otro caso clásico en estas listas de tono superficial. Aaron Taylor Johnson es un tío atractivo y su mujer sabe que se ha llevado un yogurín de 24 años menor que ella. Uno tiene que pensar que mientras escribo estas palabras, actualmente el actor cuenta con 27 años y ya está casado con esta señora y tienen en común dos hijos. Acelerado es poco. Se conocieron en 2009, en la película Nowhere Boy donde él era el actor protagonista y ella la directora del film. Para los despistados/as, Sam Taylor-Wood fue la directora de la célebre 50 sombras de Grey (2015).

Clive Owen y Sarah Jane Fenton (1995-…)

Él posee la apariencia de galán británico y ella calza un rostro de señorita Rottenmeier,especialista en la confección de torrijas que tira para atrás. Antes de trabajar con Brad Pitt, la actriz Angelina Jolie, que le va la marcha, le dijo a Clive Owen que era el hombre más sexy con el que había trabajado. Owen y Sarah están casados desde 1995 y se conocieron en una obra de teatro de Romeo y Julieta. Actualmente, viven felices sin adaptar la historia de Shakespeare a la realidad.

Robert Pattinson y FKA twigs (2014-…)

Robert Pattinson rompió corazones a las teenagers con su crepusculizada pálida cara. Sin embargo, su vida amorosa pegó un vuelco cuando su expareja, Kristin Stewart copuló con el director de Blancanieves y el Cazador. El cornudo Pattinson quedó tocado y buscó consuelo en una extraña mujer. La pareja no cuadra físicamente ya que Pattinson vive con esa cara de tranquilidad permanente, mientras ella disfruta de ser una cantante alternativa con tintes perroflauticos.

Matt Bomer y Simon Halls (2011-…)

Apartemos la aburrida heterosexualidad y estudiemos ese ser envidiable que es Matt Bomer. No escondamos que su pareja tampoco es algo para arrancarse los ojos pero al ser el Sr. Bomer tan perfecto, nos (me) provoca la sensación de que físicamente podía haber tirado más alto. Cosas de mi barómetro del amor.

Con una diferencia de 14 años (para variar) están enamorados hasta las trancas y entristeciendo a miles de hombres y mujeres por igual.

Ya sabéis, la belleza está en el interior. Un abrazo compis.

No hace mucho, fui a celebrar un aniversario familiar sin saber la hora ni el lugar. Según cuenta la leyenda, se comentó donde se iba a celebrar tal convite pero como mi cerebro huye de algunas conversaciones, pude vivir la sorpresa con la misma ilusión que la cumpleañera. Aterricé en Gavá, un municipio que se ubica a 12 km de Barcelona y al llegar a cierta entrada se hizo una pequeña caravana de seis coches en la penumbra. Tocaron las 21:00 horas y se abrieron las puertas del averno. Y ya me vi el percal.

En el exterior, observo un edificio de tres plantas y un minicementerio de papel maché con encanto. Se hace cola en el restaurante para “entrar y jamás salir” y la espera se ameniza con un difunto enfermero que saluda a los futuros comensales. Ya se empiezan a escuchar los primeros grititos de espanto acompañados de la consiguiente risita floja.

Llegamos a la puerta del restaurante y nos aguarda un hombre con acento portugués de carácter borderline y ataviado con un bombín. Nos indica que no hagamos luces con el móvil en las actuaciones y que respetemos a los actores de la función. Después nos comenta, que no nos preocupemos por el miedo del castillo porque el susto de mayor calibre será cuando nos traigan la cuenta. Aquí me cayó mucho mejor.

Por fin dentro. Observo que detrás de una barra se encuentra la clásica monja endemoniada que te señala una especie de museo muy curioso. Tiramos hacia el misterio a ver las obras expuestas.

Y aquí llega el momento cumbre. Todo el mundo sabe que soy un hombre curtido en las mil batallas pero por una distracción tuve el mayor respingo de toda la noche. En dicho museo, se hallaban varios “muñecos” expuestos pero había una señorita un poco sospechosa que entre la oscuridad y la neblina me hacía dudar. En un acto de repelencia por mi parte, le dije a mi sobrina de 13 años, que aquella muñeca del infierno me parecía auténtica. Cuando exhalaba el “parecía” de la frase, aquella hija de satán se me echó encima y del salto me escondí detrás de mi sobrina mostrando al mundo ser un pusilánime. Principio de embolia.

Después, apareces en otra barra de bar donde la plebe se toma sus Kina San Clemente para ir haciendo hambre. Sin duda, es la zona donde todo quisqui aprovecha para realizar las fotos pertinentes del interior del castillo que está adornado con todo tipo de ornamento mortuorio. También se halla una especie de trono fantasmal donde es imposible no sentarse y hacer el congrio un rato para la foto. En mitad de la multitud de clientes, se vislumbra un hombre vestido de bestia y el enfermero que estaba en el exterior de la puerta de entrada. Y cómo no, también vino a visitarnos la susodicha hija de satán que se desplazaba a cuatro patas por el suelo, provocando estampidas y griteríos varios. La mejor, sin duda. Me recordaba a aquella familia turca que caminaba a cuatro patas. ¿No lo habéis visto?

Te van sentando en una sala central donde se vislumbra un pequeño escenario y empieza el papeo y el espectáculo. Los comensales se van sentando en las mesas que están bien, a excepción de una de ellas, que tiene una fantástica (y satánica) columna en medio, que obliga a ladearte para no perderte la función. Eso sí, aparte de acompañarte la sal y el aceite en la mesa, también se añade a la comida, una melodía terrorífica a todo castaña como hilo musical. Cuando llevas 15 minutos ya ni la escuchas porque forma parte de tu tímpano.

Manjar:

La comida es buena. Te meten la típica “llesca de pà amb tomàquet” y hay una madera de la que cuelgan, según ellos, embutidos de cadáver con picos de pan. Divertido. Después, sopa y una degustación de quesos endemoniados, y por último, una bandeja de carnes de todo tipo. Yo comí como un verraco y me llené, aunque en este tipo de eventos con espectáculo, no ingiero bien y voy regurgitando cual gorrión moruno. Además, por caridad, la organización del evento en un punto a favor de ellos, dejan un tiempo prudencial a manducar los platos entre los espectáculos. Por cierto, para aquellos que tengan dieta alternativa, existe un menú vegetariano con espárragos malditos y coles de Transilvania.Los ingredientes me los he inventado pero lo del menú, “haylo”.

Pero donde la originalidad se hace patente es en los postres. El detalle de que suene la marcha fúnebre (ja) en el momento que traen las tartas a los cumpleañeros, fue una risión. Además, los postres rezuman originalidad.

Espectáculo:

Una terrorífica voz en off te introduce en las cuatro infernales actuaciones (creo que fueron par de par). Viví a Michael Myers de Halloween, IT, The Walking Dead y la matanza de Texas. Lo bueno de este tema, es que no hay posibilidad de spoileo ya que varían a menudo los espectáculos y están al quite con la actualidad terrorífica. Por afinidad y puestos a escoger, me hubiera gustado disfrutar del señor Freddy Krueger y del amigo de Sawpero lo tenebroso es azaroso.

Ni no no ni no no ni ní ni no no ni… Suena la BSO de Halloween. En la actuación del señor Myers cogieron a un pobre macho y lo ataron a una especie de poste mientras toda su mesa se partía el ojal. Lo que no se imaginó el público masculino (ni tampoco el susodicho ya que le colocaron una calabaza en la cabeza) es que aparecieran dos vampiresas en cueros a morder a la pobre víctima. Pobre víctima. Sí, sí… pobre.

También estuvo curiosa la función de la Matanza de Texas donde apareció la familia por el comedor, tocando las pelotas a los comensales. Hasta que llegó el esperado “Caracuero”, que con su motosierra dejó un olor a gasoil por toda la sala. A parte el tío, te acercaba la sierra a la cara y el miedo a que la hoja fuera a tu ojo, estaba ahí. El espectáculo del Walking Dead, quizá fue el más flojillo de la noche. Se escuchaba la música “falsa” (supongo que por temas de copyright) de la intro de la serie a todo trapo; y el señor Rick Grimes con su pistola de fogueo, cada vez que disparaba, aumentaba mi sordera. Qué escandalera.

Sin embargo, donde partieron la pana fue en la actuación de Pennywise de It. Una caracterización muy conseguida y eso que la película llevaba sólo dos semanas de estreno. En esta función, pedían a la plebe que apagara el móvil y también las velas que rodeaban la mesa. Entonces con el juego de apagar y encender las luces, el payaso, muy hábilmente, iba desplazándose por la sala. Claro… a la que encendían las luces y veías al de IT a tu lado, era motivo de sobresalto.

Por supuesto, después de cada actuación te invitaban a que te hicieras la clásica foto con el monstruo de la función en el piso de arriba. Y gratis. En resumen, los actores y las actrices se portaron con mucha profesionalidad y las funciones están organizadas para que ninguna se haga cansina ni para que a uno le invada la vergüenza ajena. Además, ya se sabe que en estos ambientes grupales de celebración y alcoJol, siempre hay alguno o alguna de los clientes que no se calla ni debajo del agua.

Recomiendo el restaurante para celebraciones puntuales como cumpleaños, comuniones, bodas y divorcios por aquello de la originalidad y porque si eres de la zona y eres un empanado como un servidor, es menester saber que ese lugar existe y que lleva abierto desde el 2003. Personalmente, sólo me he visto en esta tesitura en un par de ocasiones donde se intercambiaron los asesinos en serie y los monstruos por Drag Queens y transformistas. Por cierto, celebraciones que también recomiendo encarecidamente.

El dueño de todo este embrollo es el Sr. Juan Carlos Bonet que con la foto ya paga pero se le ve muy majo por lo que he visto en algunas de sus entrevistas.

El precio es de unos 33 € (15 € comida + 18 € espectáculo). Importe muy popular para lo que es este tipo de cena+espectáculo aunque se quejen los "típicos" de las redes sociales. Mismamente, en mis cenas de Drag Queens pagué 50 € y el fin de semana pasado me clavaron más de 30 € donde el espectáculo consistió en cómo dividir la cuenta entre seis. A estas cuevas no se suele ir cada fin de semana y yo salí feliz.

Feliz navidad endemoniados.

La alineación de los astros ha decidido para este año que el tiempo para “mis cosas” sea escaso y de dudosa calidad. La rutina se está cargando mi amado síndrome de Peter Pan. Sin embargo, cuando uno visiona reliquias de serie B como la que expongo a continuación, el tiempo aflora desde cualquier rincón. Y he visto Puppet Master, donde ya su título, magnetiza al más incauto. Para más Inri, Puppet Master se ha hecho franquicia, de aquellas de culto, y ya consta de doce secuelas. Ríete tú de Paranormal Activity.

Historia:

La historia de este Toy Story macabro, se inicia en 1939 con un titiritero llamado, André Toulon, que mediante hechicería egipcia da vida a sus marionetas. Sin embargo, dos espías nazis, van detrás del secreto de este último alquimista y acorralan a nuestro anciano titiritero. André Toulon, al ver que su secreto se encuentra en peligro, decide esconder las marionetas detrás del estucado y volarse el cráneo en pedazos.

50 años más tarde, un grupo de sensitivos descubre mediante poderes telequinéticos que uno de ellos ha fallecido, y que antes de morir les ha confiado un último mensaje: El hallazgo del secreto de André Toulon.

El parto de Puppet Master:

La película fue dirigida por David Schmoeller y fue un inesperado éxito para la productora de fantasía y ciencia ficción, Full Moon Productions, capitaneada por un tipo llamado, Charles Band. No obstante, la relación entre el director y el productor acabó a tortas y en las tropecientas secuelas de Puppet Master, el director ni aparece aunque éste fuera el creador de varios diseños de las marionetas. También pilló cacho el escritor del primer borrador de Puppet Master, un buen hombre llamado, Kenneth J. Hall, que también fue desterrado por el productor porque quería que su franquicia titiritera llevara el título de “historia de Charles Band” y no de “historia de Kenneth J. Hall", que quedada más feo.

Existían intenciones de estrenar la película en cine pero nuestro productor y amigo Charles Band,decidió sólo lanzarla en formato doméstico porque preveía un beneficio mayor. En 2008, el productor autorizaría la venta de la peli por Itunes Store, creando esa cadena tecnológica tan curiosa que pasa del añejo formato VHS al mercado digital de hoy. No me puedo hacer mayor.

La idea del director de Puppet Master, David Schmoeller, por resucitar lo inmaterial, ya venía de lejos ya que quedó finalista en 1975 en la Student Film Awards con la obra The Spider Will Kill You. Dicho corto trataba de un hombre ciego que se enamoraba de una maniquí que cobraba vida. Sin embargo en dicho certamen estudiantil se encontró un hueso duro de roer y fue derrotado por el conocido Robert Zemeckis.

También en la otra cara de la moneda, el productor Charles Band poseía un fervor amor por las criaturas, ya que popularizó obras tanfantásticas como Ghouliesy Dolls, esta última dirigida por Stuart Gordon. Dolls (1987) contaba con una sinopsis muy similar a Puppet Master (1989) ya que trataba de unos jóvenes que se colaban en casa de un titiritero que se dedicaba a encarcelar criminales dentro de sus marionetas antropomórficas. Muy al estilo Muñeco diabólico (1988) salvando las distancias.

Dolls tuvo 2 millones de dólares de presupuesto y Puppet Master sólo 400.000 $. ¿Por qué esta diferencia? Porque el señor Charles Band primeramente fundó Empire Pictures con las que financió míticas cintas como Ghoulies, Re-animator y la susodicha Dolls pero la productora se fue al garete. Y Puppet Master fue sufragada a posteriori con otra nueva productora creada por este señor llamada Full Moon Productions y ya suponemos que aprendió de sus errores y decidió controlar con más cautela sus presupuestos.

Primeramente, hay un guión escrito por Kenneth J. Hall bastante divertido ya que sustituía al grupo de parapsicólogos por un aquelarre de brujas modernas. Qué locura. Además, el enfermo del productor, CharlesBand pidió expresamente que hubiera una escena sexual de tipo bondage en la cinta. Y Kenneth J. Hall, escuchando sus plegarias y atendiendo a su jornal, escribió la escena de sado en la que aparecían dos brujas punk vestidas de cuero. Pero al no haber brujas, el director David Schmoeller se vio obligado a plasmar en pantalla a dos de los psíquicos jugando con cuerdas y vendas. Todo muy anticlimático. El desvarío reinaba.

El gore convive con las víctimas en su justa medida y podríamos catalogarla como gore light. No llega a niveles cómicos como en Tu madre se ha comido a mi perro (1992) ni alcanza límites grimosos como el gore visto en la saga Saw. Sólo hay que observar la sangre ¿verde? "a chorro" que emana el villano de la cinta. Una sangre de color verde que según un vídeo de curiosidades se escogió para evitar que la peli fuera destinada para adultos. Aspecto que me parece una absurdez, ya que el resto de la cinta tiene contenido de sobras para condenarla y destinarla a un público adulto.

Pero sí hay una escena maravillosa, sin duda, es en la flamante aparición de la marioneta femenina y que enlazo al final de este post. La títere posee como característica principal, el esputar sanguijuelas y vemos como recurre a ellas para engañar morbosamente a un cegado y atado amante. Aunque para momentos duros, tenemos a una de los psíquicos, Dana, que va paseando y conversando con su perro pekinés… disecado.

Pero aquí, los dueños de la función son las marionetas:

El verdadero titiritero de toda esta pantomima fue el supervisor de efectos visuales, David Allen, que hizo lo que pudo (y muy bien) mezclando movimientos mediante cables, un poco de stop-motion y la ayuda de especialistas “humanos”.

En esta primera parte de Puppet Master vemos a:

Blade: Es la marioneta protagonista por antonomasia. Aparece en toda la saga y es el líder indiscutible de todo el tinglado marionetil. Posee una especie de gancho en la mano al más puro estilo Sé lo que hicisteis el último verano y en la otra mano se le ve una especie de cuchilla para favorecer el cerceno. Según su autor, este muñeco está inspirado en el célebre y tarado actor Klaus Kinski.

Pinhead: Otra de la marionetas clásicas de la saga. Las manos humanas que portaba la marioneta correspondían a las de la actriz Cindy Sorensen que padecía enanismo y le costó horrores esconder la cabeza mientras sostenía la marioneta sobre sus hombros. Su forma de liquidar al personal era mediante el estrangulamiento. Petequias venir a mi.

Tunneler:Marioneta con un taladro por cabeza que asesina embistiendo al personal. No se sabe con certeza mucha biografía de este muñeco a pesar de ser uno de los sempiternos de la saga. Eso sí, en la web http://puppet-master.wikia.comutilizan la forma de su cabeza como cursor. Una risa.

Kahn: Es la primera marioneta que aparece en la saga y su función es hacer de vigía para André Toulon. Tiene apariencia de Fuman Chú y desaparece de la faz de la saga en los primeros minutos de película. Te echamos de menos.

Leech woman: Mi favorita y poseedora de una de las mejores escenas del film. Títere femenino que cuenta con una boca hecha de látex donde surge una agradable y dicharachera sanguijuela. Cabe decir que el animal era real y sólo podía salir la mitad del animal por la boca del muñeco.

Jester: La característica principal de este resucitado muñeco es rotar a un ritmo endiablado diversas partes de su cabeza: frente, media cara y mentón. Y puede adoptar cinco expresiones faciales.

También desecharon ideas de marionetas de esta primera película por falta de presupuesto como por ejemplo, Six-shooter, que era un cachondo vaquero con seis brazos, o Cyclops. No obstante, estas ideas sí que fueron recicladas para posteriores secuelas.

Para completar, en las secuelas nos irán mostrando más detalladamente el origen de cada una de las marionetas, que como se insinúa el principio de esta cinta, todo este mundo estará muy relacionado con “cosas nazis”. Y si estos datos os parecen poco, podéis complementar esta información con una serie de cómics que lanzaron a raíz de la peli, editados por Action Lab Comics.

Puppet Master, entra dentro de mi espectro cinéfilo, donde se halla la imposibilidad de determinar un juicio justo sobre la calidad de la película ya que ni sus propios autores vislumbraban un éxito cualitativo más allá de la propia fantasía de la historia y de la ilusión que emplearon en la confección de la película. Si eres amante de la fantasía y de ese terror “barato” pero con encanto, “tipo Ghoulies”, PuppetMaster se deja ver.

Para un servidor, este tipo de cintas son como ir al McDonald’s, sabes que lo que comes no es muy sano pero lo disfrutas como si se acabara el mundo.

Curiosidades:

Se crearon alrededor de la película, unas pingües cantidades de merchandising. Entre ellos diversos cómics, CD’s, un vinilo, disfraces y un muñeco que posee fluorescencia.

Soy muy malo para pillar errores de racord pero en esta escena, dado su poder “dramático”, me fijé en una misteriosa calavera que se mueve de un plano a otro.

El director David Schmoeller aparece como escritor en los créditos con un pseudónimo, Joseph Collodi.

En un momento de la cinta, hacen referencia a la pareja de actores Clark Gable y a Carole Lombard. Carole y Clark se casaron y fueron una pareja muy querida hasta que ella falleció por culpa de un accidente de avión. Se comenta, que al ser tiempos de guerra, los faros de advertencia del avión donde iba la actriz estaban apagados por miedo a ataques japoneses. El piloto no se guió correctamente e impactaron.

La actriz, Barbara Crampton, célebre por la obra de culto Re-Animator, nos deleita con un cameo en Puppet Master.

La película cuenta con un breve “como se hizo” titulado No strings Attached. Y nada más, que paséis mucho frío.

El señor Miyagi ya advirtió al espectador que la cera sería una sustancia muy popular en el séptimo arte. Quizá las dos películas más representativas de este material serían Los crímenes en el museo de cera (1953) del genial Vincent Price y la divertidísima (e infravalorada) La casa de Cera (2005) del amigo Collet-Serra. Sin embargo, también existe una joya ochentera con tintes de comedia de terror “freak” titulada, Waxwork: Museo de cera, donde la hilaridad se hace patente en cada fotograma.

Waxwork: Museo de cera trata de un grupo de jóvenes que son invitados por un extraño foráneo a acceder a su museo de cera. En su interior, encuentran varias obras de cera que representan escenas clásicas de monstruos y de crímenes varios. La pandilla averigua que traspasando el cordón de seguridad de cada función viven la propia escena de forma real. Pero lo que no se imaginan, es que quedarán atrapados en ese espacio-tiempo y ya no retornarán a su auténtica realidad... vivos.

Inspiración y cutrez:

La película está dirigida por Anthony Hickox que se le conoce por dirigir Hellraiser III (1992)y por crear a un cenobita con CD’s incrustados en el cráneo. Gran obra, mejor persona.

Mostrando una excelente motivación, Anthony Hickox, dirigió la película porque le ofrecieron 3.000 dólares por escribir el guión y eso era una pasta. El director se inspiró en hechos tan macabros como el llamado, la cámara de los horrores de Madame Tussaud.

Esta Madame Tussaudfue célebre por confeccionar sus moldes de cera sobre las cabezas guillotinadas de los monarcas que fueron ajusticiados en plena Revolución Francesa. Madame Tussaud montó su propio museo de cera y añadió algunos rostros criminales a la función. Entre esta colección de cabezas cercenadas se encontraban las de personajes tan ilustres como Robespierre, Maria Antonieta o Luis XVI.

En medio del frenesí de la escritura, nuestro estimulado director pensó: ¿Y si hago que estas figuras de cera cobraran vida por la noche? ¿Y si aparte de representar escenas de criminales agrego a los monstruos de la Hammer a la función?¿Y si ya que estoy, cuelo en la peli al cenobita DJ de Hellraiser III con CD's incrustados en el cráneo? No. Este último detalle no es cierto pero el resto sí que existe y es la gracia del film.

Esta clase de cinematografía de serie B, clasifica a Waxwork dentro de la definición de "hija de su tiempo"y como suele suceder en este tipo de cintas, la película se rentabilizó en el mercado doméstico aunque fuera estrenada en cuatro cines.

Según la wiki, el presupuesto fue de 1,5 millón de dólares y recaudó en cines 809.000 dólares aproximadamente. Sin embargo, vendió casi 150.000 copias en formato VHS de su versión sin censurar, alcanzando un montante de dos millones de dólares.

No engañaré a nadie si afirmo que el tono cutre impera y sólo hay que echar un ojo a las representaciones de cera del terrorífico museo. Las “figuras” tiemblan y parpadean cuando se supone... que son de cera, tal y como su título indica. No se han esmerado en disimular la “humanidad” de sus figuras con alguna prótesis o un triste maquillaje. Es más, hay una escena curiosa en la que se acerca un inspector de policía a una “figura de cera” . Al clavar un escalpelo en su cara se cambia el plano de manera acelerada y se ve una careta comprada en el bazar Lin Yuan. Y este tema sorprende ya que en los efectos visuales se contaba con Bob Keen que venía de partir la pana con Hellraiser. Aún así, encontramos una transformación de licántropo, al estilo Un hombre lobo americano en Londres, realmente muy conseguida y una aparición de un bebé zombie animatronic inspirado en !Estoy Vivo¡ (1974) que también me causó regocijo.

El propio director explicó en una entrevista, el making of de la escena final que es una risa. En esta secuencia se perpetra una extensa batalla entre los monstruos del museo de cera y una turba de octogenarios iluminatis liderada por el personaje de Patrick Macnee. En dicha contienda se vislumbra el caos y el esperpento. Y todo este despropósito se debe a que el director pretendía grabar ese final en cuatro días pero la escasez de fondos hizo que sólo le permitieran filmar en doce horas dicha escena. Anthony Hickox tenía previsto realizar una gran batalla final empleando un viaje temporal por cada función del museo. Pero a causa del escueto presupuesto, nuestro director solucionó el agravio rodando una entrañable pelea de taberna, de todos contra todos y con un Patrick Macnee montado en una silla de ruedas acorazada con papel charol. Para más inri, no hubo dinero ni tiempo para contratar a más especialistas y la mayoría de los combatientes son extras que estaban en el set porque invitaban a bocadillo. La realidad es que vemos una película curiosa donde las haya y que, sin duda, son la razón de mi existir.

Copyright y polémicas varias:

La película explica que el dueño del museo quiere resucitar a los 18 seres más malvados del universo pero para tal fin necesita cargarse 18 jovenzuelos para obtener sus correspondientes almas. Estos 18 seres del averno que aparecen en la película fueron escogidos personalmente por el director según sus miedos de adolescente. Sin embargo, por miedo a una querella de copyright por parte de la Universal, los monstruos que aparecen en pantalla se parecen a todo menos a los monstruos de la Universal.

Entre los monstruos adivinamos con dificultad a Frankenstein, Drácula, Hombre Lobo, La Mosca, el fantasma de la ópera, el Hombre invisible, una especie de Golem, Mr. Hyde, los Muertos Vivientes de George A. Romero y hasta el mismísimo Jack el destripador. Sin duda, el asesino Sr. Jack ha sido un personaje recurrente donde los haya, ya que también aparecía en la que se considera la primera película de terror en términos de cerumen, la muda Waxworks (1924) de Paul Leni.

Sin embargo, nunca llegó ninguna reclamación de copyright pero sí que recibieron decenas de cartas de odio contra su personaje más polémico: el Marqués de Sade. Eran la década de los 80 y media América no entendía como la protagonista seguía ensimismada del Marqués de Sade aunque éste la zurrase con un látigo de siete puntas. En la peli, ella quiere más y su cara refleja placer y eso todo el mundo sabe que es pecado. Eso sí, también recibió misivas con una visión inversa a la polémica ya que a muchas chicas jóvenes les iba ese rollo. Hay de todo en la viña del señor.

La MPAA (organismo que se dedica a clasificar las películas por edades) tuvo su especial tira y afloja con esta cinta para que pudiera conservar una clasificación "suave" y así no perjudicar su recaudación en cartelera. Waxwork contiene su gore dentro de una lógica de comedia de terror. Por ejemplo; vemos como el Hombre Lobo parte a un hombre en dos y como le arranca la testa al pobre Patrick Macnee. Todo en tono muy simpático. Pero sin duda, donde la grima se hace patente, es en la escena de la cocina, la de los vampiros, donde hay un hombre con media pierna devorada y a todo el mundo que pasa por ahí, le da por apoyarse en esa extremidad provocando al susodicho, una agonía horrorosa.

También la MPAA se quejó de la elevada cantidad de sangre empleada ya que se usaron 152 litros de sangre sólo en la escena de la cocina (la del hombre con la pierna devorada). Esta cantidad de sangre fue bastante contundente ya que por ejemplo, es la mitad de litros que se usaron en Tu madre se ha comido a mi perro (1992) que es una película que batió récords en ese aspecto. También, en la escena del Marqués de Sade, la MPAA no dejó que se viera en pantalla que el látigo restallase en la espalda de la joven. Tampoco dejaron que en la escena de los vampiros se reflejase en pantalla ningún ápice de canibalismo con la pierna de ese pobre hombre. Sólo se ve en el plano el vampiro masticando. Se insinúa y todos contentos.

Reparto y personajes:

Uno de los personajes con más gancho de la película es el mayordomo que va perpetrando aspavientos por todo el museo. El actor que encarnaba a este personaje era Michu Meszaros que poseía una altura de 83 cm y fue el intérprete que encarnó al extraterrestre comegatos Alf.

Y seguro que usted, querido/a lector/a, puede pensar que yo ya vengo a escribir sobre mis frikadas de ultratumba pero no. Waxwork: Museo de cera no es ninguna broma si echamos un ojo a su nada desechable reparto. Como protagonista vemos a Zach Galligan, el prota de los Gremlins; a David Warner, el malo de Tron (1982) y el fotógrafo de La Profecía (1976); a Patrick Macnee, que se hizo célebre por protagonizar la serie de éxito, Los Vengadores (1961-1969) y que posee un personaje lamentable en esta cinta; Deborah Foremande La chica del Valle (1983) e Inocentada Sangrienta (1986); Dana Ashbrook de Twin Peaks o John Rhys Davies, de Indiana Jones en busca del arca perdida (1981) y que en esta cinta se presta voluntario para interpretar a un licántropo. Aunque para este último, el director prefería a Oliver Reed(Gladiator, 2000) pero no todos los días son domingo. ¿Y cómo puede ser que todo este reparto accediera a tal broma? Pues contratando a una buena directora de casting como Caro Jones, que venía de trabajar en Rocky y Karate Kid y fue una de las mejores en su campo.

Curiosidades:

El director del film, Anthony Hickox, realiza un cameo como comensal y amigo del Conde Drácula.

El deseo final era realizar una trilogía pero sólo se filmó una secuela que seguía contando con Zach Galligan titulada Waxwork: el misterio de los agujeros negros (1992). Menudo título.

El actor que interpretaba a Drácula era MilesO’Keeffe (Tarzan, 1981) que no tenía ni papa del guión y repetía como un loro las palabras que le espetaba el director. También, en su interpretación, mordió con demasiada fuerza a la actriz Michelle Johnson y la actriz cabreada, comunicó al director que a este actor le faltaba un hervor.

A raíz del film, se publicó un cómic en 3D con 32 páginas en blanco y negro con efectos tridimensionales. La diversión no tiene fin.

Se puede ver detrás del profesor de instituto un cartel que cita “Nuestro descuido, su arma secreta”. Esta propaganda fue real y fue usada durante el periodo de la segunda guerra mundial. Se observan a Hitler y a Tojo en llamas. El mensaje del póster, curiosamente, era el de prevenir los incendios forestales durante la guerra.

También, según dicen, el actor que interpreta brevemente a Frankenstein es Kane Hodder, el eterno actor que encarnó al asesino de Viernes 13. Un abrazo.

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