Quantcast
Channel: Soytutioargail
Viewing all 122 articles
Browse latest View live

ELVIRA, LA DAMA DE LA OSCURIDAD (1988)

$
0
0


Título original: Elvira, Mistress of the Dark. 
Género: Terror, Comedia
Duración: 96 minutos   País: EE.UU.
Dirección: James Signorelli   
Guión: Sam Egan, John Paragon, Cassandra Peterson
Intérpretes: Cassandra Peterson, William Morgan Sheppard, Daniele Greene, Susan Kellerman, Jeff Conaway
Música: James B. Campbell
 A parte de bocadillos de nocilla de medio metro y de útiles leches en formato bolsa, los soñadores ochenteros fuimos alimentados con una filmografía de serie B extensa y de adorable calidad: Cortocircuito, Cocodrilo Dundee, Teen wolf, etc…y por supuesto, la entrañable Elvira, la dama de la oscuridad (1988).


















Elvira es una explosiva presentadora de un programa de horripilantes películas de terror pero un buen día se queda en el paro (algo que nos suena mucho por aquí). A partir de ese momento, su principal anhelo es poder viajar a las Vegas para realizar un espectáculo de variedades, donde su voz y su movimiento “tetil” serán sus dos mejores bazas; pero para financiar dicho festival necesita una cantidad de dinero que no posee. Triste y deprimida por tal adversidad, recibe con sorpresa una carta que cita que ha sido agraciada con parte de una herencia, tras el fallecimiento de su desconocida tía Morgana.


A Elvira la parió Margaret Astor
Uno de los objetos a heredar y el cual se centrará toda la trama de su elaborado guión (¿),  es un libro de recetas (un libro mágico) que causará la pugna entre Elvira y su otro malvado tío, Vincent Talbot. La lectura de este embrujado libro, aparte de invocar fuerzas sobrenaturales y obtener el poder supremo, puede transformar una romántica cena en la aparición de un xenomorfo  asqueroso (un “mostro”) salido de una cacerola; con tal trascendencia personal, que su imagen ha pernoctado en mí desde la primera vez que vi el film, allá en los lejanos 90.

Recién llegado de Fukushima.
La película se podría clasificar entre una mezcla de brujería y comedia juvenil; y con cierta carga de erotismo (veáse escena de derramamiento de hotdog y mostaza). También contiene cierto toque moral y social, ya que la atractiva e imponente Elvira aterriza en un pueblo gobernado por una autoridad moralista cercana a los “Amish”, que  lo único que  permite a sus jóvenes ciudadanos es  emborracharse con “Tang” y  escuchar un cuarteto octogenario de trompetistas en sus alocadas celebraciones. Verídico.

La exuberante "Boobarella" en los Simpsons, inspirada en Elvira

La presencia de Elvira en el pueblito bueno, ataviada con sus ropajes góticos y su escote atemporal,  liberalizará a los reprimidos “teenagers” causando el odio por parte de la "Tea Party" del pueblo. Además también tendrá que lidiar con los dos peligrosos secuaces de su tío, uno con cara de tonto y el otro que es interpretado por el actor Jeff Conaway, amigo de Travolta en Grease, que supongo que le pagarían bien. También, forman parte del reparto los muy vistosos en aquella época, Kurt Fuller (Cazafantasmas 2), Edie MCclurg (Carrie) y Daniel Greene ( Falcon Crest).

  
Elvira, la dama de la oscuridad, está protagonizada por la increíble y pelirroja (?) Cassandra Peterson que en el año de nuestro señor, ya posee sus 61 años pero, no en vano, se la vio en el estreno de Frankeweenie (2012) de su amigo Burton, donde se puede dilucidar lo bien que se comía hace lustros porqué sigue igual de…maja y ha confesado que no ha pasado ni una vez por el quirófano (me lo dijo).
















Anterior al film, Cassandra Peterson, consiguió la fama con el personaje Elvira, presentando el programa “Movie Macabre” (1981-1993); que consistía en la emisión de pelis malas del cine de terror mientras ella se choteaba desde un lujurioso sofá rojo. Hasta en el mismo film se hace referencia a dos escenas de estas películas de culto que emitían en Movie Macabre; como son “Conquistaron el mundo” (1956) y “El ataque de los tomates asesinos” (1978); sí, tomates que buscan venganza, hartos de acabar en sofritos o en Bloody Mary. Más verídico.

Elvira sin peluca
Pero no todo fue un camino de flowers, Elvira fue acusada de plagio por la actriz Maila Nurmi (1922-2008) que encarnaba al personaje Vampira, y que en 1954 hizo historia proclamándose como la primera presentadora de películas de terror de la TV; pero por fortuna, el juez desestimó la demanda y se decantó a favor de las súplicas del pueblo masculino y heterosexual, dejando que Elvira se luciera tal y como quisiera (y como nosotros también 
queríamos).


Allá en USA, el personaje de Elvira fue un fenómeno social tremendo y no tardaron en aprovechar el tirón y crear todo tipo de “Merchandising”. Muñecas, disfraces sugerentes (dejo enlace por si alguien quiere reavivar la llama) aquí, ¡un pinball¡, un par de videojuegos RPG (divisados en sus años en la enorme revista “Micromanía”) Elvira: Mistress of the Dark, Elvira: The Jaws of Cerberus,



El único Pinball que ofrecía dos bolas más de diversión..

y por último, varios recopilatorios musicales como “Haunted Hits” o “Monster Hits”; que aparte de sus hilarantes hits cantados por la misma Elvira, incluían cantantes de la talla de Alice Cooper, la banda sonora de la familia Addams o atención, un rap perpetrado por Will Smith y su colega Jazz mezclado con la banda sonora de Pesadilla en Elm Street "A nightmare on my street". Atroz.


Elvira: !Este trabajo me hace menos falta que un espejo a un leproso¡




Spartacus: Venganza

$
0
0

En plena vorágine de éxitos como Walking Dead, American Horror Story, Juego de Tronos, Dexter, etc, etc  existe Spartacus; ya por su tercera temporada y quizá no de tan renombre como las anteriores, pero afirmo que es una "seriaca" de aquellas que no se olvidan. Aún así, hay que reconocer que es una serie predestinada para un público especial y exageradamente "testosterónico", dada su violencia explícita y sus sugerentes escenas de sexo erótico-festivo. 

Y es que esta tercera temporada tenía dos tareas bastante complicadas. La primera era hacer una temporada potente sabiendo que Spartacus ya corría libre por los verdes prados de Capua y no se podía abusar de las atractivas peleas entre gladiadores, cosa que todos sabemos que conlleva un gran poder de persuasión. Y la segunda, la inclusión del nuevo actor protagonista (que conocerán en su casa), Lyam Mcintyre, en sustitución del fallecido actor, Andy Whitfield, que encarnaba a Spartacus en la primera temporada.


Teniendo en cuenta todos estos pequeños obstáculos del destino; esta temporada ha satisfecho todas mis necesidades primarias, provocando en mi ser, la dedicación de un vídeo homenaje. A colación incluyo gratuitamente el vídeo de la primera temporada
. Advertir que se "spoilea" un poquitín y que hay escenas pasadas de rosca, pero la vida son dos días y tenemos prisa. 





Las aventuras de Ford Fairlane (1990)

$
0
0

Director:Renny Harlin( Máximo Riesgo, Die Hard 2)
Productor: El gran Joel Silver (Arma Letal, Depredador, Matrix).
Reparto:
Wayne Newton. Cantante y magnate de "Las Vegas", apodado "Sr Las Vegas".
Descendiente de Pocahontas y fan del "Votox".
Priscilla Presley(Agárralo como puedas).
Robert Englund(Nuestro Freddy Krueguer).
Ed O'Neill(Matrimonio con hijos, Modern family)
Lauren Holly(Serie NCIS,exmujer de Jim Carrey)
Gilbert Gottfried(Este chico es un demonio) . 
Morris Day. (Cantante y clon de Prince).
Un Koala.                                                                                                  
                                                                             
























Ford Fairlane (Andrew Dice Clay), aparte de ser un coche emblemático de los años 60, es también el nombre de nuestro ilustre detective Rockanrolero.Y en los Ángeles, Ford, imparte justicia en los casos más importantes de la industria de la música. También tiene derecho a entrar en los mejores clubs, en los mejores camerinos y en las mejores chicas pero está hastiado de que le paguen sus casos con regalos y no con dinero. Sin ir más lejos, el grupo INXS, agradeció la resolución de su caso obsequiando a Ford con un bonito koala.

Sin embargo, el mundo de la música se estremece con la muerte en directo del cantante Bobby Black (Vince Neil), vocal del grupo de rock "La Peste Negra". En un principio, Ford Fairlane se desentiende del asunto bebiendo batidos de "Sambuca" y acostándose con un par de gemelas. Pero en ese momento Ford recibe la llamada de un antiguo colega, ahora famoso y odiado locutor de radio, Johnny Crunch (Gilbert Gottfried), que cada noche despierta a sus oyentes con su "Ganó el guarro con qué guarro". El comentarista encarga a Ford que busque a su hija, que se hace llamar con el ridículo nombre de "Zuzú pétalos" y Ford, que por fin, verá dinero en efectivo, acepta el caso.

Pero Ford al salir del estudio, escucha por su transistor como Johnny Crunch es asesinado en antena; y antes de que llegue la policía, vuelve a la emisora para hacerse con una importante pista, un nombre... Art Mooney.

Al día siguiente, recibe la visita de la adinerada Collen (Priscilla Presley) que  recurre a los bienhallados servicios de Ford para que investigue sobre el paradero de su hermana pequeña; que ni más ni menos se trata de la ya nombrada "Zuzú pétalos".

En ese mismo momento, Ford, se halla dentro de una enrevesada trama de coincidencias (o serendipias), asesinatos y mucho rock and roll, donde solo podrá confiar en su atractiva secretaria Jazz (Lauren Holly), en su amigo productor de discos Don Cleveland (Morris Day) y en su mascota, un simpático Koala. En sus intrépidas aventuras se las verá con verdaderos indeseables, como el "milloneti" productor Julien Grendel (Wayne Newton), el mercenario Smiley (Robert Englund) y hasta con el mismísimo creador del aclamado single "Booty Time", el Teniente Amos (Ed O'Neill).


"Clint Eastwood, ahí lo llevas, uoooooooooooooh!"

Peli:

Curioso el caso de esta cinta que arreó un "jóstion" al cinéfilo más purista y en detrimento de toda la crítica hostil que recibió el film, no tardó en ser considerada película de culto. Y todo gracias  al doblaje perpetrado por el inefable Pablo Carbonell. Sí, aquel líder cantautor del grupo "Los Toreros Muertos, también jaranero reportero del programa CQC, y actualmente se halla interpretando a un médico en la interminable serie Hospital Central. 

Caprichoso el destino hizo que coincidiera el estreno de la película con una huelga de actores de doblaje en toda la península. Pero tal aprieto no fue problema para el director de doblaje, Ramiro de Maeztu, que no tardó en aprovechar la inexperiencia de Carbonell y el carisma del personaje del film "Ford Fairlane", para improvisar chascarrillos que quedaron grabados a fuego en la juventud de aquella época. Algo increíble,ble.




Las aventuras de Ford Fairlane consiguió tres premios Razzie de los séis galardones a los que optaba: Peor película (premio compartido), Peor actor (Dice Clay) y peor guión. Y es que 1990 fue un año muy disputado en doctrina Razzie, ya que se contaba con las estupendas Rocky V, los Fantasmas no pueden hacerlo de Bo Derek y la pobrecita Sofia Coppola que acaparó todos los "flashes" por su actuación en el Padrino III.

Pero curioso también es... que de todas las premiadas a peor película de los Razzies;  "Las aventuras de Ford Fairlane" es la segunda con mejor nota en la web Filmaffinity (un 6) solamente superada por el film "Resplandor en la oscuridad"(1992) de M.Douglas y M. Griffith (6,2). 
Más jocoso es, que en la web "Rotten Tomatoes", el porcentaje de valoración de los críticos eunucos es del 26 % pero la audiencia mundana le casca un 65% en la misma web. He aquí la divertida disyuntiva de siempre.

En España, su estreno pasó sin pena ni gloria ya que su protagonista no le conocía ni el tato, pero gracias al boca a boca, a las emisiones de la película en el antiguo y codificado canal + (menos codificado en los films X, eso todos lo sabemos), y la facilidad de realizar copias piratas en VHS; Las Aventuras de Ford Fairlane se convirtió en todo un blockbuster de cualquier videoclub de barrio.
Y no solo en España nos gustaron estas tonterías, en países como Hungría y Noruega pasó exactamente lo mismo.
En USA recaudó unos míseros 21 millones pero ya comentó su protagonista, Andrew Dice Clay, en una entrevista, que la primera semana de su estreno la recaudación fue muy alta pero gracias a las presiones de los grupos conservadores retiraron la película antes de que empezaran los créditos.


"Menosmola" "Eso es lo que pienso yo de ti" "No, tú eres un menosmola"
Prota:

Andrew Dice Clay esFord Fairlane y fue un famoso monologuista de la Stand-up comedy americana (comedia en vivo) en la década de los 80. Sí, como el rollo ese del club de la comedia pero sin Eva Hache.

Su carrera fue meteórica, tanto para lo bueno como para lo malo. Andrew Dice Clay llegó a ser el único cómico en llenar dos veces el Madison Square Garden, consiguió discos de platino y protagonizó varias películas (malas a rabiar pero las protagonizaba). Pero tras unos graciosos escándalos tuvo que refugiarse en el ostracismo absoluto, sazonado con varios intentos públicos de resurrección con el típico "yo no soy así, es el personaje".

Y es que este Rocky de la comedia, como se nombra él, se caracterizaba en sus actuaciones por incluir frases machistas, homófobas e insultaba al público, y hasta llegó a mofarse de los sordos (?). Todo un personaje pero esto no es lo mejor.

En 1989, la MTV lo vetó de por vida por hacer un monologo pasado de rosca, llamado "canciones infantiles para adultos" en la ceremonia anual de los "Music Video Awards". En la misma película el personaje hace referencia sobre este episodio de su vida. Solo 21 años más tarde, la MTV levantó la prohibición.
No deja de ser curioso como la MTV no tolera este tipo de monólogos pero no tiene ningún problema en invitar, en 1991 y en los mismos premios, al comediante Pee-Wee Herman que meses antes había sido detenido por masturbarse en público en un cine para adultos. Usa is different.

En 1990, el amigo Dice Clay fue invitado como anfitrión en el programa de humor, Saturday Night Live y Nora Dunn, miembro del reparto habitual, se negó en rotundo a aparecer en el programa si Dice Clay asomaba su tupé por el estudio. Es más! la estrella invitada para esa gala era la cantante y rompe-fotos del Papa, Sinead O' Connor, que también se negó a aparecer en el programa si el comediante se dejaba ver.

En Facebook, es fan de Intereconomía.

También lió una gorda en una entrevista en el 2006, en la CNN, cuando el estirado presentador de turno insinuó a Dice Clay,  que si dado a su poco éxito de aquel momento, se ganaba las habichuelas regentando un gimnasio según unos rumores. Dice Clay se levantó del programa esputando todas la desinencias del verbo "to fuck". He aquí.

También hay que recordar que este tío posee uno de los monólogos más importantes de la historia registrado en el álbum "The Day the Laughter Died" donde se tiró casi hora y media improvisando en un club, propiedad del comediante Rodney Dangerfield, visto en el celuloide interpretando al desagradable padre de Mallory en Asesinos Natos (1994) de O.Stone.

Aún así y aunque los años le hayan hurtado su flamante tupé, Andrew Dice Clay, sigue en activo. Llegó a realizar su propio reality llamado "Dice: Undisputed" (2007) de solo siete episodios y no hace mucho, participó en el Reality de Donald Trump; que como imaginabáis, fue echado en la primera gala.

Pero lo más sorprendente es que Woody Allen ha fichado a Andrew Dice Clay para su próxima película, compartiendo reparto con "Mi Galadriel" Cate Blanchett, Bradley Cooper y Alec Baldwin. Para mear y no echar gota, pero sí diesel.





Curiosidades:

David Fincher, firmante de la espléndida Seven, rodó el videoclip de Billy Idol "Cradle of Love"; canción que forma parte de la banda sonora de la película de las "Aventuras de Ford Fairlane". En un principio, el videoclip contenía escenas del film en cuestión, pero como la MTV vetó a Andrew Dice Clay se tuvo que realizar una versión alternativa del mismo videoclip que justamente fue ganador del premio "Mejor vídeo musical de una película" de aquel año.
Más tarde y lo meto a colación, por órdenes de las productoras, David Fincher reemplazó a Renny Harlin para dirigir Alien 3. El director de "Máximo Riesgo"relató sus penurias sobre este tema no hará mucho.

Ford Fairlane fue creado originalmente por el periodista Rex Weiner, que ilustraba las historias de Ford a través de tiras cómicas incluidas en los periódicos New York Rocker y LA Weekly por allá, en los amados años ochenta.
Actualmente, el mismo Red Weiner en su página o blog, vende por 15 dólares un recopilatorio de todas estas historias de nuestro detective rockanrollero.

Aquí están regristradas las mejores frases del film. Mejores frases Ford Fairlane

En la versión americana, la primera escena en la que se encuentran Priscilla Presley y Ford, nuestro detective se dirige a su miembro como Stanley y no Decker, de Black & Decker de la Spanish version. Pero lo más curioso es que en la versión original y en la misma escena, el detective hace referencia a Roseanne Barr desnuda (serie Roseanne) para provocar su deserección y no a Margaret Tatcher como se escucha en la versión castellana. Supongo que la figura de Margaret Tatcher desnuda era más cercana a nosotros por aquella época. 

El actor que interpreta al acosador de las Pussycat y que es detenido por Ford Fairlane con su célebre "Tanto gilipollas y tan pocas balas", es el actor David Patrick Kelly; que interpretó aquel personaje de la película Commando (1985), protagonizada por Schwarzenegger, el cual prometió matar el último. Promesa que no llegó a cumplir al dejarlo caer desde un terraplén.

El cantante que interpreta al malogrado Bobby Black en el film, es Vince Neil, vocal del famoso grupo Heavy "Mötley Crüe". Seguro que si argumento que el batería de dicho grupo fue el mítico Tommy Lee y que grabó unos vídeos guarros con Pamela Anderson en un yate, lo enlazaréis mejor.

Según mis arduas investigaciones, los batidos de Sambuca que toma el personaje están compuestos por la misma sambuca (licor fuerte italiano), Kahlúa (licor de café), leche, ron y vodka. Todo esto flambeado y ya se puede "beberciar".

Ford está enamorado de su guitarra fender stratocaster del 62, con pastillas originales, mástil de arce, encordada al revés para una bestia parda zurda como Jimmy Hendrix. En la banda sonora del film, Richi Sambora, guitarrista de Bon Jovi, realiza su versión de "The Wind Cries Mary", tema de culto del virtuoso Hendrix.

Pista clave de la película es Art Mooney que fue un famoso cantante de los años 50, de estilo musical inclasificable, que posee su propia estrella en el paseo de la fama de Hollywood.

Ford Fairlane en el film,  se marca una "versionaca" del hit "I aint Got You", canción creada por el que conocen en su casa, "Clarence Carter" y relanzada magistralmente por los "Blues Brothers".

El nombre del personaje, Zuzú pétalos, es un homenaje a la escena en que el personaje Zuzú de la película !Qué bello es vivir¡ (1946) regala unos pétalos de flor a su padre.

A raíz del film, DC Cómics (editorial de los cómics de Batman, Superman entre otros) sacó cuatro números dedicados al personaje.



Película cutre pero con encanto, que para mí ya vale la pena. Feliz año!


Tributo "Las Aventuras de Ford Fairlane" - Mejores Frases from Soytutioargail on Vimeo.

Una pandilla alucinante (1987)

$
0
0

Título: Una pandilla alucinante (1987)

Título original: The Monster Squad

Director:Fred Dekker

Productores: Jonathan A. Zimbert, Keith Barish, Rob Cohen, Peter Hyams, Neil A. Machlis.

Guión: Shane Black, Fred Dekker

Reparto: Andre Gower, Duncan Regehr, Tom Noonan, Ryan Lambert, Stephen Macht, Leonardo Cimino, Jon Gries, Mary Ellen Trainor, Robby Kiger, Jack Gwillim, Stan Shaw, Michael Faustino, Brent Chalem.

Música: Bruce Broughton.





SABES A QUIÉN LLAMAR CUANDO TIENES FANTASMAS PERO... ¿A QUIÉN TIENES QUE LLAMAR CUANDO HAY MONSTRUOS?

Cada cien años, el equilibrio entre el bien y el mal puede verse alterado a causa del estado de vulnerabilidad que adquiere un mágico talismán.
En un tiempo muy lejano, Van Helsing, todo el pueblo de Transilvania y una virgen (¿)... que debía recitar unos oportunos versos…  se apoderaron de dicho amuleto evitando que cayera en manos del malévolo Conde Drácula y así,  librar a la humanidad de un reino de penumbras y tinieblas.
Pero un siglo más tarde, Drácula resurge de sus cenizas y recluta a sus estrafalarios esbirros: Frankenstein, el hombre lobo, la momia y "Gill-man" (el monstruo de la laguna) para intentar otra vez apoderarse de dicho talismán.

Como Van Helsing es perecedero; sólo unos preadolescentes fanáticos de los monstruos y del mundo del terror podrán hacer frente a las intenciones del malvado vampiro. Ellos se hacen llamar "la pandilla del monstruo" y su sede está ubicada en la casa de un árbol, donde discuten airadamente de la actualidad terrorífica y debaten temas tan relevantes como porqué el hombre lobo tiene que llevar pantalones si no se sabe si tiene genitales. (Veáse Wolfman de 1941, ataviado con pantalón de pana y camisa). 
Pero sus chabacanas reuniones pasarán a ser asuntos de mayor calibre cuando el caprichoso azar ponga en manos de la pandilla el último diario de Van Helsing, y disipen sus dudas con pequeños detalles como por ejemplo; el que una momia se escape de un museo o un hombre muerto a balazos resucite en luna llena.



Peli:

En el 2012, se cumplió el 25 aniversario de esta entrañable película y para tal celebración, se lanzó en EEUU un flamante blu-ray con extensos extras y que aquí en España ni vamos a oler, al menos por ahora. Y es que en el país yanqui, que todo lo tienen, sólo una organizada horda de freaks pudo convencer a la productora Viacom para que liberalizara los derechos y saliera al mercado la versión DVD, distribuida por Lionsgate. Sólo tuvieron que esperar 20 años después del estreno y todo gracias al antiguo y llamado correo ordinario por saturación.  En nuestras tierras, corre este DVD desde el 2010, con treinta minutos de extras y que solo podremos encontrar  en lúgubres trastiendas muy al estilo donde se localizó a Gizmo por primera vez.

La película se estrenó en agosto del 1987, costó 12 millones y recaudó 4 millones en todo el mundo, o sea que fue una verdadera castaña pero esta poca acogida se debió mayoritariamente a la clasificación de la cinta, sobretodo en EEUU, que se orientó a mayores de 13 años. Un film de niños y  de monstruos  no recomendada para menores de 13 años es un suicidio económico y todo por escenas como la aparición de un adolescente fumando y manufacturando balas de plata, un hombre lobo desmembrado por una explosión, niños de 12 años que debaten sobre vírgenes y sobre si su profesor es marica o mi preferida, Drácula le dice a una niña de 5 años, que le dé el amuleto ¡bitch!. Como se puede observar es menos ñoña que la excelente Goonies (1985). 

Aún así, tendrían que haber valorado la escena de amistad entre Frankenstein y la niña pequeña (Phoebe) que acaban fraternizando en los aledaños de un lago. Escena idéntica a la version original de Frankenstein, la del año 1931, con el único cambio que en esta película la niña fallece ahogada al ser arrojada a la charca por el monstruo, seguramente pensó  que ésta se alimentaba de plancton.



Y si los Goonies tenían un tema musical con Cindy Lauper "The Goonies 'R' Good Enough", ¿Por qué no iba a tener una canción molona la pandilla del monstruo?
Y ahí está la nada desdeñable “Rock Until You Drop” de Michael Sembello, aquel cantante que lo petó con la canción “Maniac” de Flashdance
También hay que añadir que  la banda sonora de “la Pandilla Alucinante” va a cargo del muy válido Bruce Broughton, que fue nominado a los Óscars por la partitura de Silverado (1985) pero que al final se lo llevó John Barry por Memorias de África.

En estos momentos hay rumores que Rob Cohen (A todo gas) productor de este film, tiene horribles intenciones de realizar un remake junto a Michael Bay (Transformers). A mi ver, dos de los directores idóneos que escogería para hacer una película de este tipo (¿). Dolor.

Ficha técnica:

El firmante de esta maravillosa obra es el defenestrado Fred Dekker, escritor de episodios de las series "Star Trek: Enterprise" e "Historias de la Cripta", y realizador de la entretenida “Terror llama su puerta (1986) pero tuvo que huir literalmente del celuloide después de rodar “Robocop 3”. Sólo le faltó incluir pezones al traje de Robocop, tal y como hizo Joel Schumacher con su Batman.

Dekker, completó “la Pandilla Alucinante” rodeándose de famosos directores, pero esta vez en calidad de productores, como Rob Cohen (A todo gas) y Peter Hyams ( Timecop) y también contó con uno de los guionistas mejor pagados de Hollywood, Shane Black, autor de los libretos de Arma Letal, aunque yo le cogí mucho cariño cuando interpretó a Hawkins en Depredador. 



Después de la película, muchos de los actores, sobretodo el grupo formado por los niños, dejaron la interpretación y se dedicaron a la música o a producir. Los únicos actores destacables que siguieron en el mundillo del celuloide fueron Leonardo Cimino que interpreta al alemán que ayuda a la pandilla, y es visto en Waterworld (1995)  Y “Antes que el diablo sepa que has muerto”(2007),  después Tom Noonan que actúa de Frankenstein e interpretó al malo del hacha llamado The ripper, en la película “El último gran héroe” (1993) y por último Jon Gries, que en el film se pone en la piel del hombre lobo y es visto en la serie “Lost” como padre del personaje Benjamin Linus. 

Y no sin cachondeo, por aquello de las comparaciones entre “La Pandilla Alucinante” y “los Goonies”, destacar a la actriz Mary Ellen Trainor que interpreta a la madre del líder de la pandilla en este film y tres años antes repitió el mismo rol  interpretando a la madre de Sean Astin y Josh Brolin en Los Goonies.  Madre no hay más que dos.



El origen de la pandilla del monstruo:

El realizador Fred Dekker se inspiró en una serie en blanco y negro y muda, llamada “La Pandilla” (1922-1944) que trataba de unos niños de clase baja y de sus intrépidas aventuras. Una de las razones por la cual se hizo famosa en aquella época fue por tratar de manera igualitaria a niños de raza blanca y negra. Así era la cosa. Después con los cambios de distribuidora y el paso del tiempo, se tituló “The Little Rascals” ya con sonido. Aquí en Spain, esta serie se llegó a emitir dentro del programa La bola de cristal presentado por nuestra siliconada Alaska.


Dekker se preguntó porqué no juntar a una pandilla de niños, como los chavales de la serie, con los Monstruos más emblemáticos de los estudios Universal. Y se inspiró en el film Abbott & Costello meet Frankenstein (1948) que en tono de comedia reunía a Drácula, al Hombre lobo, Frankenstein y al hombre invisible que fue doblado por el mítico Vincent Price. En esta película aparecían los actores originales de las pelis de terror de los 40 como Bela Lugosi (Drácula), Lon Chaney (Wolfman) o Glenn Strange (Frankenstein) y aquello fue como un Scary Movie de nuestra época.



Los Monstruos de la universal y efectos especiales:

Cuando el director, Fred Dekker, fue a pedir a los estudios Universal los permisos necesarios para poder utilizar estos  monstruos en su película, como se dice por aquí, le hicieron la “butifarra” y le negaron los derechos de imagen. Era tal la exageración con este tema, que en la escena la cual Frankenstein es resucitado, el reparto se vio obligado a situar los electrodos en la frente de Frankenstein y no en el cuello tal y como sucedía en la película de la Universal.




Dekker necesitaba personal que diseñara los monstruos sin que lo llevaran a juicio y la suerte le sonrió. Para tal cometido contó con el fallecido Stan Winston, un genio de los efectos especiales y maquillaje, con cuatro óscars en su haber por películas como Terminator o Parque Jurásico y creador de obras como las manos de 'Eduardo Manostijeras', la máscara de pingüino de Danny DeVito o la gigantesca reina Alien en la peli de Cameron.

Gracias a Stan Winston y a Richard Endlund en los efectos visuales, hombre importante en la creación de los efectos de la trilogía Star Wars, se consiguieron unos resultados muy lúcidos para aquella época.
También el director se rodeó con el heredero del legado de Stan, un tal Tom Woodruff, Jr, que realizó el maquillaje de Frankenstein e interpretó al monstruo del lago (Gill-man). Y explicaba que en una de las escenas finales del film, la cual pelea contra unos policías, al no ver ni torta dentro del traje, de un golpe clavó la hebilla del sombrero en la cabeza de uno de los policías, provocándole dos graciosos chorrillos de sangre que emanaban a presión.



Curiosidades:

Dustin Diamond, el famoso Screech de Salvados por la campana, tuvo un pequeño papel pero fue retirado del film. Ahora creo que Dustin se dedica a grabar vídeos caseros practicando sexo.

En la anterior película del director Fred Dekker, “el terror llama a su puerta (1985)”, hay una escena en que se puede ver escrito en la pared de un WC “Go Monster Squad” como presagio a la realización de este film.

El Drácula de este film porta el mismo anillo que llevaba el actor Bela Lugosi cuando interpretó su versión del vampiro en el 1931.

El líder de la pandilla, al principio del film, viste con una camiseta roja donde se puede leer “Stephen King Rules”.


La foto que se enseña para chantajear a la chica para que colabore con la pandilla y que se supone que la habían fotografiado en paños menores, si nos fijamos bien, lo que aparece es una mujer vestida con una camisa negra junto a una piscina. 

La productora obligó al director a cortar trece minutos del film, ya que no querían que durara el film más de hora y media. Estas escenas se pueden encontrar en Youtube, aunque no aportan mucho.

Liam Neeson fue pagado por una escena que nunca se filmó. Es más, fue la primera opción para interpretar a Drácula.

El grito de Ashley (la niña de cinco de años) en la secuencia final cuando Drácula abre los ojos es real.

El niño protagonista le pide a su padre dinero para ver el estreno de Viernes 13 parte 12. Todo era una broma ya que en el estreno de la “Pandilla Alucinante” solo se habían rodado seis películas de Viernes 13. Eso sí, no iban mal desencaminados ya que en 2009 se llegó a la parte 12 dirigida por Marcus Nispel.

En 2006, la revista “Wizards”, en su lista de mejores villanos, colocó en la posición número 30 al actor Duncan Regehr por su interpretación de Drácula en este film. Algo que me parece exagerado. En la posición 29 estaba el T-1000 de Terminator 2. 

En el film, la madre del protagonista, le deja una nota a su hijo indicándole que ha llamado Drácula para preguntarle sobre el diario de Van Halen, sí, como el grupo musical cuando lógicamente el nombre a apuntar era Van Helsing.

La escena en la que Drácula agarra a la pobre de niña del cuello y le esputa en la versión original que le devuelva el amuleto ¡Bitch!, en la versión castellana, como era de prever se sustituyó por  una suave “maldita”.

Hace un cameo el actor Jason Hervey que interpreta al gamberro que le hace la vida imposible a nuestro adorable gordito, Horace. Este Jason Hervey, interpretaba al violento hermano de Kevin en la serie “Aquellos maravillosos años”.

Aparece bastante publicidad subliminal: Sólo beben Pepsi, Rudy fuma Marlboro, las tres vampiras se pasean delante de un Burger King, Adidas, chocolatinas Snickers y Ricoh, marca de cámaras de fotos.

En el principio del film, aparecen armadillos rodeando el sarcófago de Drácula en homenaje a la versión del vampiro de Todd Browning del 1931 donde aparecía el mismo animal.

En la caja, donde se halla a Frankenstein, se puede leer “Bavaria” que es el estado de Alemania donde nació esta criatura, según la novela de  Mary Shelley.

Cuenta Tom Noonan, el actor que interpretó a Frankenstein, que tenían 23 máscaras para 24 días y que el último día se fue a dormir con el maquillaje y la máscara. Al día siguiente, al retirarla le arrancaron trozos de piel de las mejillas y le aparecieron dos ampollas de consideración.

En la casa del árbol, aparecen muchas referencias de los monstruos de la Universal: fotos, muñecos, etc pero destaca el póster de la película The Being”(1983), el Ser, película de terror que trata de un monstruo mutado por la radioactividad que hace de las suyas. También, unos segundos antes de que explote la casa del árbol, se puede observar un ejemplar de la mítica revista “Monsters”.

En 2008, la academia de cine de ciencia ficción, fantasía y terror premió al film la “Pandilla alucinante” en sus premios “Saturn Awards” como el mejor clásico en DVD. También en el 1988, en Bruselas, todo su reparto infantil obtuvo el premio en los “Young Artist Awards”.  

En una de las escenas emblemáticas del film,  cuando Horace y Sean se encuentran con el hombre lobo, en la spanish versión, se preguntan si tiene pelotas pero en la versión original se escucha Got Nards!. Si tiene nardos (¿).

El actor Brent Chalem, que interpretaba a nuestro bonachón entrado en carnes, Horace, murió de pulmonía con sólo 22 años. También el actor, Leonard Cimino, que interpretaba al alemán que ayudaba a la pandilla, falleció en el 2012.

El origen de los Simpsons

$
0
0

Verborrea barata:



Los Simpsons es un fenómeno televisivo sin precedentes tanto por su calidad como por su longevidad (llegarán hasta la temporada 25, por ahora...).

La serie se ha emitido sin descanso desde hace más de 20 años y por supuesto, el canal Antena 3 ha tenido mucha culpa de ello. En España, el “prime time” empieza a partir de las 22 horas pero la hora del mediodía, al cogernos con la guardia baja, es una franja horaria de fácil acceso a nuestra atención.  Quién no recuerda series como Friends,Cosas de Casa, “Los gatos samuráis” (¿), el Príncipe de Bel Air o hasta la visible Sabrina: la bruja adolescente, todas emitidas en ese subliminal horario.

Aún recuerdo la emisión de los primeros capítulos de Los Simpsons, allá por el año de nuestro señor 1991; que si no fallo, se televisaban en horario nocturno y antes (o después) de la serie Aquellos maravillosos años, famosa por tener uno de los bulos más cachondos de internet con el cantante Marilyn Manson. Eso sí, la serie se inauguró por la rara segunda cadena de televisión española; sí, ese canal viral conocido por sus interesantes documentales de naturaleza que sospechosamente todo el mundo veía.



Indudablemente esta amarilla familia ha participado de forma activa en nuestra educación y por ello, siempre ha despertado demasiadas preguntas sobre su origen; el cómo surgió la idea, quiénes fueron sus creadores, cómo transformaron la serie a partir de la doceava temporada en una auténtica boñiga de vaca….todas esas dudas siempre me han corroído.

The beggining:

Matt Groening, David Silverman y James L. Brooks
El origen de los Simpsons, como en todos los grandes descubrimientos, fue un suceso de acontecimientos y casualidades que permitió, según la revista Time, crear la mejor serie de televisión del siglo XX.

Esta historia comienza con la aparición del director y productor James L. Brooks, ganador de cinco Óscars en el 1983 por el film “La Fuerza del Cariño”. No confundir (como yo he hecho) con la serie de TV “A fuerza de cariño” la cual el nombre de su protagonista “Corky” se puso muy de moda en aquella época como forma de expresión peyorativa.

A James L. Brooks le llegaron unas cintas de la actriz inglesa Tracey Ullman que triunfaba como bailarina, cantante y comediante en Inglaterra. Brooks impresionado, contrató a esta señora para que presentara por la Fox un programa de variedades, formado por sketches y actuaciones musicales, llamado con el original nombre de Tracey Ullman Show (1987-1990).



Pero un día James L. Brooks decidió que quería incluir unos pequeños cortos animados, llamados “bumpers”, que se emitirían antes y después de los cortes comerciales. Y en ese mismo momento y con un desconocimiento absoluto, se colocó la primera piedra de la serie Los Simpsons

Por otro lado brota un segundo personaje, quizás el más relevante, el dibujante Matt Groening que se trasladó de su ciudad natal Portland a la poblada Los Ángeles para forjarse un futuro. Pero no le cautivaron mucho las reglas que siempre impone una gran ciudad y desahogó su frustración dibujando unos cómics llamados “Life in Hell” (1978) que ilustraban sus malas experiencias en la gran urbe mediante pequeñas historietas de unos conejos antropomórficos.

Matt realizó fotocopias de estas tiras cómicas y las distribuyó entre sus allegados. También puso a la venta estos dibujos en la tienda de discos donde trabajaba; y tal fue la repercusión de su cutre distribución que la revista “Wet Magazine” compró sus dibujos. Actualmente, la tiras de “Life in Hell” se han llegado a publicar en 250 periódicos semanales. Más tarde y como curiosidad, Groening trabajó en una campaña publicitaria para Apple (Iphone, Ipad, Ipod, Idiot...) donde sus conejos del cómic "Life in Hell" eran la imagen principal de estos anuncios.



Es más, en varios capítulos de la serie Los Simpsons se hace homenaje a estos personificados conejos de Matt Groening. Quizás la escena que más recuerde es aquella cuando la profesora “Carapapel” pone un vídeo a su clase donde estos conejos llegan a la pubertad y se reproducen. En el momento del acto de cópula, la profesora comunica a los niños que ella (la mamá coneja) está fingiendo. 



Posteriormente, el cómic Life in Hell se publicó en formato libro y uno de los personajes tapados sobre el origen de los Simpsons fue la guionista y amiga de James L. Brooks, la fallecida Polly Platt, que obsequió a Brooks con este libro, originando el primer contacto entre Brooks-Groening, creadores de la serie.


A Brooks le encantó tanto el libro que contactó con Groening para pedirle que creara historias de su famoso cómic “Life in Hell” para transformarlos en cortos de animación e incluirlos en el programa Tracey Ullman Show. Pero cuando Groening llegó a los estudios de Brooks, temió que el hecho de que su querido cómic “conejil” fuera emitido en TV causara la pérdida de los derechos de publicación, en lo que hasta el momento era la obra de su vida. Y ese miedo hizo que en el mismo vestíbulo del productor Brooks, Groening improvisara el primer esbozo de Homer, Marge, Bart, Lisa y Maggie y convenciera al productor de este cambio de personajes. 



Matt Groening utilizó los nombres de su familia para llamar a la familia Simpsons. Todos menos Bart, que para  no ponerse él mismo (Matt), utilizó un anagrama de Brat que significa gamberro o mocoso en “inglis”. Como curiosidad, Groening tiene una hermana que se llama Patty y su abuelo se llamaba Abraham, aunque este último nombre se adjudicó al abuelo Simpson por casualidad.

Y así nacieron los Simpsons. Se emitieron 48 cortos de un minuto en el Show de Tracey Ullman durante tres temporadas. Las diferencias con la serie original son bastante visibles por ejemplo Bart llama papá a Homer, Lisa era más un estilo Bart (iba en monopatín, participaba en concursos de eructos…) y Homer era muchísimo más inteligente. 

Como curiosidad en estos cortos; a Homer, su poco pelo mostraba una M (Matt) y  la forma de su oreja formaba una G (Groening). También Groening dibujó el cabello de Marge inspirándose en el film “La novia de Frankenstein”.

Producción:


Para dar vida a los dibujos de Groening, Brooks contrató un pequeño estudio llamado Klasky-Csupo que la “lió parda” con el primer episodio de 30 minutos de los Simpsons y que inauguraba la serie, pero como contrapartida esta empresa ofrecía un precio muy rentable (un “2x1” en materia de animación de los dibujos y de darles color). Con esto no quiero insinuar que fueran malos ya que estuvieron trabajando en la serie durante tres temporadas y también realizaron la animación de la simpática serie “Rugrats” (A quatre grapes Tv3), aquella de los bebés.

En estos estudios, se hallaban cuatro personajes clave: David Silverman, Wes Archer y Bill Kopp. Sobretodo destacar la figura del primero, Silverman, que realizó los primeros capítulos de los Simpsons (y muchos más) y fue el director de la película The Simpsons Movie (2007).También fue uno de los firmantes de la entretenida Monstruos, SA.

¿No eran cuatro? La cuarta persona clave de la producción fue el dibujante Gyórgyi Peluce que fue el responsable de dar ese tono amarillo a la familia Simpsons como si sufrieran  algún fallo hepático.  A muchos de los productores no les gustó el color empleado por Gyórgyi pero a su creador, Groening, le encantó ya que afirmaba que intentar dar color a personajes animados como si fueran humanos era algo monstruoso. También y como anécdota, en el capítulo “La Odisea de Homer”  al dibujante Gyórgyi se le fue la mano con el "Carioca" y sin darle tiempo a rectificar se observa como el color de piel del personaje Waylon Smithers era más similar al de Eddy Murphy.

También existía un rumor que indicaba que el primer esbozo que realizó Groening fue encima de un “Post-it” y de ahí el origen del característico tono ocre de Los Simpsons.




El tercero en discordia:

Acompañando a James L. Brooks y a Matt Groening aparece otro personaje escondido y no menos importante, principalmente por ser el responsable del desarrollo emotivo de los personajes, que es el envidiado Sam Simon.¿Envidiado por ser uno de los ideólogos de la serie de animación más grande jamás hecha? No. Por haberse casado con Jennifer Tilly (La novia de Chucky). 

Sam Simon diseñó los modelos de varios personajes: Sr. Burns, Dr. Hibbert, Jefe Wiggum pero su mala relación con Matt Groening hizo que abandonara la serie en 1993. Para que se vea como estaba la cosa, en 2001, Groening describió a Simon como "brillantemente divertido y uno de los más inteligentes  escritores que he trabajado, aunque desagradable y desequilibrado mentalmente”.


Groening, Brooks y Simon
Brad Bird (Los Increíbles, Ratatouille) que trabajó en los estudios Klasky-Csupo desarrollando la serie, dijo de Sam Simon fue el autor no reconocido de los Simpsons.

La Fox:


Los cortos fueron estrenados en abril de 1987 y terminaron en mayo de 1989, donde ese mismo año dejaron de emitirse en el show de Tracey Ullman y pasaron a ser los episodios de 30 minutos que todos conocemos.

La Fox se la jugó e invirtió 10 millones de dólares para realizar la primera temporada de Los Simpsons y emitirla en “prime time”; pero de antemano ya se sabía que la animación estaba muerta y que después de los Picapiedra nada más tuvo éxito. También James L. Brooks negoció una clausula con la Fox que impedía que ésta interfiriese en el contenido de la serie. Ya se sabe que la Fox siempre ha tirado para el lado republicano y su conservadurismo podía ser muy “tocapelotas” en los guiones de la serie. 

Para rematar, en 1992 la olvidada actriz Tracey Ullman en un acto de máxima codicia (o de inteligente oportunidad) interpuso una denuncia a la Fox para “pillar cacho” en las ganancias que estaban proporcionando la serie “Los Simpsons”. Ya que ciertamente decía que ella había amamantado a esos pequeños demonios; pero finalmente el juez falló a favor de la cadena.

Primer capítulo.

La crítica se dividió en dos bandos tras el estreno de los Simpsons y como no, la crítica negativa fue perpetrada por el sector más asentado en las viejas costumbres. Toda la acusación se centró en el personaje de Bart que se interpretó como una amenaza para el aprendizaje escolar. 


Tacón, punta, tacón, punta...

El comediante Bill Cosby le definió como un mal modelo a seguir pero me queda la duda si lo dijo por convicción o porqué la serie se emitía en el mismo horario que su show “El show de Bill Cosby”. 
Hasta el mismísimo presidente de los EEUU en aquel momento, George H. W. Bush, esputó en su campaña:
‘Vamos a fortalecer a la familia americana para que se parezca más a los Waltons y menos a los Simpsons’.
Los Walton fue una serie de los setenta inspirada en una familia rural del 1929 donde se trataba la superación económica que tenía que soportar esta familia compuesta por siete hijos. Emoción a raudales.
George H. W. Bush
Pero aparcando este tema, la familia oriunda de Springfield (municipio que existe en 22 estados de USA) se estrenó con el episodio “Sin blanca Navidad”, donde Homer con problemas económicos para comprar los regalos de Navidad, intenta ganar un sobresueldo trabajando como Papa Noel en un centro comercial. Por desgracia no consigue el dinero suficiente y en una última jugada pierde todo el dinero ganado en una carrera de galgos; pero en un acto de ternura adopta a su perro perdedor y el Pequeño ayudante de Santa Claus se convierte en el mejor regalo de sus navidades.




Este capítulo fue dirigido por el nombrado David Silverman y escrito por la señora Mimi Pond. En USA, fue visto por 13,4 millones de espectadores pero en realidad este episodio no tendría que haber inaugurado la serie sino el capítulo “la babysitter ataca de nuevo”. Último episodio de la primera temporada en la versión DVD.

Y todo esto fue gracias a los estudios Klasky-Csupo que por exceso de trabajo llevaron la animación del capítulo a Corea y cuando James L. Brooks vio el episodio devuelto, espetó que era una verdadera mierda.
Estuvieron apunto de cancelar la serie si se comprobaba que el próximo capítulo estaba en las mismas malas condiciones, “Bart el Genio”, pero gracias a lo divino vieron que éste aún se podía arreglar. Cuenta James L. Brooks que cuando opinó que la calidad de la animación era un saco de inmundicia, uno de los animadores del estudio le respondió que a lo mejor el problema era del guión, que no era tan bueno como parecía. Más tarde, este animador confesó que se había equivocado justo en el momento que se hacía la foto con el premio Emmy a mejor serie.




Como curiosidades de “Sin blanca Navidad”:

- Aún no aparecía el mítico "opening" creado por David Silverman acompañado con la pegadiza canción compuesta por Danny Elfman, compositor “fetiche” de Tim Burton. El mismo Elfman comenta que esta melodía es la más importante de toda su carrera. El capítulo empezaba "a saco".

-Aparecen por primera vez Ned y Todd Flanders, Burns, Mou, Barney, Patty y Selma, abuelo, Milhouse y Dewey Largo (profesor de música de Lisa).

-Cuando Bart se tatúa Mother, Marge se lleva con violencia a su hijo antes de que se complete el tatuaje, quedando en su brazo la palabra “Moth”, polilla en inglés.



-La Fox nerviosa con la inversión sugirió a sus creadores que crearan tres cortos que durasen 30 minutos, en vez de un capítulo entero de media hora.

-El decorado animado de la casa Simspons está realizado por Eric Stefani que empezó ayudando en la serie hasta que creó el grupo “No Doubt” junto con su hermana Gwen Stefani.

-Barney lleva el pelo de color amarillo.




-En los extras de este capítulo se explica que el nombre de Milhouse proviene del presidente de los Estados Unidos, Richard Milhous Nixon. 


Mi Amigo Mac (1988)

$
0
0


 Sinopsis:

La Nasa envía una sonda espacial hacia un extraño planeta donde reside una dicharachera familia de extraterrestres; pero tal es la fortuna que el aparato intergaláctico absorbe la familia marciana y retorna al planeta Tierra con los extraños seres en su interior. De repente al llegar al laboratorio, la máquina que los almacenaba estalla liberando a su suerte estas entrañables criaturas.

En plena persecución entre los alienígenas y la Nasa, Mac, el extraterrestre más joven (aunque parezca más un símil de un octogenario) se separa de sus parientes y ya en solitario se refugia dentro del coche de la familia Cruise. Mac no tardará en ser aceptado por ellos y entabla una especial amistad con el hijo menor de la familia, Eric, que sufre paraplejia y se desplaza en una silla de ruedas.
A partir de esta premisa, se inicia un tira y afloja entre la familia Cruise y la Nasa para realizar la entrega del pequeño alien; pero Mac sólo quiere encontrar a su querida familia o peor aún, encontrar a su familia, jurar la constitución de los Estados Unidos y vivir el sueño americano. No he dicho ninguna barbaridad.


Una de calamares!
Película:

Gracias a los Gremlins (1984) aparecieron los simpáticos Critters (1986) y gracias al éxito de Et: El extraterrestre (1982) se produjo Mi amigo Mac (1988). Y entremedio de estas dos películas se originó nuestra copia patria, Ete y el Oto, que no es más que una aberración de los hermanos Calatrava que sarcásticamente un usuario del Youtube la definió como una “Obra maestra atemporal”. Aparcando esta anécdota, Mi amigo Mac es un descarado clon serie B del film de Spielberg  y su idea principal gira en torno a la amistad que viven nuestro parapléjico protagonista y un extraterrestre extraviado.

Como punto a favor se agradece que no se utilice la minusvalía del protagonista como recurso lacrimógeno perpetuo. Sin embargo no se tuvo tanto detalle en la creación de la alienígena ya que la crítica humilló el diseño del extraterrestre por la profunda aversión que producía al público infantil, que en esencia era el tipo de espectador la cual estaba destinada. En varias opiniones de la web se ha definido al diseño de Mac como un cruce entre niño y abuelo o como Nosferatu con exceso de Votox.



Mi amigo Mac es una de aquellas bromas catalogadas como película de culto por su horripilante realización, su desparpajo y por el uso abusivo de publicidad en todo el metraje. Secuencias como jóvenes realizando una ensayada y espontánea coreografía de cinco minutos de duración en un restaurante Mcdonalds, extraterrestres que sólo beben Coca-cola o qué la pista principal para encontrar la familia de Mac sea un poste anuncio con el logotipo de la empresa de aceites de motor, Valvoline, la delatan bastamente.

Esta película fue una seria competidora en los premios Razzies del 1988 al llevarse dos galardones a Peor director, Stewart Raffill, y a peor nueva estrella, Ronald Macdonald (así fue) y estuvo nominada a peor guión y a peor película pero contra pronóstico este importante premio se lo llevó Cocktail de Tom Cruise.

Las similitudes con su homóloga Et: El extraterrestre son considerables. En la película de Spielberg, el niño Elliot atraía a Et con chocolatinas para realizar el esperado encuentro entre ambos pero en Mi amigo Mac nuestro hábil protagonista intenta llamar la atención del xenomorfo a base de pajitas (!de cañas¡).

Si en la persecución final entre Et y la Nasa se usaba como medio de locomoción unas bicicletas con canasto que volaban a la luz de la luna, en Mi amigo Mac está todo más depurado, ya que la batida se produce mediante una silla de ruedas, aunque en esta ocasión la silla no vuela. No sé porqué me ha venido a la cabeza el personaje Timmy de South Park.



En  diciembre del 2012, esta película volvió a ser recordada (y añorada) cuando el actor Paul Rudd se encontraba en el show de Conan O’Brien promocionando su nueva película. En el instante de poner el tráiler Rudd cambió el vídeo y se emitió una de las escenas de este filme, causando el cachondeo del respestable.

Lo dicho, película mítica donde las haya y que formaría parte de aquella lista personal de cintas nostálgicas que uno esconde de cara al público para no ser linchado; pero que al final uno acaba delatándose al no poder evitar la tentación de realizar el característico (y ridículo) silbido de la criatura protagonista.


uuuuiiiiiuuuuuu
Reparto:



Del reparto no hay mucho que rascar; todos los intérpretes son auténticos desconocidos y muchos sólo rodaron esta película (respetando siempre al inefable Ronald McDonald).
Iniciaremos la ficha técnica con su director Stewart Raffill obsequiado con un razzie a peor director por su labor en este film. Si se puede destacar alguna obra de este realizador sería la película “El Experimento Filadelfia” (1984) basada en la increíble leyenda (o no) sobre la teletransportación intencionada de un buque del ejército americano en la segunda guerra mundial.

Nuestro protagonista principal es el actor Jade Calegory que realmente es minusválido. Es víctima de espina bífida y con tan sólo doce años, que fue la edad con la cuál interpretó su personaje, ya llevaba sufridas 14 operaciones. Aún así cuando le preguntaban por qué se hallaba en una silla de ruedas, en tono jocoso respondía que el motivo era el Vietnam. Después de esta película no volvió a interpretar y actualmente se dedica a la fotografía.
Jade Calegory con unos años más.
La madre de nuestro protagonista es interpretada por Christine Ebersolefamosa por ser una gran cantante en Broadway y es vista en películas como Amadeus(1984) y Tootsie (1982).

También aparece la actriz y bailarina Tina Caspary que interpreta a la novia del hermano del protagonista y participa en la “trepidante” huída del extraterrestre. Actúa en la película Una disparatada bruja en la universidad(Teen Witch 1989); una comedia juvenil que según dicen se ha convertido en una película de culto (según dicen). Pero quizás la nota curiosa de esta actriz es que iba a interpretar a la hija de Ed O’Neill en la agradable sitcom “Matrimonio con hijos” pero no pasó del episodio piloto y fue sustituida por la guapa Christina Applegate.




Diseño y efectos especiales:

Eran los 80, aquella gran época donde era imposible abusar de los efectos especiales si no eras George Lucas o disfrutabas de un gran presupuesto (o las dos cosas). El Spectrum no daba para más. Por eso, se las ingeniaban para crear Animatronics (ingeniería mecánica) para crear las criaturas más sorprendentes.

Aunque el film contaba con un bajo presupuesto y el alienígena se mostraba un poco cutre, se contó con un elenco bastante potente en esta materia. Los efectos especiales fueron a cargo del fallecido y pionero Martin J. Becker que participó en el montaje de películas como Star Trek,  Viernes 13 y Pesadilla en Elm Street. También fue el creador del plano congelado con diversos ángulos de cámara que más tarde popularizó Matrix (1999).

También la película contaba con el oscarizado John Dykstra encargado de los efectos visuales y ganador  de dos óscars en el mismo apartado por la película Star Wars: Nueva Esperanza y Spiderman 2. Entre sus logros inventó la cámara Dykstraflex que mejoraría notablemente el arte de mostrar como real una escena con maquetas y montajes fotográficos.



El pequeño Mac fue diseñado por el escultor Bill Forsche que participó en los maquillajes de la película de Bitelchús (1988) y fue miembro del equipo de los efectos especiales en el film Jóvenes ocultos (1987). Pero supongo que aquel día no andaba rebosante de inspiración porqué el alienígena creado por Bill fue masacrado por la crítica ya que no derrochaba ternura sino una acentuada hostilidad. Sinceramente le tengo mucho cariño al film pero reconozco que el extraterrestre por sorpresa puede acarrear espasmos musculares.



Imposible de explicar con tal brigada de profesionales que se colara alguna escena absurda en estas artes. Hablo de aquella secuencia la cuál nuestro protagonista se precipita por un terraplén y en el momento que cae al agua, nuestro alien se incorpora de golpe para observar el panorama. Se percibe como el extraterrestre esta superpuesto al vídeo descaradamente.



Banda sonora:

Sin duda lo mejor del film es la banda sonora del genial Alan Silvestri (Forrest Gump, Depredador) con un toque melódico y de superación personal que se engancha en tu cerebro cuál ácaro al sofá.
A parte de la banda sonora del genial Alan Silvestri, el cantante norteamericano Bobby Caldwell, conocido en su casa por la aburrida canción “What you won’t do for love” (1978) que inexplicablemente consiguió dos discos de platino, escribió e interpretó un tema principal para este entrañable filme.

La canción en cuestión es “Take Me, I’ll Follow you”, una canción muy ochentera y de obligada escucha mientras se contempla el horizonte recordando un amor de verano sin previo pago.


Un anuncio de hora y media:


Realmente la publicidad funciona mejor si la persona no la percibe como publicidad pero esta romántica cita es ignorada plenamente en este film. Ya de por sí su título declina hacia la cadena de restaurantes de comida rápida (Mi amigo Mac).
Los extraterrestres son salvados de la desnutrición gracias a los refrescos Coca cola, se pronuncia la marca dos o tres veces en el film, cuando los extraterrestres entran en el supermercado tiran el estante de esta bebida, sólo se bebe coca cola y para más inri, hay una escena en que el protagonista no ofrece a la criatura Coca cola si no un vaso de agua! Pero como era de prever Macrechaza esa insípida bebida.


Dándole a la petaca...
Hay varios tipos de publicidad como la publicidad subliminal que es aquella que se emite por debajo de la percepción consciente. Por ejemplo la forma de la botella de Coca-Cola recuerda mucho a la de un cuerpo de mujer y esta silueta inconscientemente puede tener un poder de persuasión para el sector masculino.

Pero Mi Amigo Mac utiliza un recurso publicitario más contundente, el denominado publicidad por emplazamiento, cuya definición más entendible sería “producto expresamente colocado”. Hay que recordar que uno de los intérpretes reconocidos y que se indica en los créditos finales de esta película es el sobrecogedor Ronald Macdonald que aparece interpretándose a sí mismo. Y esto se debe a una ridícula coreografía que se origina dentro de un restaurante Mcdonalds. Para colmo los Razzies le dieron más notoriedad al asunto obsequiando a la mascota principal de Mcdonalds con el galardón a peor nueva estrella en 1988.

La madre de la familia trabaja en un centro comercial llamado Sears, que es como el Corte Inglés americano y aparece su brillante letrero un par de veces. El niño cuando saca la pila del mando del control remoto de su coche teledirigido hay dos o tres planos de la pila para mostrarte para que te enteres que son de la marca Energizer. La mudanza de la familia va a cargo de la empresa United Van Lines...
  
El nombre en las cajitas bien de cara, por favor...
Y como “Mi amigo Mac” es la copia barata de la entrañable Et, el extraterrestre no hay nada mejor que coger esta película como flagrante ejemplo de publicidad por emplazamiento. En la obra de Spielberg los caramelos que va dejando Elliot para atraer a ET son de la marca Reese’s Pieces, muy conocidos en el pueblo Yanqui. ¡Las ventas de este producto se incrementaron un 80 % a raíz de la película! En Mi Amigo Mac comparten caramelos de la marca Skitties y ya ellos se encargan de que el envoltorio del producto este de cara para que leas claramente la marca.


Muchos críticos han bautizado este film como un anuncio de 95 minutos pero hablando fríamente se necesita financiación hasta para ir a la playa y muchos de nosotros trabajamos o acabaremos trabajando para marcas que necesitan publicidad para obtener beneficios. La clave está en la elegancia de cómo se posicione el producto en la película y Mi amigo Mac no la tiene.

También se tendría que haber informado que la película tenía una especie de acuerdo con la Ronald McDonald House Charities que es una organización que se encarga de ayudar y dar cobijo a familias con niños gravemente enfermos y que necesitan desplazarse para ser tratados médicamente. Se hubieran ahorrado un importante porcentaje de crítica atroz.

Curiosidades:

El título original de la película es Mac and Me, inspirado (o copiado) del título de producción de Et: El extraterrestre, que antes de terminarse el film y adjudicarle el título que todos conocemos, se llamaba Et and Me.

Se le ofreció el papel principal femenino a Anjelica Huston(Familia Addams) y a Kim Basinger (Batman) pero por suerte para sus carreras, lo rechazaron.

Si ya de por sí había pocas referencias, hay una escena en que embuten a Mac dentro de un disfraz de oso para ocultarlo de la imagen pública y se aprovecha ese momento para meter una persona reducida dentro del traje. Esa persona era el especialista Bobby Porter, que tuvo el mismo rol en algunas escenas de Et, el extraterrestre.

El nombre de Mac,según la película, proviene de “Misterioso Alien Criatura”.

En la misma famosa escena de la coreografia del Mcdonalds se muestra una Jennifer Aniston muy jovencita y en condición de figurante. No aparece ni en los créditos y en la película debe aparecer en dos fotogramas.


Según internet es ella...


Para los entendidos en danza, en el famoso baile del restaurante participa el artista Dominic Lucero bailarín habitual de Michael Jackson pero murió a los 26 años de cáncer linfático.

También en la misma secuencia aparece una jovencísima Nikki Cox recordada, sobre todo por el sector masculino, de la serie Infelices para siempre. Aquella sitcom que el padre de familia hablaba con un perro en un sofá.




La película costó 13 millones de $ y sólo recaudó 6,5 millones de $.

Uno de los pósters de Mi amigo Mac posee claras referencias  a la carátula de la película de Spielberg.




Al final del film, el extraterrestre Mac hace un globo con un chicle donde se puede leer un “We’ll be back” (volveré) pero dados los palos que recibió la cinta nunca volvió…

Martyrs (2008)

$
0
0


Fin del ciclo ¿?:

El cine de terror ha pasado (y pasará) por diferentes etapas a lo largo de su historia, y como siempre ha sido, las producciones americanas han liderado en solitario este género, ejemplos claros serían las geniales Psicosis (1960), El exorcista (1973), el Resplandor (1980) o las célebres Slashers protagonizadas por los entrañabales Freddy, Myers, Jason y el resto de asesinos en serie expertos en el uso de armas blancas.

Sin embargo, en consecuencia de los burdos remakes americanos, la falta de originalidad en sus proyectos y porqué no, sus cansinas secuelas (véase saga SAW ya van por la 7); originó que a finales de los 90 y a principios del siglo XXI surgiera, con gran éxito,  el psicológico cine de terror japonés con sus clásicos The Ring (1998), La maldición (2002) o The Eye (2002) como grandes referencias.


Más tarde y como resultado (a mi ver) de que nuestra idea de lo que nos produce terror ha cambiado drásticamente, y “sazonado” a que últimamente el cine oriental tiende a una exageración exacerbada y sin lógica alguna; el cine de terror europeo ha entrado con más fuerza que nunca y para quedarse un largo tiempo. Véase sus atractivas y originales Human Centipede (2009), A Serbian Film (2010); (sí, aquella película que se emite en festivales y sus directores son arrestados); y la profunda y francesa Martyrs (2008) de la cual haremos reseña.

En estos momentos el cine de terror europeo es abanderado por las excelentes producciones francesas,  corriente denominada “Nouvelle Horreur Vague”que entre sus características más intrínsecas se encuentran el gore, la ausencia de elementos sobrenaturales y la inclusión de componentes claustrofóbicos. Martyrs formaría parte de esta agradable familia.


Sinopsis (sin peligro, no spoiler):

A principios de los años 70, una adolescente es encontrada en estado catatónico y con evidentes signos de tortura. Esta niña es Lucie, y había permanecido amarrada a una silla soportando todo tipo de vejaciones junto a otras chicas en una nave industrial. En un momento de confusión, Lucie había escapado de su cautiverio quedando libre en aquel instante; pero quedaría atrapada para el resto de su vida dentro de su propia tragedia por haber padecido tal martirio en ese almacén abandonado.

Ya a salvo, Lucie conoce a Anna en el lugar de acogida donde reside pero quince años más tarde Lucie identifica a sus secuestradores y escopeta en mano intentará poner fin a su odio.
Aún así Lucie sigue atormentada por su pasado y Anna le ayuda a paliar su dolor, pero en medio del caos descubren que en la casa de los secuestradores hay una cámara secreta donde se revela que la tortura que ejecutaron a Lucie tenía un propósito…convertirla en Mártir.


Película:

La película se filmó en Canadá en un período de 8 a 10 semanas y se estrenó en mayo del 2008 en el virginal festival de Cannes causando un tremendo alboroto entre los asistentes (deserciones, insultos, etc). También se rumorea que en el festival de Sitges una treintena de personas abandonaron la proyección y hasta una de ellas “echó la pota” a causa de sus escenas de violencia explícita.

Martyrs es considerada como una de las mejores películas de terror de la década que se fundamenta en la justificación del uso de la violencia física y psicológica para alcanzar un fin “religioso”, por así decirlo.


Y es que Martyrs posee una imperceptible fuerza, que para bien o para mal, uno llega a encarnar el sufrimiento que padece nuestra protagonista. Hasta el punto de estremecerte con cada sonido que emite una simple escalera desplegándose hacia el suelo ya que se intuye que ese inocente ruido metálico acabara con una nueva paliza propinada por los secuestradores. Me refiero a los polémicos minutos finales.

!SPOILACO¡:(echarle un ojo si ya se ha visto la peli o si no hay intenciones de hacerlo, si no ir al próximo apartado “Clasificación, polémica y distribución que está muy bien...)

Esta película ofrece escenas para enmarcar como la secuencia inicial donde aparece la hija pequeña de la familia que huye despavorida de su agresor cuando se muestra que simplemente jugaba con su hermano. O la magnífica caracterización del alter ego de Lucie simbolizando la culpa por haber abandonado al resto de chicas torturadas en el almacén.


O cuando Anna ya desollada consigue llegar al éxtasis del martirio (si se me permite muy al estilo “2001 Odisea en el espacio”) para después comunicar su experiencia en el más allá a la líder de la sociedad secreta.

Y por último la fantástica escena final donde se reúne una pléyade de octogenarios y el resto de miembros de la organización para que su líder les comunique que ha visto Anna en el linde de la muerte. Pero el sorprendente suicidio de la guía de la secta en ese mismo instante se llevaría consigo ese secreto al mismo más allá que vio Anna.

Con un final tan abierto a la subjetiva interpretación, uno no puede dejar de aventurarse en resolver el misterio. Lo único que se puede dilucidar es que la cabecilla de la sociedad decidió quitarse la vida porqué comprendió que lo que sabía era tan poderoso que era mejor no ser desvelado.
Como le dijo Mademoiselle a su socio antes del suicidio...Sigue dudando... (y nosotros también lo haremos)


Clasificación, polémica y distribución:

Martyrs es una película difícil de ver por sus altas y contundentes, pero justificadas, escenas de violencia. Todo este contenido ha causado un verdadero escollo en su distribución tanto en cines (en USA será direct-to-video) como en su venta en formato DVD o Bluray. España simplemente ni la olerá, si es que no se tira de “Ebay”para adquirirla. Tampoco está doblada al castellano o sea que si no se domina el francés “beaucoup de mucho”;  el antiguo subtítulo será nuestro principal aliado.

En cambio, películas como Hostel (2005), que contiene mucha más violencia gratuita y sin ningún tipo de justificación argumental desde hace años se puede conseguir en formato Bluray o formando parte de algún triste pack, idóneo para regalar en Navidad. Supongo que la procedencia americana de Hostel y que su director Eli Roth sea coleguilla de Tarantino abrirá muchas más puertas que si eres un“mindundi” director francés.


La película causó tal revuelo que fue catalogada para mayores de 18 años, limitando su proyección en salas X (como si fuera una porno, vamos) y esto no sería un alivio ya que inicialmente querían cargarse el filme tanto por su contenido violento como por sus connotaciones religiosas.

El hecho de que una película tenga una clasificación X (si no me cuelo, tal y como pasó con Saw VI) es un verdadero suicidio económico ya que desemboca en una prohibición total para su distribución. Y por un escaso margen de votos la comisión de cine de Francia la calificó así pero gracias a la repercusión del caso y a la reacción de la sociedad de directores de cine, el ministerio de cultura francés cambió de parecer y se catalogó la película para mayores de 16.


Este tipo de cine tan poco convencional no es bien visto por la mayoría de productoras que se niegan a invertir y distribuir este tipo de filmografía, y mucho menos películas como Martyrs. Aún así el mítico Canal + y la joven productora francesa llamada Eskwad, liderada por un tal Richard Grandpierre emplearon 2,8 millones de euros de presupuesto para esta película.

Esta empresa Eskwad también ha ofrecido su colaboración (poner pasta) en películas galas y tan singulares como la polémica Irreversible (2002) interpretada por Monica Bellucci y su eterna y famosa escena de violación o el entretenido filme de Christophe Gans “El pacto de los lobos” (2001). Gans es aquel director que quizás haya filmado la mejor película basada en un videojuego con su estupenda Silent Hill (2006).


Ficha técnica:

Su director es Pascal Laugier, realizador del filme “El Internado (2002)” que pasó sin pena ni gloria y director del Making of de la película “El pacto de los lobos” (2001) de Christophe Gans. Se describe como un fan de la película sueca Déjame entrar (2008) y del director del Sexto sentido (1999), Night Shyamalan. A Pascal le ofrecieron realizar el remake americano de su película, supongo que una versión más light, pero comenta que ya tuvo suficiente con el trabajo de dos años que le acarreó realizar el guión de la versión original y rechazó la oferta.


Después del éxito de Martyrs, también se le ha ofrecido realizar la nueva versión (un reboot) del clásico de Clive Barker, Hellraiser pero como era de esperar no aceptó el proyecto por diferencias creativas ya que las productoras yanquis querían una versión más comercial.

Es totalmente lógico que gracias a la polémica Martyrs los estudios norteamericanos se lo rifen y más cuando, tal y como decía Laugier recibía 50 proyectos de Estados Unidos por uno de Europa. Por ello no creo que sea un vendido simplemente que tal como está Europa en temas de trabajo en cualquier ámbito, mejor emigrar.

Con esto se explica que en el 2012 estrenara un thriller nada parecido con su anterior película, titulada el Hombre de las Sombras (Tall Man) protagonizada por Jessica Biel (Desafío total, 2012) que trata sobre la desaparición de varios niños en un destartalado pueblo donde según se desvela, el presunto secuestrador podría ser un fantasmagórico hombre alto.

Pero quizás donde Martyrstenga su punto fuerte es en las sorprendentes interpretaciones de dos desconocidas actrices.
Una es la actriz Morjana Alaoui oriunda de Marruecos que interpreta a Anna. Martyrs era su segunda película y acabó de rodarla con un tremendo dolor de garganta debido a las largas jornadas que tenía que estar gritando. Cuenta que había días que se pasaban desde las 7 de la mañana hasta las 9 de de la noche chillando a pleno pulmón. En principio el papel de Anna lo iba interpretar una actriz francesa de nombre erótico, Vahina Giocante pero por razones personales se retiró en el último momento.


Comparte protagonismo con Morjana, la atractiva Mylene Jampanoi, de madre francesa y de padre chino, que interpreta a la traumada Lucie. En la humilde filmografía de Mylene se encuentra un pequeño papel de reportera en la película de Clint Eastwood, Más allá de la vida (2010) y no se muestra muy partidaria a un posible remake americano de Martyrs.
Las dos actrices están de acuerdo que lo más agotador de su interpretación fue el llorar durante gran parte de la película ya que debían permanecer en ese estado de amargura durante largos periodos.


Remake:

Para no perder la costumbre, Hollywood quiere realizar un remake de la película con un tono más sosegado y esto se entenderá cuando espete que detrás de este proyecto se encuentra el productor Wyck Godfrey, ¿Quién es este hombre? Productor de la saga Crepúsculo ¿A quién quiere para interpretar la chica protagonista de la americana Martyrs? Kristen Stewart !Ja¡. Lo que no sabe este hombre es que ya posee la cara de mártir.


La cuestión es que modificarían todo el argumento para que sea mucho más potable para el pueblo americano, se distribuya con facilidad y entre la pasta a mansalva. La película iría a cargo del director Daniel Stamm realizador de la interesante “El último exorcismo” (2010) pero sinceramente no sé si veremos algún día este remake en nuestras carteleras.


 Curiosidades:

Cuatro meses más tarde de su inicial proyección en Francia y gracias al apoyo de críticos y cineastas, la institución encargada de la censura liberalizó la cinta y se pudieron distribuir unas 60 copias de esta película. En estos momentos la película ha sido exportada a más de 40 países.

Algunos de los espectadores de Cannes lloraron a lágrima viva durante la proyección, motivo el cual su director se siente muy orgulloso.

Ganó el premio del festival de Sitges a mejor maquillaje en el 2008 y el premio Méliès d’or a mejor película europea de género fantástico en 2009. Uno de los premiados a mejor maquillaje, el artista Benoit Lestang no pudo recoger dicho galardón ya que se suicidó tres meses antes.



Críticos y espectadores increparon al director por el tono misógino y fascista (¿) del filme.

Al principio del film, se muestra el reportaje del secuestro de Lucie como rodado en cámara Súper 8 y en la secuencia aparece la fecha la cual ella logró escaparse, el 16 de octubre del 1971. Esta fecha corresponde a la fecha del nacimiento de su director.

Cuenta la "leyenda" que cuando se proyectó la película en el festival británico Frightfest, algunos de los espectadores tuvieron que dejar la sala por mareos y encontrarse mal.

Cuenta  su director que  envió el guión de Martyrs a diversas  actrices y la mayoría de ellas nunca le llamaron tras leer el libreto.

El personaje de Lucie clava hasta 21 “martillazos” en la cabeza a la madre de la familia. Doy fe.


Freejack (sin identidad) 1992

$
0
0
Sinopsis:


En el año 1991, Alex Furlong(Emilio Estevez) es un famoso piloto de Fórmula 1 que está a punto de disputar la carrera de su vida. Antes del evento, Alex promete a su novia de toda la vida, Julie Redlund (Rene Russo), que después del campeonato se casará con ella. Mal augurio.

Alex Furlong desconoce que durante esa carrera fallecerá en un trágico accidente estampado contra un flamante cartel de la empresa Nissan (ea). Todo este triste suceso acontecerá delante de los ojos de su futura esposa Julie y de su agente Brad (David Johansen).
No obstante, en una realidad paralela situada en el año 2009 y tecnológicamente superior, existe una organización que sabe que Alex morirá en ese mismo instante y que su cuerpo será el anhelo de moribundos adinerados.

En esa realidad alternativa del año 2009 la contaminación es insostenible, las drogas de diseño imperan, la falta de salubridad es latente y la diferencia entre clases sociales es abismal. Por este motivo millonarios enfermos pagan a empresas por la recuperación de organismos sanos del pasado para conseguir trasplantar su cerebro a ese nuevo cuerpo, y así poder esquivar la muerte.


Los empresarios McCandless (A. Hopkins) y Michelette (Jonathan Banks) pertenecen a esa estirpe de acaudalados personajes y contratan al mercenario Vacendak (Mick Jagger) para que utilice su tecnología y teletransporte el cuerpo de Alex justo en una fracción de segundo antes de que éste muera en su última carrera. Vacendak consigue rescatar el cuerpo con éxito pero cuando Alex llega al futuro y antes de que sea “lobotomizado” por completo (freído el cerebro); el “convoy” de Vacendak es atacado por unos desconocidos criminales.

En la confusión de la reyerta, Alex consigue escapar e intentará ocultarse en un mundo que irá descubriendo que no le pertenece. Pero ahora su cabeza tiene precio y sus captores solo tienen tres días para atraparle antes de que el cliente que espera su nuevo cuerpo, fallezca definitivamente. Solamente una entrañable monja armada con una recortada (Amanda Plummer) y algunos de sus amigos del pasado, ayudarán a Alex a encontrar a su novia Julie y descubrir quién ha sido el responsable que ha comprado su cuerpo.


Peli:

Freejack sin identidad (1992) fue una gran película de videoclub escrita a tres manos por, ni más ni menos, que Steven Pressfield (que lo conocen en su casa), Ronald Shusset creador del libreto de Alien, el octavo pasajero (1979) y guionista de la fabulosa Desafío Total (1990) y Dan Gilroy célebre por escribir junto a su hermano Tony Gilroy, el Legado de Bourne (2012). No olvidarme que el guionista de esta película, Dan Gilroy, se casó ese mismo año con la protagonista de este filme Rene Russo. Doble premio.

Con el previo éxito de Schwarzenegger en Desafío Total; el pequeño Emilio Estevez no tenía mucho margen  para adquirir la etiqueta de héroe de acción. Mucha crítica se mofó jurando que el cantante Mick Jagger (o quizás aquel personaje que era un casco pegado a Jagger) realizaba una mejor interpretación que el pobre Emilio Estevez. También espetar que la relación entre Estevez y Russo no posee la química sentimental que debería. Es más, uno llega a pensar que tal como le va al personaje que interpreta Rene Russo en el futuro, hubiera sido mejor dejar al personaje de Alex Furlong que se estrellara tranquilo con el poste publicitario y no regresara jamás. No había “chicha”. A parte, Hopkins está totalmente desaprovechado aportando a “modo de cameo” una interpretación a “modo de holograma”.


Normalmente los directores que realizan una película de ciencia ficción se aseguran de determinar un año lo más lejano posible para situar la acción futurista de la historia y ya de primeras evitar que gracias al paso del impávido tiempo te encuentres de que llegue ese año y observar que tus magnánimas naves espaciales todavía son coches a diesel. En Freejack sin identidad el argumento futurista se localiza en el año 2009 y según su director ya tendríamos que realizar viajes entre realidades paralelas con la misma facilidad que uno va a un restaurante chino,  poseer vehículos en forma de cúpula y por supuesto, armas láser.


El futuro Seat León.
Aún así esta película acierta en algunos aspectos terrenales y actuales como por ejemplo el aumento de la contaminación, la crisis económica, la lenta desaparición de la clase media y que nuestro esperma cada día sea más triste. Pero donde la ciencia ni la película han hallado respuesta es en la inexplicable conservación del rostro de Mick Jagger, que permanece imperturbable tanto ahora como en la fecha del estreno del filme.
Freejack sitúa su argumento en un futuro distópico (futuro no deseado) donde la población vive sometida bajo unas estrictas leyes. Este régimen totalitario origina en la película una sociedad “cyberpunk” en la cual la alta tecnología (naves espaciales...) se mezcla con un bajo nivel de vida (contaminación, nuevas drogas...), aspecto ya reflejado en películas como Akira (1988) o Blade Runner (1982).


3D Nudes!!


Freejack sin identidad tenía una idea innovadora fusionando viajes en el tiempo (vistos actualmente en Looper, 2012) con la idea del trasplante de cuerpos (o partes) para evitar la muerte (visto en La Isla, 2005). La película presenta un arranque potente con el accidente de Furlong y su teletransportación, y finaliza con un buen giro argumental y una buena batalla mental entre Furlong y McCandless. Por si hubiera poco; todo esto es aderezado con una genial escena donde los protagonistas viajan hacia la mente de McCandless (Hopkins) y recorren un conducto a una velocidad vertiginosa provocando una sensación de ingesta de media docena de caleidoscopios. Secuencia que me recordó al “ending” de la serie Dr. Who de los 70. Sin duda nos encontramos ante una película de culto.


Ficha técnica:


El firmante de esta aventura es el neozelandés Geoff Murphy, amiguete de Peter Jackson y por lo que se ve, amante de las secuelas ya que ha dirigido películas de “dudoso cobro” como Alerta máxima 2 (1995), Fortaleza Infernal 2 (1999) e Intrépidos forajidos (Young guns 2, 1990) que justamente también interpretó el extraño Emilio Estevez.
Pero quizás su trabajo más importante se halla como director de segunda unidad en la trilogía “El señor de los Anillos” donde dirigió las grandes batallas de la saga mientras su director Peter Jackson aprovechaba para ponerse a dieta. Como ya se sabe en el film El Hobbit (2012) su cargo como segundo director lo ocupó Andy Serkis (el tío que interpreta magníficamente a Gollum) ya que Geoff Murphy cuenta con 74 años y ya no está para mucho orco.

El “prota” es interpretado por el actor y director Emilio Estevez, célebre por ser reclutado por Francis Ford Coppola para la película Rebeldes (1983) junto a los “teenagers” Patrick Swayze y Tom Cruise. Como ejemplos, protagonizó Arma joven (1988), el Club de los cinco (1985) y Somos los mejores (1992) y como director realizó Bobby (2006) con Anthony Hopkins y The Way (2010), película que protagoniza el padre de Emilio Estevez, Martin Sheen y que trata sobre el Camino de Santiago.
Emilio Estevez es hermano del entrañable Charlie Sheen y como he espetado también es hijo de Martin Sheen. El público avispado puede deducir que el pobre Emilio Estevez es hijo del “butanero” o una especie de Jon Nieve de Juego de Tronos pero no es así, ya que el nombre real de Martin Sheen (su padre) es Ramón Antonio Gerardo EstevezPhelan.


Como actriz principal aparece Rene Russo conocida por su papel de detective en Arma Letal 3 y 4. Curioso es que esta actriz fue descubierta en un concierto de los Rolling Stones en el 1972 y seguro que no cabía en sí de gozo cuando se percató de que el villano de este film era el inefable…Mick Jagger. Este recurso del cantante “malote” no fue nada extraño por aquellos lustros, como por ejemplo en la infame Mad Max 3 (1985), con Tina Turner o también en el film Dentro del Laberinto (1986) con David Bowie, amigo (y amante sin confirmar) de Jagger.

También se deja ver el actor Grand L. Bush conocido (al menos por un servidor) por interpretar al personaje de Balrog en aquella obra maestra llamada Street Fighter (1994); y la actriz Amanda Plummer, popular por ser la acompañante de Tim Roth en la escena del atraco en Pulp Fiction (1994) y que realiza un papel de lo más divertido vestida de monja. Amén.
Acompañan en el reparto David Johansen,que apareció en Los fantasmas atacan al jefe (1988) como el fantasma de las navidades pasadas, con un corto papel aparece el actor John Shea que encarnó a Lex Luthor en la serie de Superman Lois & Clark, y John Frankie Faison que actuó de celador en las tres películas más famosas del asesino en serie Hannibal Lecter. Y cierto es que aparece el mismísimo Anthony Hopkins, que a modo de cameo y de frondosa melena nos desvela la trama de la película. Y acabando en la faceta interpretativa, nombrar a Jonathan Banks que ha sido visto en Límite: 48 horas (1982), Gremlins (1984) y se deja ver en aquella serie que no sigo, Breaking Bad.


En el apartado técnico no deseo dejarme al responsable de los escenarios de esta película, Joe Alves que fue el célebre diseñador del escualo que se utilizó en Tiburón (1975) y nominado a los Razzies por dirigir Tiburón 3.

BSO:
En cinta TDK se escucha mucho mejor.
La banda sonora fue a cargo del compositor Trevor Jones, popular por la melodía del film el último Mohicano (1992). Y aprovechando esa curiosidad sentimental Mick Jagger- David Bowie, se dio la casualidad que este mismo compositor orquestó la banda sonora de la cinta Dentro del Laberinto (1986) en la que Bowie hacía de descafeinado villano.  
La cruda realidad es que la banda sonora de Freejack sin identidad deja mucho que desear y tranquilamente se podría catalogar como una aproximación fallida de la banda sonora del film Blade Runner (Vangelis), siendo horriblemente optimista. Aún así el grupo de rock Scorpions con su canción Hit between the eyes y que llego a formar parte del Soundtrack del film, salvaron la película de la quema en esta materia.

Orígenes:



Tal y como aparece en los créditos, el argumento está basado (o muy por encima) en la novela Immortality, Inc (1958) del autor estadounidense Robert Sheckley. En esta obra de ciencia ficción se cuenta que el personaje Thomas Blaine sufre un accidente automovilístico y se despierta en el año 2110 dentro de un cuerpo que no es el suyo. Recurso cronológico que podría haber aprendido el director del film y no ser la mofa del gremio al situar  Freejack en el año 2009.


Y aunque no de forma acreditada, Freejack bebe de otra novela, Millennium de John Varley (1983), la cual existe una película titulada igual. En esta obra, nuestro planeta ha sufrido 19 guerras nucleares y la raza humana está a las puertas de la extinción. La única solución es efectuar viajes al pasado y recuperar a seres humanos que han fallecido olvidados o sin ser vistos (barcos hundidos, guerras) para no corromper la línea de tiempo. Y por último trasladar estos seres humanos a un planeta no contaminado.
En ninguna de las dos obras escritas se menciona la palabra Freejack para definir una persona trasladada en el espacio-tiempo.
Curiosidades:

En plena persecución, Alex Furlong conduce una furgoneta de “champagne” y se ve obligado a sacar de la carretera a uno de los coches que lo persiguen forzándolo a subir a la acera. En medio de los saltos de los peatones para esquivar dicho automóvil se escucha el típico grito de la canción de James Brown “I feel good”. Alrededor del minuto 41:18 de película.



Este mismo famoso coche “perseguidor” cuando choca con otro vehículo aparcado realiza una espectacular vuelta de campana muy al estilo “El equipo A”. Si uno se fija se puede observar la rampa que ha ayudado al coche a dar tan tremendo salto.

En la película Amor a quemarropa (1993) de Tony Scott, hay una escena en la que Brad Pitt está viendo una película en la tele tumbado en el sofá. Ese film es Freejack sin identidad.


Rene Russo mide 1,73 m. y Emilio Estevez mide 1,64 m. Cuando ellos dos pasean acaramelados se ve claramente que Russo es más alta que Estevez pero cuando están inmóviles Estevez le saca a Russo un palmo. ¿Qué elaborado artefacto hay en los pies de Estevez? ¿Puede que una inanimada caja?


Cuando Alex Furlong se escapa de sus captores en el futuro observa un letrero que indica que se encuentra en el día jueves 23 de noviembre del 2009. El 23 de noviembre del 2009 fue lunes.

El personaje Alex Furlonglee una frase célebre de A. Einstein en la pared de un restaurante. Esta frase termina con la expresión Kia Ora que significa gracias o que tengas salud en maorí. El maorí es una de las lenguas oficiales de Nueva Zelanda, país de origen del director de la película Geoff Murphy.

Freejack sin identidad costó 30 millones y solo recaudó 17 millones. Un auténtico éxito, vamos...

La carrera inicial donde Alex muere se rodó en el circuito de Road Atlanta donde se suelen celebrar las carreras Nascar, y los coches de carreras que aparecen no son de Fórmula uno sino de competición Formula Atlantic. Esta competición se disputó entre el 1974 y el 2009 pero se canceló por baja participación. Los monoplazas de esta competición son más pequeños que los coches de F1.

La actriz Linda Fiorentino, vista en Men in Black, fue la primera opción para interpretar el papel de Rene Russo pero a la semana fue despedida.


Freejack estuvo nominada en los premios Saturn de ciencia ficción por mejor película, mejor vestuario y mejor actriz de reparto. No ganó ni uno.


En la escena del bar, donde se produce una entrevista a Alex Furlong, la reportera es la actriz Jerry Hall que en aquel entonces era la esposa de Mick Jagger. El público de a pie (como yo), la reconocerá por su interpretación de desfigurada novia de Joker en la película del héroe Batman de Tim Burton.



Puntuaciones web: IMDB 5,1 / Filmaffinity 5,0 / Rotten Tomatoes críticos 15% Audiencia 27 %.

Un poco de rock and roll!!

Mis locas aventuras con Youtube y su gran historia.

$
0
0

Narciyoutubismo:

Anterior a las aperturas de mis cuentas de blogger, de twitter, de facebook y otras de dudosa moralidad..., me di de alta como usuario de Youtube allá en el lejano 2008. En el mes de noviembre subí mi primer vídeo que contenía una divertida escena del film Agárralo como Puedas y actualmente cuento con 286 suscriptores y 30 vídeos publicados; que no está nada mal teniendo en cuenta que los vídeos que suelo subir al portal no son de cosecha propia.
Simplemente no tratan de cómo depilarse correctamente el entrecejo o de un tutorial de cómo encajar a tu suegra en un microondas, sino que se basan en material audiovisual de contenido con copyright. No hay ningún mal en recordar que el usuario “standard” no tiene permiso para subir a Youtube material protegido (fragmentos de películas, series o canciones realizadas por otros) aunque la realidad sea muy diferente.

Gracias a las vivencias con este majestuoso portal de vídeos en streaming y aderezado con la suerte e inteligencia de sus jóvenes fundadores, me he animado a realizar un divertido resumen de su historia y demostrar que una idea idiota bajo los efectos del alcohol puede convertirte de la noche a la mañana en un podrido multimillonario.

El origen de Youtube:

Como si empezáramos un chiste horrible, en febrero del 2005, un estadounidense, un taiwanés y un alemán, residentes en USA y que no eran más que tres “frikis”, crearon el portal de vídeos más influyente y rentable del planeta, Youtube.com. Chad Hurley como diseñador, Steve Chen y Jawed Karim como ingenieros, se conocieron a la edad de veinte largos años cuando trabajaban para la empresa de pago seguro por internet, Paypal.


Steve Chen, Chad Hurley y Jawed Karim felices porque son pobres.
Durante una épica fiesta, estos tres personajes e integrantes de dicha algarabía consideraron que era la hora de inmortalizar tal desvarío con sus cámaras. Pero cuando llegó el momento de compartir ese material audiovisual con el resto de beodos fue cuando comprobaron lo difícil que les resultaba enviarse esos vídeos (recordad que en un email sólo se pueden enviar 25 Mb a pelo). Y de esa simple frustración tecnológica surgió la plataforma de vídeos más importante de nuestra era.

También añadir que pasado no mucho tiempo y cómo tres son multitud, el miembro alemán, Jawed Karim, en un ataque de ego, declaró una nueva versión sobre el origen de Youtube comentando que dicha fiesta nunca ocurrió, y que la idea fue exclusivamente suya. Los otros dos cofundadores no tardaron en responder y confirmaron que la fiesta sí existió y que la idea original del travieso Karim era crear un portal donde el usuario subía un vídeo personal a la web para que el resto de los visitantes votara que le parecía el muchacho/a. 



Karim, que supongamos que formaba parte de aquel colectivo friki= no novia, ideaba lo más parecido a una página de citas en streaming y no tardó en confesar que el origen de su inspiración provino de la página Hotornot.com. (Hotornot.com: plebe que cuelga sus fotos más sugerentes con el fin de que el resto evalúe su físico pero no su intelecto).

Primer vídeo y el primer comentario:

En abril del 2005, uno de los tres fundadores, el renegado Jawed Karim sube y protagoniza el primer vídeo a Youtube llamado “Me at the Zoo”. Un vídeo de 20 segundos grabado a “bad definition” donde se nos muestra lo bien cuidados que están unos elefantes en el zoológico de San Diego. Mientras tanto, nuestro “friki” nos informa que está muy feliz porqué los elefantes tienen unas grandes trompas (long trunks). 



Seis meses más tarde, la marca Nike fue la primera empresa en subir un vídeo con tintes comerciales a Youtube. En este vídeo aparecía Ronaldinho con la camiseta del Barça dando unos toques de balón a ritmo de Samba. El vídeo se convirtió en un tremendo éxito y originó el disparo de salida para que múltiples marcas se apuntaran al carro subiendo sus anuncios a esta plataforma.




Por último apuntar que el primer vídeo de Youtube originó el primer comentario de la historia de Youtube. Y no es más que un conciso pero desgarrador: interesting.... comentado por un usuario llamado Cobaltgruv. Este pobre hombre ha llegado a ser tan célebre en la web que muchos son los usuarios que han ametrallado cada uno de sus vídeos insertando el sublime ...interesting...

Inversión inicial:



Youtube tuvo un crecimiento meteórico desde su origen que desbordó a sus a creadores y atrajo a un número elevado de usuarios. Este hecho desencadenó que muchas empresas se interesaran por tal fenómeno y se originara una especie de reclamo para los llamados inversores ángel o entidades de capital de riesgo que veían con buenos ojos una inversión en Youtube. Como definición general estos inversores ángel o entidades de riesgo son corporaciones que financian una empresa que acaba de nacer (Startup) sin saber a ciencia cierta si la cosa irá bien o mal. Más o menos es como ir de farol en el poker pero sin apostar garbancitos.

Por ejemplo la entidad Sequoia Capital que apostó por Youtube desde su nacimiento, le prestó 3.500.000 de dólares nada más empezar. Actualmente esta entidad se lía cigarrillos con billetes de Benjamin Franklin tras la venta de Youtube a Google. Esto es una evidencia de que la inversión salió rentable, pensar que la entidad Sequoia acabó invirtiendo en Youtube 11,5 millones y tras la venta se ha llevado 442 millones. Festival.

Compra de Google:


Youtube con tan solo dos años y cinco meses de vida convence a Google de que su portal de vídeos, aquel “Google vídeos”, ¿alguién se acuerda?, es realmente una bazofia. Google no se lo piensa y accede a golpe de talonario (o de acciones) a realizar la tercera compra más cara de su historia (por ahora); adquiriendo Youtube por 1.650 millones de dólares. Es necesario comentar que Google puede que transmita que es una empresa muy emprendedora, que hacen siestas y beben cerveza pero cuando una de sus aplicaciones no alcanza el nivel tecnológico adecuado no dudan en ponerse un sombrero de cowboy para negociar y tirar de dólares americanos para comprar la competencia. Google ya lleva más de cien empresas adquiridas, entre las más sonadas y caras, Motorola y Doubleclick.

Tras la venta de Youtube, curioso fue el reparto de las ganancias entre los tres fundadores, Hurley, el americano, se llevó 345 millones en acciones, Chen el taiwanés ganó 326 millones y sólo 64 millones se llevó Karim, protagonista del primer vídeo de Youtube y fan de la web Hotornot.com. Todo esto se debe a que abandonó la empresa desde el principio para obtener un título de postgrado en ciencias de la computación. A veces es mejor dejar de estudiar a tiempo.


Copyright y sus entresijos:


El lema de Youtube es un sutil “Broadcast Yourself” (transmítete a ti mismo), dogma que los usuarios que suben vídeos y el mismo Youtube se pasan por el forro, y esto sucede porque se necesitan mutuamente aunque se intente aparentar todo lo contrario. 

Es importante saber que un tercio de la fuente de ingresos totales de la página proviene de la publicidad que Youtube inserta en los vídeos alojados con contenido de terceros sin autorización. Y es que a quién le importa que Manolito se grabe realizando la pesca del alburno, la plebe quiere ver el último videoclip de Lady Gaga subido por Menganito ya ser posible saltándose el copyright a la torera. Si Youtube se basara sólo en la emisión de vídeos “domésticos” ya hubieran bajado la persiana hace un lustro.

Pero como era lógico no tardaron en llegar las primeras demandas de artistas y distribuidoras, originando que en el año 2007 Youtube creara la herramienta Content ID que costó más de diez millones de dólares en realizarla (casi como el Paint ¡ja¡). Esta aplicación posee la función de comparar el vídeo subido por Menganito con el vídeo y audio facilitado por el artista o productora. Si esta herramienta detecta que la imagen y/o el audio de tu vídeo coincide con la información almacenada en la base de datos de Youtube ¡zasca! te silenciarán el audio o te eliminarán el vídeo directamente; con el consiguiente envío de una notificación a tu cuenta. A las tres notificaciones ¡más zasca!, cuenta cerrada sin importar los vídeos y suscriptores que tengas.


Aún recuerdo mis argucias, siempre aprendidas de otros usuarios, para que el novedoso software de Youtube no captara mi vídeo y así no poder eliminarlo. Utilizaba métodos tan complejos como el modo espejo o incluir colores sepia o acelerar el audio, pero todo fue en vano. Aprendí que el gratuitoMovie Maker no podía vencer a tal malévola herramienta de diez millones de dólares.

También mis varios intentos me ha hecho saber que distribuidoras o artistas han puesto más ahínco para que esta herramienta detecte sin margen de error su material subido ilegalmente por algún desconsiderado (como yo). Curioso es que contra más conservadora y de derechas, políticamente hablando, sea la empresa dueña de ese material, más complicado lo vas a tener. Ejemplos claros serían la Foxestadounidense (ejemplo Los Simpsons) y sin ir muy lejos, Telecinco. Es una pérdida de tiempo intentar subir material a Youtube de estas dos empresas ya que la herramienta Content ID tiene más material facilitado por estas entidades para cotejar el vídeo.  

Pero lo más cachondo es que el propio Youtube tiene alojados unos vídeos donde se ofrecen consejos de como saltarse ese copyright. Es extraño? Sí y no. Como hemos dicho, Youtube se nutre de los vídeos protegidos y subidos por el malévolo usuario que nunca percibirá ninguna prestación económica. Youtube monetizará ese vídeo con publicidad el tiempo necesario hasta que llegue la correspondiente reclamación del dueño. Después Youtube (o Google) echará la culpa al cruel usuario y eliminará el vídeo para demostrar a su dueño que cumplen con su deber. 


La doble moral es lo que se lleva ahora.
Mientras se producía todo este proceso sólo Youtube se ha lucrado a base de anuncios insertados; en detrimento del usuario y del dueño del contenido del vídeo. Por este motivo y desde hace tiempo Youtube (Google) realiza acuerdos con productoras y discográficas para evitar males mayores como la denuncia de 1.000 millones de dólares que le ha interpuesto la empresa VIACOM, en concepto de daños y perjuicios por la emisión de sus programas sin su autorización. (VIACOM: conglomerado de empresas audiovisuales como la MTV o Paramount).

Consecuencias para el usuario:

Como actualmente en España no pueden multarte por subir material protegido (al menos a Youtube); si el dueño del contenido lo reclama, Youtube te eliminará el vídeo de inmediato y te enviará una notificación conforme eres una mala persona. A las tres notificaciones puedes despedirte de tu cuenta de Youtube con tus vídeos y tus suscriptores inclusive; y tendrás que abrir otra cuenta de correo electrónico Gmail para crear otro canal de Youtube.

Lo más hilarante es lo que acompaña dicha notificación de copyright que te hace llegar Youtube. Te obligan a visionar un horrible y atroz vídeo de dibujos animados sobre el porqué no tienes que subir vídeos con derechos de autor. Este vídeo es interpretado por un pirata que vomita en un momento dado y un ciervo bajo los efectos de estupefacientes.



Este vídeo se titula “Youtube Copyright School” y tiene en su haber a día de hoy 8.368 Me gusta y 33.313 No me gusta. No contentos con el tutorial, Youtube también te fuerza a responder un formulario para “retardeds” y así comprobar que has comprendido tu error y darte la posibilidad de recuperar tu cuenta.

Esta especie de tutorial nos indica que nos podemos enfrentar a una demanda y al pago de una indemnización !o lo que es peor¡ perder nuestra cuenta de Youtube. Eso sí, de las ganancias que ha generado tu vídeo ilegal gracias a la publicidad insertada de eso no hay mención ninguna.

Uno puede comprender que subir una escena de alguna película que aún esté en cartelera sea motivo de infracción pero no puedo comprender que por ejemplo, a un usuario se le cierre la cuenta por subir una escena de la película Pretty Woman que seguramente tenga el récord de emisiones en TV en nuestro país o que alguien suba el vídeo de su boda con la mala suerte que en ese mismo momento esté sonando alguna canción con derechos de autor.

Moraleja:

Cambiando de tercio y para finalizar, en su momento se presentó el vídeo oficial y serio de los fundadores de Youtube explicando al mundo la venta de su página. El vídeo está en inglés pero visionarlo a partir del minuto 1 e imaginaros que cara se te quedaría si en menos de dos años ganas más de 1.000 millones dólares. Tras la venta, los fundadores no pueden contener el partirse escondiendo lo que sabemos todos, que se han forrado.



En el momento más inoportuno y con la ayuda de algún que otro estimulante, a veces surgen las mejores patentes. Chad, Steve y Jawed con una media de 28 años de edad se convirtieron en millonarios y uno piensa...¿porqué esta suerte no ocurre más a menudo? O mucho mejor… porqué no me ocurre a mí...?

Curiosidades:

Los seis vídeos más vistos de Youtube con fecha hasta agosto del 2013:

1. Psy - Gangnam Style.
2. Justin Bieber– Baby ft. Ludacris (Lo sé)
3. Jennifer Lopez– On the floor.
4. Eminem– Love the way you lie ft. Rihanna
5. LMFAO– Party Rock
6. Charlie Bit my finger.El video viral de más éxito que se distingue del resto por no ser un vídeo musical el cual tiene su mérito.

- El precio que pagó Google por comprar Youtube equivale a la compra de cinco aviones Airbus A380. Aviones de 500 pasajeros que pueden realizar sin escalas un trayecto Madrid-Australia.
- En 2007, sólo Youtube consumía más ancho de banda que todo internet del año 2000.
- Youtube es la tercera página más visitada después de Google y Facebook.
- En 2009, se transmitió el primer concierto en directo a través de Youtube. El grupo irlandés U2 fue el artífice de tal magno evento.
- Los cárteles del narcotráfico aprovecharon el tirón de Youtube para enviarse vídeos de secuestrados con la finalidad de atemorizar al grupo rival.
- El asesino Cho Seung- Hui que acabó con la vida de 32 estudiantes en un instituto de Virginia, subió un vídeo a Youtube antes de cometer la masacre.




El capítulo de tu vida: "Home" de Expediente X.

$
0
0
El paso del tiempo ha demostrado que nuestra mente es capaz de retener momentos y/o capítulos emblemáticos aunque hayan pasado lustros después de haber finalizado la serie. Quién no recuerda aquellas escenas legendarias como el mítico parto del lagarto en la serie V, o la “sublime” aparición de Ana Obregón en un capítulo del Equipo A. Cualquier secuencia de este calibre vale la pena recordarlo y como es gratis, empiezo sección…

El capítulo del cual me enrollaré "like a persiana" pertenece a la serie de culto Expediente X, que fue creada por Chris Carter y empezó a emitirse por el año 1993. En Spain, se emitió por Telecinco en el año 1994, sufriendo inverosímiles cambios de horario (la recuerdo los domingos después del Telecupón).
Para más casualidad este año 2013 Expediente X cumple 20 años (yeah). Sin embargo no puedo esconder que su emisión me cogió bastante joven y no le presté la atención que se merecía, ya que mis hormonas iban dirigidas hacia otros menesteres, casi igualando la adicción sexual que padeció el actor que encarnaba a Fox Mulder.



No obstante, visioné gran parte de la serie y recuerdo como si fuera ayer un capítulo que me dejó bastante mal, provocándome la herencia de una sensación horrible que perdura en mí hasta el día de hoy. Ese episodio fue el segundo de la cuarta temporada y se tituló “Home” emitido por la Fox el 11 de octubre del 1996.

Cabe indicar que Expediente X se dividía en dos tipos de capítulos: Episodios llamados MythArc, cuyas historias seguían la trama principal (el fumador, sustancia negra, etc) y los episodios “Monsters of the Week”, que son aquellas tramas que terminan al finalizar el capítulo y no tienen vínculo ninguno con la historia principal. Estos capítulos constituían dos tercios de cada temporada y “Home” forma parte de esta categoría.

Los hermanos "Peacock", protagonistas de "Home".
Sinopsis:

En la ciudad de Home, Pensilvania; una mujer da a luz a un niño deforme con la ayuda de tres hermanos también desfigurados. Nada más salir el niño de las entrañas de la mujer, los hermanos entierran vivo al bebé cerca de su propiedad matándolo en el acto.

Más tarde, unos jóvenes que juegan al béisbol por la zona desentierran accidentalmente el cadáver donde rápidamente se asignará el caso a los agentes Mulder y Scully. Al examinar el bebé comprueban que las deformidades físicas son similares a las de los tres hermanos; y con la ayuda del Sheriff del condado y su ayudante, se emitirá una orden de arresto contra la familia, ya que se sospecha que podrían tener una mujer retenida en contra de su voluntad.


Al "pitcher" se le fue la mano.
Previamente el Sheriff del condado explica a los agentes que los tres hermanos son la familia Peacock, y que sus padres tuvieron un accidente de coche donde murió el padre y la madre quedó malherida. Al ser una familia rural y apartada de la civilización, no quisieron que se atendiera a la madre y los tres hermanos se la llevaron a casa donde supuestamente falleció.
Los hermanos Peacock, alertados por la orden de arresto, se desplazan hasta la casa del Sheriff y lo asesinan brutalmente junto a su esposa.

Mulder, Scully y el ayudante del Sheriff realizan una ofensiva a la casa de los Peacock donde el ayudante es decapitado gracias a una serie de trampas que han construido los hermanos dentro de su propiedad. Mulder y Scully consiguen entrar en la casa y descubren lo horrible… encuentran a la madre Peacock viva y tullida. Este suceso explicaría las deformidades del bebé, dado que los tres hijos tenían una relación consentida con la madre para poder ampliar la familia. De repente, entran los hermanos en la casa y dos de ellos caen por los disparos de los agentes del FBI pero Mulder y Scully se dan cuenta que uno de los hermanos y la madre han huido para seguir con su cometido… formar una nueva familia.




Opinión personal e intransferible:

Según cuentan fue el único capítulo de las nueve temporadas que fue calificado para mayores de 18 años, tanto por su contenido violento como por sus claras referencias al incesto o a la endogamia. Lo que da entender que mi reacción de malestar a esa edad no fue desproporcionada. Cabe mencionar que no aparecen escenas explícitas pero sí que transmiten con claridad el incesto. Por ejemplo, en una de las secuencias la madre pide a sus hijos que se den una vuelta en pelota picada para su posterior valoración y después les ordena que espabilen que hay que ampliar la familia Peacock. Sin duda entre sus elementos más polémicos se hallan el entierro de un bebé, la insinuación del incesto y un asesinato a palos de un humilde matrimonio.

Cuando el guión llegó a manos del productor del episodio, un tal Joseph Patrick Finn, pensó que los guionistas habían fumado demasiado peyote y al mismísimo creador de la serie, Chris Carter, se le aconsejó de no volver a sobrepasar los límites por el bien de la serie. Ya hubo problemas de inicio con el capítulo ya que como hemos comentado la familia “Peacock” entierra vivo a un bebé nada más nacer. Los directivos intentaron paliar la crudeza de la secuencia y silenciaron los lloros del bebé nada más ser enterrado, ya que en la versión inicial los gemidos del nacido se escuchaban desde bajo tierra. Horrible.


Me ha entrado hambre.
Es más, en la versión en DVD se puede escoger si quieres la escena con llanto o sin llanto (ja).
Por esta razón, dada la dureza de la historia para una serie “comercial” y dados los tiempos un poco inocentes en los que vivíamos (nuestro foco de perversión o sea el internet estaba aún en pañales); se emitió el capítulo sólo una vez por antena. La conservadora Fox tardó bastante tiempo en realizar una redifusión de ese mismo episodio.
El director del capítulo Kim Manners comentó que para él había sido el mejor capítulo de Expediente X; un hecho bastante lógico ya que lo filmó él. Al que David Duchovny también respondió que le había gustado mucho pero la historia en sí no le había dado terror sino la idea de que el humano viva con el instinto natural de la procreación. Entendemos a Duchovny lo duro que hubiera sido para él, el hecho de tener sexo exclusivamente para procrear.



Por último, el capítulo cuenta con un elemento que da auténtico escalofrío y que ha perdurado en mi eternamente; y no es más que una pegadiza canción llamada “Wonderful, Wonderful” que suena cada vez que la familia Peacock conduce su coche. Esta melodía suena mientras asesinan "a lo bestia" al Sheriff y a su mujer, lo que hace la situación aún más hilarante. Este hit está compuesto por el cantante Johnny Mathis que al leer de que iba el capítulo prohibió tajantemente que se utilizara su sintonía. Por este motivo, se contrató a un cantante de voz similar al original, un tal Kenny James, donde canta esta canción que es tan agradable como atroz.



La inspiración del capítulo:

La familia Peacock  se inspiró en un documental llamado Brother’s Keeper (Hermano guardián). La historia trataba sobre una familia rural de cuatro hermanos analfabetos que vivían aislados de la civilización y de las leyes. Habitaban en una especie de cabaña semiderruida y esporádicamente bajaba uno de ellos a la ciudad, en tractor. Uno de los hermanos, William Ward, llevaba agonizando unos años por enfermedad hasta que falleció supuestamente por asfixia. Según la policía, había sido asesinado por otro de los hermanos, Delbert Ward y las autoridades rápidamente forzaron a este pobre hombre a firmar una declaración de homicidio sin saber leer ni escribir. Esto levantó ampollas entre los vecinos de aquel condado y fue tal su repercusión que el hermano fue puesto en libertad. Se cuenta que Delbert pudo matar a su hermano por compasión, para no verlo sufrir por la enfermedad o por una relación sexual entre hermanos (con estrangulamiento incluído) que se les fue de las manos, ya que hallaron semen donde no tocaba. Muy a lo David Carradine.


Familia Ward, fuente de inspiración de la familia Peacock
Una segunda influencia sobre el episodio es un libro de éxito llamado The book Dark Nature: A Natural History of Evil de un tal Lyall Watson, que atribuye la maldad humana en la biologia de cada individuo. En el primer capítulo del libro relaciona el comportamiento del reino animal con la conducta del ser humano. Esta supuesta influencia del libro se refiere a un momento del episodio cuando el ayudante del Sheriff es asesinado a causa de una trampa preparada dentro de la casa de los Peacock.  Uno de los hermanos (el dominante) empieza a realizar aspavientos para que el resto de los hermanos sepa que el ayudante está muerto y que ya se pueden acercar sin peligro. Todo este suceso es explicado por Mulder y da entender que la familia Peacock se rige por la ley de la naturaleza; y que los agentes del FBI son el intruso que entran en la guarida de los Peacock para arrebatar la única posibilidad de reproducción que tienen.



Esta es la mejor… La impactante escena final del capítulo que es aquella en la que Mulder y Scully encuentran a la madre de los Peacock atada a una madera con ruedas, está inspirada en un suceso autobiográfico del famoso actor Charles Chaplin. Este acto marcó profundamente a uno de los guionistas del capítulo, Glen Morgan. Cuenta la biografía del actor que encarnaba al popular Charlot que mientras aprendía el oficio en la British Musical Centre, tuvo que alojarse en casa de una desconocida familia. Un día esta familia decidió presentar su hijo a Chaplin que habitaba en un piso superior. Se ve que el hijo de la familia no tenía brazos ni piernas y estaba atado a una tabla debajo de una mesa. Cuando sacaron el hijo al exterior, todos se pusieron a bailar y a cantar a su alrededor y al finalizar la fiesta volvieron a colocar al hijo de la familia debajo de la mesa. Charles Chaplin quedó horrorizado y yo también al leer esto.



Filmografia:

El episodio fue escrito por Glen Morgan y James Wong que volvían a Expediente X después de dejarlo en la segunda temporada para crear en ese tiempo la desconocida serie sobre un grupo de marines en el espacio, Space: Above and Beyond (1995). La serie iba para cinco temporadas y solo duró una pero en el 2005 se lanzó al mercado el DVD y fue todo un un éxito. Suele pasar.

Estos dos amigos son los artífices de la entretenida Destino Final (2000) y de la película El Único (2001) del gran Jet Li. Sin embargo el hábil Glen Morgan rompió la “dupla” y dejó solo a su “compi”, James Wong, para que dirigiera aquello... sí...aquello... Dragon Ball Evolution (2009) y así propiciar que el linchamiento recayera merecidamente sólo sobre el asiático.


Wong, avísame cuando hagas Dragon Ball que tengo que ir a comprar tabaco.
El capítulo fue dirigido por el fallecido Kim Manners (1951-2009) y fue un director que trabajó exclusivamente para series como Sobrenatural (2005), Star Trek (1987) o Mission Impossible (1988).
El sheriff es interpretado por un desconocido actor llamado Tucker Smallwood y ha participado en películas como Deep Impact (1998), Contact (1997) y en la serie Star Trek: Voyager y Star Trek: Enterprise.
Su ayudante en el capítulo es el actor Sebastian Spencer y fue protagonista de la serie de ciencia ficción “El Elegido” (First Wave,1998), producida por Francis Ford Coppola y que en Spain se emitió por las autonómicas.




La madre Peacock es interpretada por Karin Konoval y tiene todas sus extremidades enteras. Aparece en películas como 2012 (2009) o El origen del planeta de los simios (2011) encarnando a la simia Maurice.



Tanto para las prótesis y deformidades de la familia Peacock como para el muñeco del bebé contaron con un maquillador, que actualmente está en auge, llamado Toby Lindala, que fue nominado a los premios Emmys (igualito que los premios TP) por el maquillaje de otro capítulo de la serie llamado “Leonard Betts” que se basaba en un hombre que se regeneraba a sí mismo por medio de unas células cancerosas.
Toby Lindala ha participado en los maquillajes de series como House, Sobrenatural o Érase una vez y en películas de debatida calidad como las Crónicas de Riddick o Destino final 5.


Capítulo "Leonard Betts"
Los hermanos Peacock fueron encarnados por Chris Nelson Norris (Edmond Peacock), Adrian Hughes (Sherman Peacock) y John Troittier (George Peacock) que los conocen en su casa. Pero uno de ellos, Adrian Hughes que aparecía en X-Men Origins: Lobezno, sí que lo conocían en casa de alguien (y en la cama también) ya que mantuvo una relación con Gillian Anderson (Scully) pero rompieron por el insignificante detalle de que él fue acusado por abusos sexuales y violación. Se veía que no era un buen partido.

Sólo Lobezno puede detener a Adrian Hughes.
Curiosidades:

Hay un detalle que me estremece y que se sitúa en la escena inicial del parto de la madre Peacock. En medio del asunto, uno de los hermanos entrega al otro un tenedor como para facilitar la salida de bebé (¿).

Las enfermedades que cita Scully para definir las posibles causas del fallecimiento del feto, como el síndrome del Neu Laxova o síndrome de Meckel-Gruber, son malformaciones reales de tipo genético. Son bastante desagradables por si el ávido lector va directo a “Google Imágenes”.

El coche de los Peacock es un Cadillac descapotable del 1958. La empresa Cadillac mandó un comunicado tras el episodio donde agradecían que se utilizara un coche de su marca.

La madre Peacock está en el maletero.
Mulder y Scully liberan unos cerdos para distraer a los hermanos Peacock y hacen mención de la película Babe, el cerdito valiente. En la versión original Scully para empujar a los cerdos espeta "Naah-ram-ewe” cuando la expresión bien pronunciada es "Baah-ram-ewe”.  Variaron la primera consonante para no verse obligados a pagar derechos de autor.



Cuando el Sheriff presenta a su ayudante a los agentes del FBI le dice que llama Brad y Mulder, muy cachondo, le pregunta ¿Pitt?. Todo esta broma se debe porque en la versión original el ayudante se llama Barney y Mulder le espeta ¿Fife? Y Barney Fife era un personaje de ficción de una serie norteamericana llamada “The Andy Griffith Show” del año de la kika.

El actor Tucker Smallwood que interpreta al Sheriff, era novato en Expediente X y cuando leyó el guión preguntó si todos los capítulos eran así de violentos. Un miembro del reparto le respondió que no, pero que ese capítulo en concreto era horrible hasta para ellos.
A parte de pasarlo mal por la historia del episodio, el actor Tucker Smallwood tuvo que estar encima de un charco de sangre falsa durante hora y media.

Gillian Anderson (Scully) mantuvo una relación con uno de los actores que interpretaba a uno de los hermanos Peacock. (Detalles en filmografía).


No le conoció por "Meetic"
Error: Cuando Scully habla con la señora Peacock, la madre le comenta que no siente dolor a raíz de la mutación generada por la endogamia; pero nada más empezar el episodio se escucha gritar a la madre en el momento del parto.

Expediente X realiza muchas referencias al número 42 en alusión y homenaje al libro Guía del Viajero Intergaláctico de un tal Douglas Adams. Este ejemplar trata sobre un superordenador que tiene la tarea de descubrir el sentido de la vida y del universo. La solución a tal pregunta era el nº 42 (?). Para más inri, ha dado la casualidad que este capítulo es el 4x02 y hay una escena que sigue la incógnita de este número…



Hay una escena eliminada del capítulo que se sitúa en la secuencia en que Mulder y Scully tienen que realizar el examen del bebé muerto en un cuarto estrechísimo por las instalaciones humildes de la comisaría. Cuando entran en el pequeño habitáculo cruzan unas inocentes y embarazosas miradas ya que están obligados a “restregarse cebolleta” durante el análisis. Muy íntimo y acertado dado que tienen un pequeño cadáver entre manos. Es más, en la traducción literal de la escena cuando chocan Mulder y Scully se dicen lo siguiente:
Mulder: Perdona es que llevo una linterna en el bolsillo.
Scully: Y yo que pensaba que acababa de ver satisfecha una curiosidad que tenía desde hace tiempo…

Street Fighter: La última batalla (1994)

$
0
0



Sinopsis:


En la población de Shadaloo, el malvado Mr. Bison (Raul Julia) y sus esbirros Zangief y Dee Jay, retienen como rehenes a 63 trabajadores de las Naciones Aliadas. Mr. Bison amenaza con asesinarlos si el gobierno no le paga un dineral.
Entre el personal secuestrado se encuentra el científico Dhalsim, que en contra de su voluntad, está experimentando con un militar llamado Charlie Blanka para transformarlo en un súper soldado.

Podéis ver a Dalshim con más cabello que el propio Blanka.
Sin embargo, el coronel William F. Guile (Jean Claude Van Damme) de las Naciones Aliadas no atenderá a las demandas del malvado Bison, y junto sus aliados Cammy (Kylie Minogue), T-Hawk y Sawada intentará rescatar vivos a todos los rehenes.
Mientras tanto los reporteros Chun-li, Balrog y Honda retransmiten el conflicto por TV pero sus intenciones van más allá de lo periodístico y pronto se unirán a la causa de Van Damme, no, de Guile, y así derrotar al villano Bison.

En medio del altercado aparecen los estafadores Ryu y Ken que intentan cerrar un trato fraudulento de venta de armas con los criminales Sagat (Wes Studi) y Vega, proveedores oficiales de Bison. Sin embargo el intercambio se tuerce y se origina una batalla campal que obligará a Ryu y a Ken a dar su apoyo al bando de Van Damme...de Guile.



Película:

En el 2009 pusieron a caldo la última versión cinematográfica del videojuego de Capcom, Street Fighter. Su título era Street Fighter: la Leyenda (de Chun-Li) y el simple hecho de que nuestro patrio personaje, el taurino y “catalán” Vega (según la wikipedia), fuera interpretado por uno de los componentes de los Black Eyed Peas de nombre Taboo, no me inspiraba mucha confianza. Por este motivo y muchos más, Street Fighter: La última batalla me cae bien.


Vega (Taboo), con su garra hace pa amb tomaquet
Como era de esperar la película fue masacrada por críticos, fans y espectadores que pagaron la entrada pero por esta razón se convirtió en un gran éxito de taquilla dado que costó hacerla 35 millones de dólares y triplicaron los beneficios recaudando aproximadamente 99 millones en todo el mundo.
Esta gran taquilla se originó gracias a los adolescentes que acudieron en masa al estreno de la película alucinados por el videojuego original. La productora a sabiendas de qué público es el que da más dinero, forzó al director a realizar la película para mayores de 13 años con la consecuente limitación de violencia que tanto gustaba en la década de los 90; y el resultado fue un film con un aire infantil que tiraba para atrás. En una breve encuesta, los menores de 18 años amaban el film por su acción continua y los mayores de 25 años la veían como una comedia de acción pero la edad comprendida entre los 18 y los 25 años escupieron literalmente contra el proyector de la sala.

El desastre se veía a leguas con la elección de un director novato como Steven E. de Souza. Para más inri la productora le pidió que en menos de un día tuviera escrito el guión porque los “japos” de Capcom (creadora del videojuego) venían a comer al día siguiente. Como también era de esperar entre karaokes y prostit… a los japoneses les pareció de Óscar el libreto entregado por el guionista de Jungla de Cristal, de Souza.

De Souza, Chun-li y Cammy

Ante la aceleración del proyecto, el equipo de rodaje tuvo sus problemas. El director tuvo que lidiar con las mismísimas Naciones Unidas, ya que dicha organización se negó a que se usara su nombre en el filme. El firmante de Street Fighter tuvo que cambiar todas las iniciales “U” por “A” de todos los decorados de las localizaciones, originando que Van Damme fuera el jefe de las Naciones Aliadas y no de las Unidas como estaba previsto. También se vieron obligados a modificar la escena final donde las Naciones Aliadas se dirigen con helicópteros militares hacia la fortaleza de Bison. Esta secuencia se rodaba en Tailandia y justamente ese país se encontraba en conflicto con el país vecino, Birmania. Si los birmanos hubieran visto todos esos helicópteros de combate volando a ras de río se podría haber formado un buen berenjenal. Finalmente, los helicópteros fueron sustituidos por lanchas y todo quedó más discreto.


No obstante, hay que valorar el inestimable sentido del humor del director Steven E. de Souza porque hay secuencias dignas a reseñar. Por ejemplo, aquel momento en el que Bison intenta seducir a Chun-li ataviándose con un batín a lo Hugh Hefner para posteriormente preparar unos cócteles, es inolvidable. O aquella escena en la que Zangief y sus amigos observan impotentes desde un monitor cómo se va a estrellar un camión con explosivos hacia su base. Zangief, muy astuto, para evitar dicha colisión, pide que cambien el canal del monitor. Supongo que en estos instantes formaría parte del grupo mayor de 25 años que ve esta película como una comedia de acción. 


Mr Bison en modo "seduction".
Puedo afirmar que Street Fighter: La última batalla tras el paso de los años ha ganado simpatía pese a su innegable mediocridad; y este encanto la ha transformado en una película que para bien o para mal permanecerá en nuestra gloriosa infancia. Infancia “freak”.

Ficha técnica:



El culpable de este divertido despropósito fue el alabado Steven E De Souza; guionista de obras maestras del género de acción como Jungla de Cristal (1988), Comando (1985), Perseguido (1987), Superdetective en Hollywood III (1994), Límite: 48 horas (1982) o Juez Dredd (1995); (sí, me gusta Juez Dredd). 

Tampoco hay duda que estamos ante una de las peores películas protagonizadas por Van Damme pero tampoco hay duda que se llevó una pasta por participar en ella (7 millones de dólares). Es más se rumorea que Van Damme rechazó el papel protagonista del gran clásico de acción, Speed, del realizador Jan de Bont para poder participar en Street Fighter. No hace falta decir que Keanu Reeves consiguió un éxito atroz como actor gracias a esta película.



Mr. Bison fue interpretado por el puertoriqueño Raul Julia (el "padre” de la Familia Addams) y falleció en el octubre del 1994. Murió dos meses antes de que se estrenara el film por un infarto de miocardio provocado por un cáncer de estómago, aunque se rumorea que pudo fallecer de Sida. Raul Julia aceptó participar en esta película para estar más cerca de sus hijos ya que ellos eran fans del videojuego y le ayudaron a meterse en el papel. Fue nominado a los premios Saturn Award como mejor actor secundario y se dedicó la película al intérprete con un sentido “Para Raúl. Vaya con Dios” en los créditos finales. En el film se aprecia su extrema delgadez y palidez, motivo de peso para pensar que quizás no era la mejor alternativa para dar brincos y tollinas contra el portentoso Van Damme.



La diferencia curiosa entre la eminencia y la discutida calidad de la película reside en su dirección de arte. Participó en Street Fighter un tal William J. Creber que fue nominado a los óscars en diversas ocasiones. Este artista había trabajado en grandes obras de la era del pleistoceno, como el Planeta de los simios (1968), la aventura de Poseidón (1972) o el Coloso en llamas (1974). Al rodarse la película entre Tailandia y Australia su trabajo consistía en disimular el contraste visual que podía reflejar los cambios de cultura en los escenarios del filme.

Por último destacar la presencia de la hermosa cantante Kylie Minogue, en el rol de Cammy, que le ofrecieron el papel cuando el director Steven E De Souza ojeaba una revista titulada Who y se percató que Kylie estaba entre las 30 personas más atractivas del mundo. Y no dejarme la aparición de la actriz Ming-Na Wen como Chun-li, famosa actualmente por la serie de Marvel que está arrasando en los EEUU llamada los Agentes de Shield (2013).



Diferencias y “guiños”:

Personalmente, Street Fighter visionándola con otros ojos es una película entrañable, simpática e “infantiloide” pero no es apta para aquellos que tienen un refinado gusto cinematográfico y menos para los seguidores acérrimos del videojuego (o de Van Damme), ya que la mayoría de las historias de los personajes están escritas con resaca. También influyó bastante que el director decidiera no incluir elementos sobrenaturales en los golpes de los personajes y con ese detalle provocara que la película perdiera esencia respecto al videojuego. El vivo ejemplo se halla en una de las escenas en que Ryu perpetra un ¡Haduken! (Kameame) a dos dedos de distancia de Vega y lo único que se destella es un fundido a blanco hecho con Movie Maker.

Sin duda, las diferencias y similitudes entre el videojuego y el film son abundantes, citaré unos ejemplos:

En el videojuego, Chun-li es una gran agente de la Interpol pero en el filme es solamente una reportera karateka. En la película, el personaje de Dhalsim es un reputado científico pero en el juego era un analfabeto guerrero indio y por supuesto; no esperéis que en la película alargue alguna de sus extremidades. Ryu y Ken son unos estafadores de poca monta en la película pero en el juego son unos disciplinados alumnos de artes marciales.

Honda se parece más a un juerguista “hawaiano” con destino Las Vegas que a un venerable luchador de sumo. Balrog el boxeador, aparte de ser periodista en la película, es de los buenos; cuando en el videojuego (si no erro) era el primero de los cuatro enemigos o “jefes” finales.


Callejeros "Fighters"
En el videojuego, Guilelucha en el torneo para vengar la muerte de su amigo Charlie, fallecido por una explosión en la fortaleza de Bison. Y siguiendo en el juego, el personaje de Blanka mutó a ese color verde tras tener un accidente de avión en una selva infestada de clorofila y anguilas eléctricas (más o menos). ¿Qué nos sacamos de la manga para la peli? Que Blanka es Charlie mutado, y para que quede más brasileño, lo llamamos Carlos Blanka. Como se puede observar si Zangief se hubiera dedicado a la taxidermia hubiera entrado dentro de la lógica.

Aún así, el director coló algunos guiños del videojuego en el film. Por ejemplo, se puede ver como el panel de control de la plataforma flotante con la que se desplaza Mr. Bison es el mismo panel que se utiliza en la máquina recreativa del juego. También cuando acaba de usar la máquina espeta un “Game Over”.



Chun-Li, Balrog y Hondarealizan una función de magia en el complejo de Mr. Bison. El truco comienza escondiendo a Chun-li dentro de un barril y en dicho bidón se puede leer la palabra “Capcom”, la empresa creadora del videojuego.
En la batalla final entreGuile y Mr Bison se espetan frases como “¿Eres lo suficientemente hombre para pelear conmigo?” o “cualquiera que se oponga será destruido”. Estas coletillas son las que gritan estos personajes después de ganar en el videojuego.



En el salón de negocios de Sagat se puede observar la estatua de una mujer “buda” tumbada en homenaje al escenario de este personaje en el videojuego. En la batalla final, Guilegolpea a Bison contra una campana en referencia a que también aparece esta campana en el escenario de Mr. Bison en el videojuego.


Muchos de los golpes característicos del videojuego aparecen en la película como la mítica patada de Guile, el tornado eléctrico de Bison, el “ridículo” Shoryuken de Ken, la patada giratoria en el aire de Ryu, la voltereta más el golpe bajo de garra de Vega o el múltiple golpe con la palma de la mano perpetrado por Honda.



Videojuego:

Después del “flamante” estreno del film se lanzó al mercado el videojuego de la película para máquina recreativa, las del clásico Insert Coin, que se titulaba Street Fighter II: The Movie. Este videojuego es el primero de la historia que se creó a raíz de una película y usaba el mismo sistema de combates que el clásico Street Fighter II pero con los personajes digitalizados de la película, muy al estilo Mortal Kombat. No deja de ser curioso el poder luchar con un Van Dammereal en un videojuego.


Y por supuesto, se añaden dos personajes nuevos que aparecen en la película. El primero es el compañero militar de Guile (Van Damme), llamado Sawada, y el segundo personaje es un soldado de Mr. Bison que en realidad se divide en cuatro personajes según el color de su atuendo (Arkhane, Blade, F7 y Khyber).

Como curiosidad este Sawada se creó para ser el reemplazo del personaje del videojuego, Fei Long, el cual se desestimó su aparición en la película por el parecido de sus movimientos a Bruce Lee.



A parte de la versión para recreativa, Capcom no tardó en sacar el mismo videojuego para los módulos Playstation 1(sí, la primera) y para la Sega Saturn (sí la primera y la última) con algunas diferencias con la versión hermana de las insert coin. Por ejemplo, se añadieron los personajes Blanka y Dee Jay y se eliminó el soldado de Mr. Bison como nuevo personaje; ya que tanto su vestimenta como sus movimientos se asemejaban una barbaridad a personajes del videojuego Mortal Kombat y estos no estaban para plagios.


El videojuego está clasificado en la séptima posición del ranking "peor juego basado en una película". Se sitúa en la lista entre los videojuegos “mierders” de Regreso al Futuro y del 5º elemento. Como curiosidad lidera el ranking el juego de la película los Ángeles de Charlie (2000).

Muñecos y bso:

No era de extrañar que se pusiera a la venta la banda sonora de la película para sacar cuartos de donde se podía. El CD reunía a célebres estrellas del hip hop como Ice Cube(Fantasmas de Marte, 2001) o Ll Cool J (Cazadores de mentes, 2003) que casualmente son actores. La banda sonora también contaba con los Public Enemy y el gran Mc Hammer completando un CD bastante potente. Destaca el tema The pharcyde – Pandemonium con imágenes del videojuego en su videoclip o la buenísima canción ochentera/noventera de superación (que siempre cae) interpretada por el grupo japonés Chage and Aska – Something There” donde aparecen Van Damme (Guile) y la actriz Ming-Na (Chun-li) en tono muy sugerente. Pero donde la banda sonora cuesta lo que vale o vale lo que cuesta es en el videoclip de la canción Straight to my feet – Mc Hammer/ Sanders, donde aparte de retransmitir un aroma festivo digno de las mejores bacanales, ver bailar juntos a Mc Hammer y a Van Damme, por cierto este dándolo todo, es realmente impagable.

Aprovechando el éxito de la película entre los más jóvenes, la empresa de juguetes Hasbro sacó al mercado una tirada de muñecos y vehículos de la película, hechos con los moldes de los muñecos Gijoe.



Secuelas (y metralla) de la película:

Nadie duda que una secuela de esta película hubiera sido una broma que años más tarde nos hubiéramos reído a lo bestia; pero en el 2003 el gran Dolph Lundgren puso el miedo en el cuerpo cuando dijo que estaba rodando la segunda parte de Street Fighter con el “belga de oro” Van Damme. Y se rumoreó que la cantante/actriz Holly Valance iba a sustituir a Kylie Minogue en el papel de Cammy, pero todo quedó en agua de borrajas. Más tarde se le ofreció una pasta a Van Damme para que participara en Street Fighter la Leyenda (2009) pero comentó que ya había ganado mucho dinero y que no quería hacer ese tipo de películas para volver triste a casa.


Holly Valance
Pero no estaba todo perdido ya que del año 1995 al 1997 se creó una serie de dibujos animados siguiendo la “increíble” trama abierta que nos dejó el film. No me puedo ir sin comentar un par de curiosidades de la serie como por ejemplo que el personaje Vega fuera bastante torpe con su garra ya que eso evitaba unas sangrías y unos cercenamientos muy indecorosos para unos dibujos animados. Y la otra simpática curiosidad es que en varios capítulos de la serie se montan un “crossover” (fusión) con los personajes del videojuego Final Fight, también de la empresa Capcom.


Cody, Ryu, Ken y Guy
Curiosidades:

Uno de los productores de la película fue Edward Pressman, que tiene un cameo en la película como cocinero abandonado y que justamente ese mismo año también produjo El Cuervo de Alex Proyas. No se puede dudar del mal fario de este buen hombre ya que en las dos películas que produjo fallecieron los actores Raul Julia y Brandon Lee antes del estreno de sus respectivos filmes.

Street Fighter, independientemente de su calidad, es la segunda película con más recaudación de la filmografía de Van Damme, sólo superada por Timecop (1994).

La película se estrenó el 23 de diciembre del 1994 y según datos fiables, el 23 de diciembre es el aniversario del personaje de Guile. Si en el 1994, cumplió 34 años, estamos hablando que actualmente Guile tendría 53 años.

Street Fighter fue seleccionada entre las siete películas para los premios Saturn como mejor film de ciencia ficción y fantasía pero se llevó dicho galardón la magnífica Stargate (1994).

La infame foto final donde todos los personajes ejecutan una “pose” a la vez, son las mismas celebraciones que sus homólogos realizan cuando vencen el combate en el videojuego Street Fighter II.


El Esperanto es un lenguaje universal creado en el siglo XIX con la finalidad de poder comunicarnos entre todos los ciudadanos del mundo independientemente de la lengua autóctona. Siendo la primera vez que escucho tal cosa, en el film se utiliza en varias ocasiones este lenguaje. Por ejemplo, durante la pelea entre Ryu y Honda, hay un texto en la pared en Esperanto : " Atenti incinerato - Esti Zorga " , que significa : " incinerador Precaución - Tenga cuidado ". También en el laboratorio de Dhalsim, el soldado que vigila el recinto está leyendo una revista llamada “Amaristo” que en inglés significa Playboy.


En la película se escucha por un altavoz !Good Morning Shadaloo¡ en el mismo tono que el !Good Morning Vietnam¡ que voceaba Robin Williams en la película Good Morning Vietnam de 1987.

El hombre que tortura con un látigo a Honda es el boxeador (y actor) Joe Bugner, importante púgil que peleó y perdió contra los grandes Muhammad Ali y Joe Frazier.

En la habitación de Mr Bison hay un cuadro donde aparece dibujado su autoretrato como disfrazado de payaso y con un trazo muy característico. En realidad ese dibujo y ese trazo pertenecen a un sanguinario asesino en serie llamado John Wayne Gacy que trabajaba de payaso llamándose “Pogo the clown”.

Van Damme confesó en una entrevista de la película “Los Mercenarios 2” que tuvo una aventura con Kylie Minogue cuando coincidieron en Street Fighter. Pero lo bueno es que Van Damme tenía pareja en aquel momento, Darcy Lapier, ¡y participó en la película! Se puede ver el cameo en la escena que el personaje Guile pone un vídeo doméstico para recordar lo bien que se lo pasaba con su amigo Charlie (Aka Carlos Blanca).


El personaje Guile es un miembro de las fuerzas armadas norteamericanas; y por eso no cuadraba el inglés medio francés de Bélgica de Van Damme en la VO de la película.

En la escena de batalla entre Honda VS Zangief se observa como destrozan la ciudad en miniatura del diseño de Bison. En el auge del combate se pueden escuchar sonidos de Godzillacomo homenaje al país nipón que formaba parte de la co-producción de la película.

Si te esperas a que finalicen los créditos finales, verás como se alza un puño entre las ruinas dando a entender que Mr Bison tiene cuerda para rato. Esta escena fue exclusiva para el cine europeo.



GAME OVER.



Misterios de Argail: Pueblo maldito de Marmellar (Tarragona)

$
0
0
Basado en hechos reales:

Marmellaaaaaaargh!
Reconozco que me atrae considerablemente todo aquello que resulte difícil de comprender y que me divierte profundamente cualquier hecho que no tenga explicación empírica alguna. Cuando la situación lo requiere intento mantenerme lo menos escéptico posible sin alcanzar cotas máximas de llevar una fotografía de Sandro Rey estampada en una camiseta. Por este motivo me veo en la obligación de saltarme los parámetros establecidos y divagar sobre el trayecto que me acaeció hará unos días cuando nos dirigíamos yo y tres compañeros hacia el pueblo maldito de Marmellar(Tarragona). Toda una “true story”.

En España hay más de 3.000 pueblos totalmente despoblados y olvidados, y si perduran los tiempos que corren, muy pronto habrá ciudades desoladas. Lo curioso es que dada la crisis muchos ayuntamientos ponen a la venta estos pequeños núcleos urbanos para ser adquiridos por valientes compradores. Actualmente este fenómeno es todo un “bum” y por ejemplo, en Cataluña se puede encontrar una lúgubre aldea por el módico precio de 250.000 euros. Lo que no se imagina el comprador (o seguro que sí) es que la reforma del solar y del inmueble puede cuadriplicar el capital inicial. Por esta razón, el 80 % de los interesados son extranjeros en especial noruegos, ingleses, franceses y rusos; y si este mercado no lo para nadie pronto veremos en nuestras pistas forestales inquilinos cazando tórtolas con un Kalashnikov.

Marmellar y su leyenda negra:

El pueblo abandonado de Marmellar se ubica en la frondosa sierra del Montmell, en Tarragona y se sitúa en una especie de valle tapado por la vegetación que impide localizarlo a simple vista. Se da fe de este hecho ya que aunque se contaba con las indicaciones de un oriundo de la urbanización colindante, la fantasmagórica Atalaya Mediterránea, estuvimos caminando unas tres horas en círculo sin encontrar dichas ruinas agotando nuestros víveres.



Cuando finalizó la guerra civil española, los ciudadanos de Marmellar empezaron a abandonar sus casas por los motivos clásicos de aproximarse a las grandes ciudades y porque según cuentan; la tierra de la cual vivían los lugareños era propiedad de hacienda y se asignó un agente rural para cuidar esa zona. Ese control por parte de hacienda originó injustas multas y un malestar progresivo que desembocó a que el pueblo quedara totalmente desértico.

Pero la leyenda maldita de Marmellar no se establece en tiempos remotos sino en la cercana década de los 90. En el año 1993 y con un país compungido por los atroces crímenes de Alcácer, unos cazadores encontraron el cadáver calcinado de una mujer con una edad comprendida entre los 20 y 30 años. El cuerpo se hallaba dentro de la fosa del sacerdote de la mismísima iglesia abandonada de Marmellar. Antes del asesinato, esta pequeña urbe desolada era célebre por ser un lugar predilecto para la celebración de ritos satánicos. A día de hoy aún se pueden leer algunos escritos demoníacos por las paredes de la zona; por lo que no se descarta que la mujer hubiera sido asesinada en mitad de una misa negra.

La mujer fue quemada encima de un colchón antes de ser trasladada a la tumba del cura de la iglesia y también tenía los dedos de las manos seccionados como si los asesinos hubieran querido eliminar pruebas o si la parte amputada formara parte de algún tipo de ofrenda diabólica. Lo curioso del caso, es que actualmente nada más entrar en el pueblo, en la primera casa a la derecha se hallan unos restos quemados de un colchón, dando un poderoso tono insano al lugar. Muchos son los testigos que han visto a altas horas de la madrugada a personas que se acercaban al pueblo en coches de alta gama y con atuendos idóneos para este tipo de celebraciones negras. El punto álgido del caso es que nunca se pudo identificar a la víctima aunque se sospecha que se trate de una prostituta de la zona pero lo que es más grave es que tampoco se ha podido detener a los asesinos. Esto significa que hace ya 20 años que corren entre nosotros unos asesinos sin identificar.

El segundo crimen fue mucho más estremecedor ya que la víctima era una conocida de la zona y esta vez sí que había nombre y apellidos en el caso. En febrero del 1996, un agricultor encontró el cadáver de Ana María Marín de 19 años debajo de una puerta abandonada en un bosque cerca de Marmellar y de la urbanización Atalaya Mediterránea. La víctima trabajaba en una solitaria gasolinera de la zona y en el momento de su hallazgo presentaba parte del cráneo aplastado y claras evidencias de haber sido estrangulada. Actualmente la gasolinera aún permanece en la zona y como sucedió en el anterior crimen, se desconoce la autoría.


Cuaderno de bitácora:

Una mañana de viernes nos dispusimos a realizar el típico campo a través por la sierra verde del Montmell, a espaldas de las montañas de Montserrat donde el nazi Himmler perdió la chancla buscando el cáliz de cristo. Siguiendo nuestro camino imaginario hacia Marmellar, cada cinco minutos nos fuimos encontrando unas manchas de sangre en el terreno y se supuso que pertenecían a algún jabalí herido al ser alcanzado por el disparo de algún cazador.


Ya con la tontería detrás de la oreja, nuestra sorpresa fue mayúscula cuando empalmamos un camino de cabras con una carretera totalmente asfaltada, alcanzando la fantasmagórica urbanización de Atalaya Mediterránea. Esta urbanización, de diez chalets, la mitad estaban derruidos o tapiados y disponía de un parque infantil que más que un lugar de ocio para la infancia parecía más una zona de pruebas nucleares. Me imaginaba toda la terrorífica urbanización llena de maniquíes (dummy) esperando su ración radioactiva. Sin embargo, llegamos a la urbanización faltos de agua y nos vimos obligados a llenar nuestras recicladas botellas de una manguera que se ubicaba detrás del famoso parque infantil. Aquella agua era veneno amasado pero era lo único que disponíamos a nuestro abasto. Desde aquel día me noto una seria protuberancia en el costado quizás producida por la ingesta del no insípido líquido.

En la misma urbanización, llegamos a un mapa de la zona que se situaba junto a unos buzones totalmente destruidos aún con los nombres y apellidos de sus vecinos, pero por ese lugar no pasaba un cartero desde que murió Chanquete. Y al más puro estilo película de terror de James Wan, encontramos vida al final de la calle. Estuvimos observando con esmero como se nos acercaba paulatinamente una octogenaria con un extraño caminar. Cuando empezamos a sentirnos amenazados, la señora alzó su rostro, viró 180 grados y huyó de nosotros como si en aquel instante hubiera aprendido un curso acelerado de Parkour. De pronto, surgió el hijo de esta señora de algún lugar inhóspito con un extraño semblante; y muy amablemente nos comunicó las indicaciones necesarias para llegar a Marmellar.

The ghost urbaniseison
Cuentan que esta urbanización nació en la década de los 60 para ser la más lujosa de Cataluña. La constructora prometió las edificaciones de un hotel, una pista de tenis, un golf y un club selecto pero según confirman hubo un asunto turbio entre la constructora y el ayuntamiento, y al más puro estilo “el Pocero”  todos los proyectos sufrieron un “coitus interruptus” quedando todo parado. No hay que ser ingeniero de caminos para ver que ese terreno no es edificable y en el pasado ya tuvieron sus problemas para llevar las cañerías de agua a la zona donde según dicen, los pocos inquilinos que residían utilizaban un pozo del mismo constructor.

Actualmente he leído por la web a personas que afirman que en esta urbanización solo hay jolgorio y algarabía pero también es bastante sospechoso que a cada comentario de este calibre aparezca un anuncio desesperado con la intención de vender la casa o la parcela que poseen en esa urbanización. Dios me libre… efectivamente había un Dina4 colgado en un poster de anuncios que indicaba la celebración de las clásicas fiestas de la urbanización donde iba a pinchar como DJ un tal “Peperoni”; pero no puedo confirmar que el anuncio festivo perteneciera a ese año. Supongo que un viernes a las 16 horas de la tarde era mala hora para encontrar ser vivo alguno a excepción del androide T-1000 transformado en una amable octogenaria que localizamos en una de las viviendas.


El T-1000 viene del pasado.
No quiero dejarme en el tintero que en el transcurso del camino hacia la urbanización contemplamos el Hostal Atalaya también abandonado a la mano de Dios. Según cuentan los mismos que intentaban vender una parcela en el foro donde me informé, el hostal fue un gran éxito de público y  se formaban largas colas para probar los suculentos platos de su restaurante. En estos momentos si entraras en el hostal vivirías en tus carnes aquella escena de la película el Resplandor cuando Jack Torrance habla con el camarero fantasma. Uno de los motivos del cierre del hostal fue por el insignificante detalle de la dificultad de llevar agua a la zona.


Al avanzar nuestro camino fuimos aumentando el halo de misterio y nos topamos con una impresionante antena del tamaño de un polideportivo, con cámaras de seguridad y con un amenazante cartel. La antena es propiedad de Aena pero aquella construcción nos parecía más  un sistema pionero de detector de Ovnis sacado de la película Contact. La realidad es que una antena de tales dimensiones construida en medio de una urbanización medio abandonada y con un acceso realmente difícil, te lleva a pensar cualquier tipo de opción “conspiranoide” aunque después simplemente este la antena allí solo para facilitar el envío de Sms.


Hacía Marmellar:


Finalmente encontramos el camino correcto que nos llevaría hasta Marmellar pero no sin encontrarnos un duro escollo por la vía que retrasaría aún más nuestra llegada al pueblo. A 50 metros de nosotros apareció un agricultor que nos indicó agresivamente que saliéramos “de estar cerca” de su propiedad porque iba a llamar a la policía. Investigando sobre este famoso personaje por la web, se puede decir que con nosotros fue amable ya que este individuo en anteriores ocasiones suele amenazar a tiro de escopeta. Sin embargo, teníamos dudas de que ese camino fuera el correcto ya que encontramos visibles señales de propiedad privada seguramente bien puestas por el “pagés” con la finalidad de ahuyentar a los extraños.

En medio de las amenazas e insultos me armé de valor y le consulté si íbamos bien dirigidos hacia Marmellar haciendo caso omiso a sus improperios. Conseguí que me dijera que sí y el caballero viendo que nos estaba ayudando y que estaba siendo demasiado amable, retornó a su modo “amargueitor” y prosiguió con sus amenazas aún estando a varios km de nosotros.
No se puede culpar a ese hombre de su malhumor ya que debe haber vivido toda su vida en esa zona y supongo que tiene que estar hastiado de todo lo que habrá visto transitar por ese camino. Sectas, policías, asesinos y gamberros habrán sido su pan de cada día. La verdad que los dos contactos humanos de nuestra salida demostraron una desconfianza desmesurada.


Por fin llegamos a Marmellar pero se nos hizo bastante tarde y nuestra visita fue rápida. Efectivamente, en la primera casa nos encontramos el famoso colchón quemado y en la iglesia hallamos la desgraciada fosa donde se encontró el primer cadáver de aquella mujer sin identificar.



No teniendo suficiente emoción, me enfilé por las tortuosas y poco seguras escaleras que dirigían hacia lo alto del campanario. No está de más alertar que cualquier caída en solitario por aquellos parajes puede acarrear una nueva versión a la española del film 127 horas, o también puedes arriesgarte a que esa misma noche puedan encontrarte los amigos de lo diabólico y quieran sustituirte por la gallina que llevaban en su usufructo para el rito de turno. La seguridad es lo primero.


la misteriosa desaparición de la barandilla.
Después de dejar la habitación del famoso colchón, nos desplazamos hacia el mejor lugar de la estancia; el antiguo cementerio del pueblo. Este camposanto está formado por cincuenta nichos y una tumba, ya vacía (solo faltaría), en el suelo. Realmente el lugar ofrecía el respeto y el temor que no acatamos en su momento ya que en un ataque insensato, nos adentramos dentro de los nichos casi formando un perfecto tres en raya.



En vista de que oscurecía y que quedaba la zona de las viviendas por visitar, me dirigí en solitario por las casas donde moraban los antiguos ciudadanos del pueblo. Habría más de doce casas separadas por pequeños caminos y todas ellas con los tejados hundidos que se sostenían en antaño gracias a unas bigas de madera. Las casas conservaban los antiguos hornos (si es que lo son) y aún permanecían en pie los tabiques que separaban las diferentes estancias.



Recuerdo una casa en especial. Aquella vivienda que disponía de una especie de sótano inundado de agua. Me extrañó ver aquel sótano anegado de agua ya que hacía días que no llovía y el resto de viviendas permanecía igual de árido que el terreno que pisábamos. En ese agujero lleno de agua había diversos troncos clavados en vertical hasta el fondo del sótano. Me marché de aquella casa con un leve mal fario pensando que hubiera pasado si hubiera quitado los troncos del inundado sótano. Probablemente hubiera caído por el peso dentro de aquella balsa llena de cachipollas y demás dípteros llevándome un buen susto.
Cerramos el chiringuito y volvimos sobre nuestros pasos con la suerte de que aquel hombre que había interrumpido nuestro camino ahora estaba por otros menesteres.



Sorpresa final:

Cuando llegué al hogar estuve visionando un par de veces el material recogido con el fin de distribuirlo entre mis compañeros de andanzas sin apreciar nada anormal. Pero en una última repasada me di cuenta que en un instante puntual, una especie de vocecilla se asomaba justo al entrar en una de las casas de Marmellar. Efectivamente donde se escuchó la voz pertenecía a la casa del sótano inundado. No se identifica el significado y aparece en el segundo 0:17. El vídeo continua pero aparezco vociferando incongruencias y es conveniente permanecer en el anonimato para evitar la visita de los clásicos hombres de negro. Es irrelevante que afirme que en el vídeo no hay edición alguna pero antes de aventurarme en algo “extrasensorial”, lo más probable es que lo haya hecho yo mismo inconscientemente, lo que los expertos llaman ventriloquia subliminal. Sí, hablo solo. Aún así no deja de ser curioso. La verdad está ahí… pero ahí, ahí.


Masters del Universo (1987)

$
0
0


Sinopsis:

El malvado Skeletor (Frank Langella) ataca por sorpresa el planeta Eternia ayudado por una llave cósmica que le permite viajar a su antojo por el espacio-tiempo. Skeletor no tarda en apoderarse del Castillo de Grayskull y toma como prisionera a su guardiana, la Hechicera (Christina Pickles). El infame Skeletor sabe que si consigue encontrar el poder oculto de Grayskull se alzará como Master of the Universe.


Estás despedido, He-Man.
Sin embargo, He-Man (Dolph Lundgren), Duncan (John Cyper) y su hija Teela (Chelsea Field) desean liberar a Eternia y a la Hechicera del malvado Skeletor pero para tal menester han de encontrar a un cerrajero llamado Gwildor (Billy Barty) inventor y poseedor de una segunda llave cósmica.


Evyl-Lin (Meg Foster) y la llave cósmica hecha mediante una cubertería.
Nuestros amigos encuentran al cerrajero pero He-Man y sus aliados son acorralados por los centuriones de Skeletor y no tienen más remedio que usar la llave cósmica de Gwildor para poder escapar. El azar les lleva a un nuevo planeta llamado Tierra y ahí conocerán a una pareja de terrestres adolescentes (Courteney Cox y Robert Duncan Mcneill) que ayudarán a nuestros héroes a regresar a Eternia. Sin embargo nuestro villano quiere ver a He-Man criando malvas lo antes posible y encarga a la atractiva Evyl-Lin (Meg Foster) que reclute a un grupo de salvajes mercenarios, formado por Karg (Robert Towers), Bestia (Tony Carrol), Saurod (Pons Maar) y Blade (Anthony De Longis) con el fin de destruir a He-Man y a sus amigos.
        


Origen de las figuras de acción (Un poco de historieta):

Según cuenta la leyenda; en la década de los 80 el jefe de diseño de Mattel, Roger Sweet, vivió en sus carnes como su empresa rechazaba la fabricación y distribución de los muñecos de la famosa saga Star Wars, errando soberanamente. Para salir a flote; Mattel encargó con cierta urgencia una nueva serie de figuras a su jefe de diseño. Entonces Sweet, de la manera más inverosímil posible, recubrió de arcilla unos antiguos muñecos que fueron célebres en los años 70 llamados Big Jim. El resultado fue una figura arcillada con aspecto bárbaro y fortachón; para que a posteriori se le pudiera aplicar un precioso taparrabos.



Mattel, que no estaba muy decidida con esta nueva idea, se percata que está en fase de pre-producción la película Conan, el Bárbaro (1982) inspirada en el personaje de Robert E. Howard. Mattel, que no quería caer en el mismo error que con las figuras de Star Wars, llega a un acuerdo para poder vender y distribuir las figuras de acción de Conan y así aprovechar el primer molde perpetrado por Roger Sweet.

Sin embargo, Mattel se alarmó con tono salvaje y sexual que aparecía en la película y no le quedó más remedio que romper el contrato con Conan Properties ya que en esos instantes Mattel era símbolo de Barbies impolutas y vírgenes. Las dos partes decidieron que todo lo fabricado previamente sería echado a la hoguera pero Mattel con cierto disimulo siguió adelante con el muñeco bárbaro y para alejar su semejanza con el personaje Conan no se les ocurrió nada mejor que modificar de moreno a rubio los cabellos del muñeco He-Man, pareciendo un Keninflado a anabolizantes. Estaba cantado que Conan Properties denunciaría a Mattel por plagio, pero no se sabe cómo pero Mattel ganó el litigio.


El sr. Roger Sweet, supuesto creador de He-Man y sus colegas.
Como curiosidad este He-Man primerizo de cabellos oscuros es una reliquia para cualquier coleccionista de los Masters del Universo y tiene como nombre Wun-Dar. No han tardado mucho en crearle una biografía dentro del universo "Masters". Esta es la teoría inicial porque el origen de los Masters del Universo es un símil a la muerte de Bruce Lee, todo son rumores pero no hay ninguna información fidedigna.

Dibujos animados (1983-1985):

Allá en el lejano 1983 Mattel encargó a la desaparecida Filmation que creara una serie de dibujos animados de los Másters del Universo. La empresa Filmation no disponía de buena fama ya que sus antiguos trabajos se inclinaban más hacia la cantidad que hacia la calidad. Para la serie se utilizó el sobado método de la rotoscopia, que no es más que dibujar encima de cada fotograma, estilo videoclip A-ha “Take on me”. Y ahí está ante nuestros ojos, una serie de culto de dos temporadas con sus 130 episodios (1983-1985).



Sin embargo lo más soberbio e hilarante es que cada capítulo finalizaba con una lección moral de lo más peculiar y en mi estudio he podido dilucidar un par de ejemplos de moralina de lo más pedagógica. En un episodio nos enseñan que debemos respetar a los tullidos porque tienen sentimientos (literal) y en otro capítulo nos indican que no debemos subirnos a vehículos con extraños sin explicarnos porque es nociva esa práctica.


He-Man quiere amor y BattleCat no puede huir.
Película:

Tengo un placer culpable y se llama Masters del Universo. No hay nada más gratificante que volver a escuchar el sonido envolvente de un VHS (o de un .avi “ripeado” de un VHS); y me preocupa el ver que Masters del Universo es más entretenida ahora que cuando se estrenó en mis tiempos de pantalón de pana y camisa de leñador.

Sin duda Masters del Universo iba para ser un súper éxito pero fue un pequeño fracaso ya que costó rodarla 22 millones de dólares y sólo recaudó 17 millones. Tal y como estaba escrito el guión se necesitaba un presupuesto de 40 millones de dólares pero la productora Cannon, encargada de la financiación, dijo que nada, que con 15,5 millones (de inicio) era suficiente. Así era la Cannon, muy campechana.


Mítico "I have the Pawa"
El director del film, un tal Gary Goddard y el diseñador de producción, Bill Stout, las pasaron canutas para realizar todos aquellos efectos sin pasarse del presupuesto pactado y para tal fin “contrataron” al gran Richard Edlund, ganador de un óscar por los efectos visuales de la primera Star Wars, que aceptó colaborar más como un favor que por motivos económicos.

Como ya se preveía, el presupuesto se infló de 15,5 a 22 millones y el diseñador Bill Stout dijo que la pre-producción de un film de estas características se realizaba en un año y que ellos la tuvieron que crear en dos meses. El director Goddard cuenta que por culpa del presupuesto la Cannon no le dejó grabar un final lógico para la película y tuvo que financiar con dinero de su bolsillo el combate final entre He-Man y Skeletor.


Gracias al presupuesto se rodó el film con cámaras "Cinexin"
El pobre Goddard que hizo lo que pudo, también cuenta que le cortaron por la mitad la escena final donde Courteney Cox (Sí, la de Friends) se despide de cada uno de los personajes de Eternia provocando lágrimas entre los asistentes de dos de los pre-estrenos que tuvo el film (ya es algo). Tampoco no pudo rodar una escena donde se libraba una gran batalla contra los Hombre Serpiente en las cuevas situadas debajo de Grayskull. En fin, como se observa la crisis presupuestaria fue la tónica del film y en varias ocasiones tuvieron que parar el rodaje. En uno de estos paros, nuestro He-Man, Dolph Lundgren, no pudo evitar el descuidarse un poco y en algunas escenas muestra al espectador una tripa cervecera digna de cualquier seguidor inglés del Leeds United.


!Duncan, Teela, a esta ronda invito yo¡
El director Goddard declara que si hubiera tenido más dinero hubiera realizado la trama en el planeta Eternia y no en la Tierra. También hubiera incluido personajes muy conocidos de la serie de dibujos animados como Orko y Battle Cat. El realizador comentaba quesi se hubieran incluido estos dos personajes en el film tendrían que haberlos creado mediante el sistema stop-motion (estilo King-Kong pero la peli antigua) y esto hubiera originado un tono más cutre a la película. Curioso es que el personaje Orko era un brujo sin piernas y sin rostro que se desplazaba por Eternia flotando por el aire. El director y la Cannon vieron que se les iba su ínfimo presupuesto solamente en hacer volar a este personaje, y por tal motivo el dibujante italiano Claudio Mazzoli inventó a Gwildor, que este sí que era un personaje “de a pie” y si camina, es más barato.


Su director Goddard reconoce que la historia de la película está inspirada en el cómic Nuevos Dioses (DC) de Jack Kirby. El director intentó homenajear a Kirby incluyéndolo en los créditos finales pero la productora Cannon amenazó con llamar a su estrella Chuck Norris si realizaba tal osadía (en sentido figurado).


Skeletor y su parecido "razonable" con Darkseid (Nuevos Dioses).
También se añadió la empresa Mattel en la labor de ponerlo todo más difícil. Mattel rechazó el boceto inicial de He-Man que mostró el jefe de diseño Bill Stout y Mattel hizo su réplica mostrando su propia versión del He-Man que deseaba para la película. Bill Stout cuando vio aquello, afirmó que ese He-Man era poco convincente y que tenía un aspecto anticuado como si fuera cualquier personaje de la serie Cuéntame. Bill Stout, hastiado de la situación contrató al célebre dibujante Moebius (Jean Giraud) para realizar una nueva versión de He-man. Al final, Stout diseñó un He-man cogiendo aspectos de los diseños de Moebius y de Mattel y parece que la cosa fluyó correctamente.

Ampliando el elenco de ilustradores también participó en el film el fallecido Ralph Mc Quarrie, con un óscar en su haber por Cocoon (1985) y célebre por ser el máximo responsable del diseño de Darth Vader. Lo que no hay duda, era la influencia "Darthvaderiana" en los bocetos de Mc Quarrie ya que el diseño que creó para los esbirros de Skeletor, se asemejaban en demasía a una horda de pequeños Darth Vaders. El mismo Bill Stout dijo odiaba a muerte tal diseño ya que después se reflejó en el film.



El personaje de Karg fue maquillado por Michael Westmore ganador del óscar a mejor maquillaje por el film Máscara (1985). Y también contaron con el trabajo de Anna V. Coates, también ganadora de un óscar por mejor montaje en Lawrence de Arabia (1962). Más el compositor Bill Conti,llevo contados en el equipo técnico de Másters del Universo cinco “Oscarizados”. Increíble-ble.


Ficha técnica:

He-Man es interpretado por el magnánimo sueco Dolph Lundgren, licenciado en ingeniería química (ahí lo lleva) y aterrizaba tras un gran éxito después de interpretar a Ivan Drago en Rocky IV (1985). Uno de los aspectos más valorados del film es la interpretación del gran Frank Langella como Skeletor pero lo que más valora uno es que un actor de la talla de Langella, nominado al Óscar por encarnar a Richard Nixon y con una amplia trayectoria profesional, confiese que su rol como Skeletor es su papel favorito. En una entrevista cuenta que aceptó el papel porque su hijo de cuatro años era un auténtico fan de las aventuras de He-man.



Como he comentado anteriormente, el director de este tremendo film es el ex trabajador de Walt Disney y novato Gary Goddard que sólo dirigió este film y posteriormente se dedicó a crear atracciones de gran renombre para la Universal Studios (Terminator 2, Spiderman, Star Trek…). Su guionista fue David Odell que entre su corto currículum se encuentra el guión de la reivindicable película de marionetas Cristal Oscuro (1982), que personalmente me agrada más que Dentro del Laberinto (1986) de temática muy similar.

Gwildor (inventor de la llave cósmica) fue interpretado por el fallecido Billy Barty (Willow) y solamente medía 114 cm. Duncan (Man-at-arms) fue encarnado por Jon Cypher célebre por su participación en la serie "Canción triste de Hill Street" y Teela es interpretada por la atractiva Chelsea Field, actriz que recordamos en el papel de azafata de avión en una de las mejores escenas del film Commando (1985). También destaca el actor Robert Duncan Mcneill como compañero terrestre y pareja de Courteney Cox en el film, famosete por ser el teniente Paris en la serie Star Trek Voyager.

Cox, Robert Duncan, Cypher, Field y Billy Barty con su papel de brujo en Willow.
El Hombre Bestia fue interpretado por el desconocido Tony Carrol y según cuenta el jefe de diseño, Bill Stout, fue el más difícil de diseñar ya que realizó 25 dibujos antes de quedarse con el boceto adecuado. Evyl-Lin está fantásticamente interpretada por la actriz de ojos penetrantes, Meg Foster, recordada por la obra de Carpenter Están vivos (1988) y actualmente en el ("Bijain the") candelabro por participar en aquella paranoia de Rob Zombie, Lords of Salem (2012). Como curiosidad se tanteó a Sarah Douglas para el papel de Evyl-Lin muy recordada como una de las mejores villanas de Superman I y II en el rol de Ursa.


Sarah Douglas y Meg Foster (duelo de féminas).
Como si siguiera la carrera de este productor; aparte de la Cannon esta cinta fue producida por Edward Pressman, recordado por contraer una maldición gitana en el 1994 que originó que ni Brandon Lee (El Cuervo) ni Raul Julia (Street Fighter) vieran sus películas en sus respectivos estrenos. Por suerte y gracias al poder de Grayskull en Masters del Universo todos los actores vieron el estreno. 

Aparte de Gwildor se crearon tres personajes exclusivamente para el film: Karg por Robert Towers que interpretó la versión “viejuna” de Brad Pitt en el Curioso caso de Benjamin Button (2008), Bladeinterpretado por Anthony De Longis, reputado especialista y con un papel en la película de Profesión duro de Patrick Swayze y por último, Saurod hecho por Pons Maar "célebre" (por decir algo) por ponerse dentro de los disfraces de la serie de los 90, Dinosaurios.



No dejarme al personaje detective Ludic interpretado por James Tolkan recordado por su papel como director Strickland en la trilogía Regreso al futuro.

Cannon Group:


En mi juventud cuando veía la típica “entradilla” de la Cannon me recorría una emoción digna de mención ya que sabía que en ese mismo momento iba a ver entretenimiento a raudales y hostias como panes. La productora Cannon, creada por los primos Golan y Globus, fue la encargada de llevar a cabo este film de culto ante nuestros ojos. Su filosofía era sencilla, comprar guiones a bajo coste y realizar el máximo de películas al año.

Golan y Globus eran famosos por realizar una publicidad agresiva y sin tapujos. Llegaron a afirmar que Masters del Universo sería como la Guerra de las Galaxias de los años 80. Con dos “güevotes”.

Es más, iban tan sobrados con Masters del Universo que antes de ver si el film iba a ser rentable o no, la Cannon ya disponía del guión para una secuela y se contrató al director Albert Pyun para llevarla a cabo. Al mismo tiempo se le encargó al mismo director rodar una versión de Spiderman que nunca llegó a realizarse. Albert Pyun, aseguraba que podía filmar una secuela de Masters del Universo por sólo 6 millones de dólares, cuando el director de la primera versión, Gary Goddard, no pudo ni con 22 millones (olé tu). Y se tanteó como nuevo He-Man el surfista Laird Hamilton que como actor no tenía ni papa ya que Dolph Lundgren huyó directamente. No obstante, todo quedó en agua de borrajas ya que la Cannon no pudo hacer frente a los pagos de Mattel y de Marvel, por usar sus personajes.



Sin embargo (o casi embargados) y con el ansia, la Cannon ya se había gastado 2 millones de dólares en escenarios y vestuario para esta secuela.
Y ante tal algarabía la secuela quedó más que descartada pero se recicló el material destinado para Másters del universo II en la entretenida Cyborg (1989) de Jean Claude Van Damme firmada por el director antes dicho Albert Pyun y rodada en un tiempo récord de 24 días. Es más, en muchos países esta película se distribuía con el título Másters del Universo II: Cyborg para conseguir cierto señuelo. Y después de Cyborg, tristemente la Cannon cerró el chiringuito.


Bso:

La banda sonora fue cargo de Bill Conti, oscarizado por la película Elegidos para la Gloria (1983) y creador de la célebre partitura de Rocky. La banda sonora de los Masters del Universo contiene los elementos clásicos para una película de acción y ciencia-ficción y en general es bastante correcta. Y más le valía porque creo que no conozco ningún caso en que la banda sonora suene en el 90 % de un film. Doy fe de esta anécdota con una escena que me cautivó de sobremanera. Hay un instante en que el protagonista terrestre necesita concentrarse pero no puede porque está la banda sonora de la película sonando por un altavoz de la ciudad. Solución rápida, Teela se carga el altavoz con su pistola láser dando a entender que la banda sonora no paraba de sonar.

La banda sonora fue criticada por su influencia y similitud a las fanfarrias de Superman y de Star Wars de John Williams, aspecto innegable. Aún así cuenta con una gran partitura destacando el mágico track “Battle Begins” y la agradable melodía que se escucha cada vez que se activa la llave cósmica, originando que a uno se le erice algo más que los pelos.

 

Curiosidades:

El sueco Dolph Lundgren tuvo que rodar sin dobles ya que fue imposible encontrar personal con 1,96 cm como el que posee nuestro increíble He-man.

El He-Man de Dolph Lundgren atrajo tal popularidad que en la serie de dibujos animados del 2002, He-Man es calcado al actor.

Una jovencísima Courteney Cox aparece en el film y es su debut en una película de repercusión mundial.



La actriz Christina Pickles encarna a la Hechicera de Grayskull y volvería a encontrarse con Courteney Cox en la famosa sitcom Friends interpretando a su madre. Que cosas...

En el film, la Hechicera lleva una especie de corona en forma de plumas de ave. Este detalle es un homenaje a la Hechicera de la serie de dibujos que se transformaba en pájaro (parecido a un agaporni) cuando se alejaba del Castillo de Grayskull.



Se cuentan 70 muertos en el film y Dolph Lundgren se ventila él solito unos 41. También se ha de añadir que la palabra muerto me parece del todo exagerada viendo la película.

El actor que interpretaba a Gwildor estuvo nominado a los premios Razzies como peor actor secundario pero fue derrotado por un tal David Mendenhall de Yo, el Halcón (1987). Masters del Universo fue nominada a los premios de ciencia ficción, Saturn Awards, a mejor película, mejor vestuario y mejores efectos especiales. Y Richard Edlund ganó el premio a mejores efectos especiales en el certamen de fantasía, Fantasporto, en Portugal.

Uno de los soldados de Skeletor se tropieza involuntariamente haciendo un placaje muy digno a He-man con la consecuente partida de caja de Skeletor. Queriendo no hubiera quedado mejor. También al principio del film uno de los soldados de Skeletor vuelve a tropezar con una piedra del decorado. Por último hay un momento del film que a He-Man se le cae la espada. En la escena siguiente ya la tiene bien agarrada (la espada).

 

Mattel realizó un concurso donde el premio era hacer un cameo en el film. Le tocó tal honor a Richard Szponder, un niño de 8 años que aparecía vestido de Pigboy entregando un cetro a Skeletor.



El actor Anthony de Longis, que encarnaba al personaje Blade, entrenó a Dolph Lundgren con el uso de la espada y fue el doble de Langella en el último combate de He-Man contra Skeletor. De Longis había “adiestrado” en el arte del látigo a varias celebridades como Harrison Ford en Indiana Jones o a Michelle Pfeifferen Catwoman. 

La película tuvo su cómic editado por Marvel pero la historia era la del guión original de la película y no la del film que todos conocemos donde muchas tramas se eliminaron por el presupuesto. Por ejemplo, en el guión original (y en el cómic) después de la “supuesta” derrota de Skeletor, Duncan descubre un emblema de la NASA y una bandera americana dando a entender que los americanos llegaron a Eternia en una incursión espacial.


La garganta de Saurod se expande y se contrae en el film. Según el actor, tenía una especie de vejiga en la papada conectada con un tubo dirigido hacia su boca. Soplando por dicho tubo conseguía ese efecto. 

Se comenta que para el rol de He-Man se tanteó la posibilidad de que lo interpretara Stallone o Matthew Modine, “starring” de La Chaqueta Metálica.

Mattel no quería que He-man matara humanos y por este motivo los centuriones de Skeletor llevan una armadura integral y se comunican entre ellos como si fueran robots. 

En una de las escenas Skeletor sacrifica al personaje Saurod para demostrar su liderazgo. En realidad el personaje sacrificado tenía que ser el Hombre bestia (Beastman) pero Mattel dijo que no porque ese personaje formaba parte de la serie animada y de los muñecos que había en el mercado y podía salir perjudicado después del film.

A raíz del film, Mattel fabricó las figuras de acción de los personajes creados expresamente para la película (Saurod, Blade y Gwildor) pero inexplicablemente no realizaron la figura de Karg. Viví en mis carnes las chispas del muñeco de Saurod.


Saurod sí que tiene chispa.
En el rodaje, Lundgren se emperró en que quería llevar unas botas cortas para su personaje. Bill Stout que deseaba que Lundgren llevara las botas largas, le dijo que le parecía perfecto su decisión pero que le daban un aire afeminado. Lundgren, en silencio, se calzó con las botas largas que quería Stout.

Tanto el director Goddardcomo el jefe de diseño Bill Stout tenían pactado y dibujado el personaje She-Rapara la película. She-Ra es la hermana gemela de He-man pero fue descartada de la película para centralizar la historia entre He-man y Skeletor, en detrimento de Mattel, que deseaba ver expuestos todos sus muñecos en personajes reales.

Madre mía, She-Ra.
El hombre que interpreta al padre del personaje de Courteney Cox era el coordinador de especialistas de la película, Walter Scott.

Masters del Universo fue Nº 1 en Inglaterra ...pero Nº 1 en ser la película más alquilada en los videoclubs de aquel año.

El imponente trono de Skeletor fue un su día uno de los más grandes escenarios construidos para Hollywood. Se unieron dos estudios de sonido que se hallaban separados por un tabique.



El traje de Meg Foster que interpretaría a Evyl Lin pesaba unos 20 kg  y estaba hecho con fibra de vidrio. El traje le dejó heridas en las ingles y al ser muy aparatoso su personaje nunca parece sentado.

Las escenas de persecución en la Tierra están rodadas en Wittier (California) y al acabar el film la ciudad vivió una serie de terremotos originando que ninguno de los edificios que aparecen en la película se encuentren actualmente.

Después de los créditos hay sorpresa...



Buen destino. Hasta el mes que viene.


Campeón de campeones (1989)

$
0
0
Sinopsis:


En un plazo de tres meses se celebrará la fase final del Campeonato mundial de Taekwondo en Seúl y el rival a batir es Corea del Sur, cuna de este arte marcial. El entrenador norteamericano Frank Couzo (James Earl Jones) seleccionará y adiestrará con mano de hierro a los mejores luchadores para que representen a USA en dicho torneo.

Entre los seleccionados se encuentra Alexander Grady (Eric Roberts) viudo y a cargo de un niño de seis años. En tiempos pasados Alex fue un luchador excepcional pero una grave lesión en el hombro, lo sacó de los tatamis y lo devolvió al mundo laboral por cuenta ajena. También forma parte del equipo el gran Tommy Lee (Phillip Rhee), profesor de Taekwondo y la única esperanza del equipo americano. Por último y acabando de componer este ecléctico grupo se hallan el rebelde Travis Brickley (Chris Penn), un luchador imprudente y con mal carácter, Virgil Keller (John Dye), experto en meditación y budista; y el italoamericano Sonny Grasso (David Agresta), luchador callejero de Detroit.



Para poder derrotar a los invictos coreanos, el equipo americano ha de lograr su primer objetivo, ser un equipo unido. Para conseguir dicho fin se añade al cuerpo técnico Kathryn Wade (Sally Kirkland) que enseñará a nuestros combatientes el arte de la concentración y la canalización de energía.
El plazo expira, el torneo ya ha llegado y los emparejamientos están fijados. Ya no hay tiempo para la improvisación y unicamente los más fuertes se alzarán con la gloria pero sólo un hombre, Tommy Lee, podrá decantar el torneo hacia el lado norteamericano en un último combate épico. No será fácil; en frente tendrá al mejor luchador de Corea, el maestro Dae Han (Simon Rhee) que no dejará que Tommy se proclame como Campeón de Campeones.



Película (crónica):

Como frase clásica para empezar y como es habitual en la mayoría de artículos de este humilde blog; la crítica especializada y más purista criticó negativamente este film. En el cine existen demasiadas películas donde la crítica asalariada no tiene cabida y Campeón de Campeones, sin duda, es una de ellas. Para una numerosa cantidad de plebe y para un servidor, este film es considerado como una de las mejores películas de artes marciales que se han podido realizar; a sabiendas de que ha llovido mucho desde entonces. La mezcla de honor, sacrificio, drama y pura tollina hacen de esta cinta un clásico inolvidable para aquellos que consideraban el sistema direct-to-video (los “videoclús”) una válvula de escape para sobrellevar la dura realidad. Que profundo.

Campeón de Campeones es una gran película de artes marciales con una base dramática que seguía los determinados estereotipos que hicieron grande este género en la década de los 80. Las fases a seguir se cimentaban en una injusticia que originaba un ansia de venganza, un entrenamiento duro y un final épico. También hay que alertar a la población que siempre hay un peligro inminente en rodar una película de estas características. La barrera que separa lo entretenido de lo cutre es bastante frágil; y en la mayoría de videoclubs, de películas “mierders” de artes marciales había tantas que no llegabas ni a ver al dependiente.


El viral enfrentamiento entre el ninja ocre y el ninja púrpura.
La historia de Campeón de Campeones está escrita por el propio protagonista de esta película, Phillip Rhee que con la ayuda del productor Peter E. Strauss pudo sacar adelante el film. Aún así lo primero que pactaron fue la condición de que en la película apareciera un protagonista americano y por tal razón se fichó a Eric Roberts, que en un evidente buen estado de forma, tuvo que mimetizarse y adaptarse al ámbito profesional del Taekwondo para poder aparentar que era un experto en este arte marcial. No queda claro por ser políticamente correcto pero la decisión en que apareciera un protagonista americano "de pura cepa" se debe a que el personaje de Phillip Rhee por mucho que representara y liderara al equipo norteamericano tenía (y tiene) una cara de asiático que no se aguantaba y el equipo norteamericano (y los productores) necesitaban un héroe caucásico.



Campeón de Campeones contiene una carga emocional mucho más elaborada que en otras cintas de similares características y sobretodo emplea de manera magistral los conceptos que actualmente son excretados en las cintas de artes marciales (o de acción) como son el sacrificio, la amistad y el honor. Solo hay que observar aquella escena de lágrima viva en la que el personaje Álex (Eric Roberts) en mitad de su combate grita agonizando de dolor que le vuelvan a colocar el hombro en su sitio porque es consciente de que si abandona el combate, el equipo pierde el torneo. Pero sin duda la escena por antonomasia es la tremenda secuencia final del combate entre Tommy Lee y Dae Han. Tommy Lee (Phillip Rhee) por el bando americano y Dae Han(Simon Rhee) por el bando coreano nos ofrecen un combate sensacional, bien orquestado donde ya se percibe que fuera del film los hermanos Rhee (Sí, son hermanos) eran y son unos verdaderos maestros en el arte del Taekwondo.



La película refleja buenas coreografías en sus combates y están rodadas con la fuerza y nitidez que se empleaba en aquella década. Algo añorado en lo que es el mainstream actual ya que últimamente muchos directores se dejan el trípode en casa y el mismo temblor de la cámara en el rodaje de muchas escenas de combate, llegan a provocar erupciones de espuma que emanan por la boca del espectador.  
También la película contaba con el hándicap de Eric Roberts que como se ha citado anteriormente llevaba relativamente poco practicando artes marciales pero lo que es realmente curioso y sorprendiendo a un servidor, es que el actor fallecido Chris Penn (hermano de Sean Penn) que interpretaría al típico luchador arrogante con sombrero de Cowboy y que debía pesar en la película 90 kg, era cinturón negro de Karate en la vida real. Increíble-ble.


Ficha técnica:

El director de esta obra de arte es un tal Robert Radler que se estrenaba como director en esta película. Más tarde también dirigió la secuela Campeón de Campeones 2 (1993), y después ya se instaló en el mundo de las series de TV filmando capítulos para series tan importantes y merecedoras de premios Emmys como pueden ser Power Rangers, Hércules o VIP de Pamela Anderson que en algún momento tendría que rescatar.

Eric Roberts, hermano mayor de Julia Roberts y actor de una extensa filmografía catalogada como serie B, tuvo una adolescencia ajetreada y coqueteó con las drogas hasta que en 1981 se pasó de la raya (nunca mejor espetado) y sufrió un grave accidente de tráfico que le dejó tres días en coma. Le recordamos como secundario en películas como el Caballero Oscuro (2008), el Especialista (1994) o Los Mercenarios (2010) y fue nominado a un Óscar como actor de reparto por la película El tren del Infierno (1985). Hay un rumor que señala que Eric Roberts será la estrella de la tercera parte de “Human Centipede”; siempre es correcto unirse a proyectos de este calibre y más todavía si la unión se perpetra mediante esfínteres.



Phillip Rhee, el gran protagonista de este film y Simon Rhee, el malo coreano en la película, son hermanos. Los hermanos Rhee son hijos del legendario John Rhee considerado por muchos como el padre del Taekwondo americano y es décimo dan (el máximo) de Taekwondo. El padre llegó a entrenar a personalidades como Muhammad Alí y fue amiguete de Bruce Lee. Apareció no hará mucho mostrándonos como con 80 años realizaba 100 flexiones en 50 segundos.


Siguiendo con Phillip Rhee, que también ejerce como productor en este film, habría que comentar que no es cualquier “mindundi” metido en el cine a dar patadas. Este personaje es instructor de Taekwondo, cinturón negro sexto dan, también es tercer dan en Hapkido que es un arte marcial coreano moderno, cinturón negro primer dan de kendo (espada) y aparte es especialista en el manejo del nunchaku y el bo (palo largo) entre otras artes. También estudió dirección e interpretación y llegó a ponerse detrás de las cámaras para dirigir las secuelas Campeón de campeones 3: La ley del odio y Campeón de campeones 4: Sin aliento. Fue considerado para el papel principal de Mortal Kombat (1995) pero acabó llevándose el personaje el actor Robin Shou



Su hermano y rival en la ficción es Simon Rhee (Dae Han), cinturón negro séptimo dan de Taekwondo y cuarto dan en Hapkido. Responsable de las coreografías de los combates en este film y según la revista Karate Illustrated definía a Simon Rhee como el artífice de las patadas más llamativas y más espectaculares de la nación.


El primero, Simon Rhee en Soldado Universal.
De lo más destacable en el reparto que formaba el bando coreano se encuentra el maestro James Lew que es el actor que peleaba contra Eric Roberts y es considerado como uno de los mejores artistas marciales ubicados dentro del cine. Célebre por su participación en Arma Letal 4 (1998), Doble Impacto (1991) y sobretodo en el film de culto Golpe en la pequeña China (1986) donde también fue el encargado de coordinar las coreografías de las peleas.


Simon Rhee y James Lew.
El entrenador del equipo americano es el gran James Earl Jones, célebre por ser la voz de Darth Vader en la VO de Star Wars y con una amplia filmografía donde destacan papeles como el rol de villano en Conan el Bárbaro (1982) o La caza del Octubre Rojo (1990). En 2011 le galardonaron con un Óscar honorífico a toda su carrera. La ayudante del entrenador era interpretada por la actriz Sally Kirkland que participó en films como JFK (1990) y fue nominada al Óscar como mejor actriz por la película Anna (1987). Aunque en Campeón de Campeones se deja ver con un gran físico con 48 años, las múltiples operaciones quirúrgicas hechas con productos de marca blanca han dejado su rostro como un “panellet”. Ahora lidera el instituto Kirkland que se encarga de ayudar a gente con problemas de implantes.



Como sorpresa aparece Chris Penn, el hermano de Sean Penn, quizás recordado por su papel en Reservoir Dogs (1992) de Tarantino. Desgraciadamente murió a los 40 años por una dilatación del corazón provocada por la ingesta de una serie de medicamentos. En ese instante Chris Penn pesaba 150 kg, motivo el cual habría ayudado a tal trágico desenlace. Donde sí uno se lleva una triste noticia es con la muerte del actor John Dye que interpretaba al luchador budista, Virgil Keller. Este actor saltó al estrellato cuando protagonizó la desconocidísima serie Tocados por un ángel repartida en nueve temporadas. En 2011, John Dye murió a los 47 años fulminado por un ataque al corazón.


John Dye

Simon Rhee con Chris Penn
Por último a destacar la aparición de la actriz Louise Fletcher que interpreta a la madre preocupada del personaje de Eric Roberts. Ganadora de un Óscar a mejor actriz por encarnar el papel de enfermera en la película Alguien voló sobre el nido del cuco (1975).

BSO: 

El compositor de esta banda sonora es el desconocido Paul Gilman que estudió en el Conservatorio de música de Boston y grabó música para anuncios de televisión. Después se hizo carnicero. Podría ser… pero no es cierto, siguió viviendo de la música y dirigió un documental llamado Ocean Oddisey, donde se le puede ver tocando la flauta mar adentro montado encima de una piragua. Muy constructivo.



Campeón de Campeones posee una banda sonora muy rockera y muy válida, donde destaca el track Stubblefield & Hall - Best of the Best con un especial aroma a Eye of the tiger bastante digno. Y por supuesto resaltar el soundtrack que acompaña en todos los momentos cumbres del filme, como es la pista del "pseudoCousteau" Paul Gilman titulada Original Score Medley, que parece realizada mediante un organillo Casio de la época y el programa Deluxe Music de un Commodore Amiga. Sin embargo, a partir del minuto 2:00 se origina tal melodía que nos transporta a estar más cerca de lo que sintió Tommy Lee en su último combate.




Combates (spoilaco) y entrenamiento:

La disparidad que nos ofrecen los entrenamientos de los equipos de Corea y del bando de Usa es realmente significativa. Nos recuerda mucho a los métodos que se empleaban en el film Rocky IV donde Rocky se entrenaba de forma natural mientras que Drago se “chuflaba” cualquier bote de Iniston que encontraba por cualquier suelo comunista.



Centrándonos en el film; Corea usa un procedimiento de entrenamiento más arcaico; hablamos de utilizar la propia naturaleza para fortalecer cuerpo y mente. Escenas como cuando corren por la nieve, golpean troncos en ralentí o meditan en una cascada sin que les caiga un alburno en la testa, avalan este método ancestral. En cambio, los norteamericanos utilizan material “más tecnológico” como equipos de gimnasio, medidores de golpes o visitar tabernas para originar alguna clásica pelea “westerniana” de todos contra todos.


1er. Combate:



Sonny Grasso (David Agresta) de Miami Detroit, cinturón negro segundo dan se enfrenta contra la bestia parda, Yung Kim de 70 kg, medalla de oro en 1984 y que en sus combates ya había lisiado a más de un luchador. El excesivo uso de los puños en detrimento a la falta de empleo de sus pies convierte a Sonny Grasso en una especie de “sparring” para el coreano. Yung Kim aprovecha el cansancio del italoamericano en el tercer asalto para conseguir el máximo de puntos posibles. Aún así los derechazos del de Detroit han sido determinantes para que la ventaja de los coreanos no fuera muy elevada.
Corea: 11  USA: 7


2º Combate:




Virgil Keller (John Dye) de Providence (Rhode Island) es muy superior técnicamente que su colega italoamericano. Virgil aprovecha su velocidad para empezar con muy buen pie pero la gloria se desvanece cuando el coreano Han Cho, medalla de oro en 1986 realiza una serie de golpes mucho más poderosos dejando aturdido al púgil norteamericano.
Corea: 20  USA: 9


3er Combate:


Travis Brickley (Chris Penn) de Miami (Florida) se enfrenta al coreano Tung Sung Moonmedalla de oro en 1985. Hasta aquí, el combate más igualado. Gracias a la testarudez y al nervio de Travis aprovecha el agotamiento de su rival para conectar más de una sucesión de salvajes puñetazos al contendiente asiático. Quizás el físico y el método “barriobajero” en el estilo de puños de Travisno era a lo que estaba habituado el luchador coreano, Tung Sung Moon.

También Travis se ayuda del efectivo y antiguo arte de lanzar improperios e insultos al rival. Ante tal verborrea, el oponente asiático acaba desquiciándose de igual forma que el respetable oriental que llena el estadio. Finaliza el combate con 3 a 3  en el marcador y no queda más salida a que todo se decida en la mítica prueba de los ladrillos.


Desgraciadamente Travis utilizando un golpe de puño se queda a un sólo ladrillo del oponente asiático, que ha usado el sistema de la ”mano sierra”, golpe muy vistoso pero desconozco si es real. Lo que sí conozco es que cualquier mortal desentrenado que utilice ese tipo de ataque puede despedirse de su dedo pulgar.

4º Combate:


El veterano Alexander Grady (Eric Roberts) de Portland (Oregon) vuelve después de tres años a los estadios tras una grave lesión de hombro y se enfrenta contra el coreano Sae Jin Kwon (James Lew) el mejor de su generación. Alexander está motivado por la presencia de su hijo en el estadio y propina duros golpes a su rival llegando a encender los nervios del siempre tranquilo Sae Jin Kwon que llega a proferir insultos a su oponente americano. Realmente se refleja la habilidad del actor James Lew que ejecuta diversos golpes realmente espectaculares. No dejarme en el tintero que si algún ávido lector sabe qué tipo de posición de guardia utiliza el amigo Eric Roberts puede reflejarlo al final del post ya que es muy vistosa pero no creo que pertenezca a alguna especialidad en concreto. Dicha posición comienza con un “crossover” entre una sardana y la posición de la grulla para finalizar con medio recital de sevillana. Para hacer un GIF, vamos.


Pero el momento más determinante es cuando el luchador coreano que había estudiado al norteamericano a fondo aprovecha que Alex está en la lona para asestarle una patada de tijera en su hombro lesionado. Todo se resuelve con una de las mejores escenas de fuerza y de coraje cuando Alex pide a Tommy Lee que le vuelva a colocar el hombro en su sitio. Malherido, Alex vuelve al tatami para no perder esos valiosos puntos que ha conseguido y aguanta heroicamente los últimos treinta segundos del combate.
Corea: 29  USA: 22

5º y último combate:

Uno de los mejores combates que se pueden ver en un film de artes marciales. La esperanza de América está en Tommy Lee (Phillip Rhee) de Fresno (California), 26 años que se batirá en un combate final épico contra el campeón Dae Han (Simon Rhee) de 80 kg, 35 años y nº 1 en el mundo.


Spoilaco de los buenos (final):Después de una sucesión de golpes Tommy Lee deja a su rival para el arrastre. Dae Han se encuentra de pie en el tatami en un estado lamentable y Tommy Lee sabe que se halla a un solo KO para proclamar a USA ganadora del torneo. Además cuenta con el pequeño detalle que el luchador coreano mató al hermano de Tommy Lee en un combate. Sus compañeros viendo que ese KO puede acabar con la vida del asiático Dae Han piden a Tommy Lee que no lo haga. En medio de la tensión y la duda que corroe a Tommy Lee decide no asestarle ese golpe mortal dejando que suene la bocina. Finaliza el combate y USA pierde el torneo por un solo punto.


Más spoilaco:En la entrega de medallas, Dae Han, malherido cojea hasta Tommy Lee y le espeta que “Salvar una vida con una derrota es ganar una victoria en el interior” y que su hermano era un gran luchador. El luchador asiático se despoja de su medalla y se la entrega a Tommy Lee levantando la ovación del público y originando el "lagrimote vil" al telespectador.

Curiosidades:

El hombre que origina una pelea en el bar por estar celoso de que su chica sea seducida por el personaje de Chris Penn, es el actor Kanne Hodder famoso por interpretar a Jason Vorhees (Viernes 13) en cuatro ocasiones.

La película, que no se estrenó en los cines, ganó en alquileres la cifra nada desdeñable de 1.700.000 dólares. La lástima es que se desconoce el presupuesto inicial del film.

El torneo final se rodó en el centro de entrenamiento Olímpico de EEUU en Colorado, con 10.000 extras (según dicen aunque me parecen demasiados). La película se filmó a caballo (frase hecha, no equinos) entre Los Ángeles y Corea.

Se sacó en el 1990 un videojuego llamado Best of the Best: Championship karate basado muy libremente en esta película. El videojuego salió para las plataformas SNES, Amiga, Amstrad… con unos gráficos pobres y una jugabilidad de pena.



El personaje que interpreta al entrenador de Corea del Sur es el maestro de Taekwondo He II Cho,noveno dan. Fue profesor de Taekwondo de las fuerzas especiales de Corea del Sur, India y del ejército de los Estados Unidos. Toda una eminencia.



IMDB: 6 / Filmaffinity: 5,4 y sin acritud, la sinopsis de Filmaffinity cita que el torneo se organiza en las Vegas cuando el destino de la competición es Seul. Curiosamente el mismo error se indica en la carátula de mi DVD, algo pasa…

A Campeón de Campeones le siguieron tres secuelas más: Campeón de Campeones 2 (1993), Campeón de campeones 3 (1995): La ley del odio y Campeón de campeones 4: Sin aliento (1998). En toda la saga participa Phillip Rhee; y Eric Roberts y Chris Penn solo actúan en la primera secuela. En la tercera parte Phillip Rhee se codea con la guapa Gina Gershon (Showgirls) y en la cuarta cinta comparte plano con nuestro cazafantasma de color, Ernie Hudson.

La película salió al mercado para mayores de 13 años a diferencia de las secuelas que obtuvieron la clasificación R (menores de 17 años acompañados por un adulto).

El hijo del personaje de Eric Roberts se llamaba en el film, Walter Grady, que era el nombre real del padre de Eric Roberts (y de Julia Roberts).

El comentarista del torneo en la película es el reportero deportivo Ahmad Rashad y en sus años mozos fue jugador de fútbol americano. En los créditos finales se indica que él se interpreta a sí mismo.



La carta de invitación que invita a Alex (Eric Roberts) al torneo contiene una errata. La carta se inicia con un certero Congradulations.



Sally Kirklandinterpretaba en el film a una maestra de artes espirituales para enseñar a nuestros guerreros a concentrarse. Sally Kirkland fuera del cine es maestra de yoga y de meditación.

El actor fallecido Edward Bunker tiene un cameo al principio de la película con Eric Roberts. Este actor también coincidió con Chris Penn en Reservoir Dogs interpretando al Sr. Azul y da la casualidad que fue el guionista de la película el Tren del Infierno (1985) que le dio una nominación al Óscar a Eric Roberts.



Los cinco actores que pertenecían al bando coreano todos son maestros de artes marciales; hasta su entrenador. En cambio en el bando americano sólo estaban Phillip Rhee y sorprendentemente Chris Penn.

Aquí mi tributo. Un saludete.

Misterios de Argail: El abandonado “Hotel Colonia Puig”. Hospital de sangre en la Guerra Civil.

$
0
0
Basado en hechos reales:


Reflexión:

Antes de soltar el rollo y explicar los entresijos de este lugar dejado a la mano de "God”, no quería dejarme sin apostillar que en cada salida intento nutrirme por la red sobre el pasado, presente y futuro del sitio a donde me voy a ensuciar los pantalones. Y en cada blog visitado se coincide que al ser un edificio bastante bien comunicado, el deterioro perpetrado por el humano es bastante notable. Detalle curioso es que en el comedor del hotel se encontraba un piano de aquella época; y lo más curioso es que en las fotos que habían realizado estos “bloggers”  sobre este instrumento musical, se puede observar como progresivamente el piano se va haciendo cada vez más pequeñito a causa del robo progresivo que ha sufrido el lugar. He señalado el piano como ejemplo, pero también se han agenciado del hotel: el cartel de la entrada, los porticones de las ventanas, sillas, mesas, váters, lavabos, armarios, las barandillas de las escaleras, teléfonos y hasta un cartelito de “No fumar” seguramente reciclado después de la ley.


Graffiti del lugar con cierta gracia "Red Rum"
Uno cuando visita estos inhóspitos emplazamientos llega a tolerar el hallazgo de todo tipo de graffitis con más o menos gracia o los bocetos preWashup tipo “tequieroJenny, tumorenito17”. También uno llega a asimilar el encontrarse por la zona restos de bebidas alcohólicas, ropas, profilácticos de sabores o mendigos que chocan contra una pared repetidamente como un videojuego 2D. No importa. Pero este tipo de hurtos antes mencionados no son perpetrados por estos jóvenes sino por otro colectivo que a su paso deja pruebas visibles y evidentes. Llegaron a tapiar las entradas delanteras con el fin de evitar el intrusismo masivo pero es que al día siguiente chorizaron hasta las “tapias”. Bueno… un chiste.


Restos de pelar cable de cobre en el lateral del hotel.
Esta afirmación no tiene tintes xenófobos, sólo faltaría, estoy en la montaña de Montserrat donde veneramos a una virgen negra (La Moreneta). Tampoco puedo negar que entre todos los objetos expuestos tenía el anhelo de hallar el piano pero en su lugar me encontré un mojón tan grande como el monte Fuji. Aún así, aparte de que el lugar es inmenso y lo hace muy atractivo, encontramos varios documentos bastante interesantes que como no se pueden vender, este colectivo me los dejó ahí para que yo les echara un vistazo.

Hacia el desértico “Hotel Colonia Puig”:

Después de viajar 127 paradas en transporte público, nos apeamos en el bonito pueblo de Monistrol de Montserrat, muy acogedor y territorio no esquivo al frío que provocaba que el simple gesto de ir orinar te abriera una grieta en los nudillos (real). Ante el esplendor del paisaje, me quedé con esta sorprendente imagen.


Aparato TDT adherido a una antena dirigida estratégicamente hacia el satélite.
Llegamos a un campo de fútbol y en el camino nos encontramos a un individuo cortando leña y con el rostro cubierto. El hombre dejó su hacha para observarnos y pensé que no íbamos a salir del pueblo, al menos con las dos piernas. Entre pisotones y empujones por el miedo al monistrolenco “Leatherface”, encauzamos la carretera BP1121 yendo al Sur, cuando debíamos ir hacia el norte. Perderse es una característica esencial del buen explorador.


Vista de Montserrat desde Monistrol.
Metiendo mano a las faldas de Montserrat y sin dejar de ver su enigmático Monasterio (sólo el monasterio, los alrededores  son como el Corte Inglés en Navidad), pasamos por debajo del turístico cremallera de Montserrat, que es una especie de “monorraíl de los Simpsons” que viaja desde la montaña hasta el pueblo (y viceversa) y que para no morir en el trayecto, la característica principal de estos trenes es que se incluye un tercer riel dentado en la vía.




Nos encontramos con cierto cartel del cremallera muy curioso y observamos que desde tiempos inmemoriales ha existido el llamado Guardabarreras y el perro de la casilla. Según citan, en un punto del trayecto, cuando pasaba el tren cremallera, el señor guardabarreras ordenaba a su can que se pusiera a dos patas y con este gesto arrancaba la ovación de los pasajeros. Como se observa en el cartel, se recogen las instantáneas de esta broma desde el 1898 hasta el 1960. Si uno se fija verá que a partir del año 1955 se vislumbra el tinte comercial del asunto con el “slogan” Licor Calisay en la plataforma del perro. 








Este licor Calisay era la típica bebida digestiva o mejor dicho aquella clásica bebida con el siguiente adjetivo calificativo: “esto es pa bajar”. No quiero dejarme que el licor Calisay fue un baluarte de Cataluña como lo es por ejemplo el Cacaolat y las dos bebidas fueron vendidas a Nueva Rumasa estando a punto de irse a la mierda. Así vamos. Y llegamos al Hotel!!



Historia del Hotel Colonia Puig:

El señor Puig adquiere el solar "Masia de la Creu" para construir el hotel alrededor del año 1912, lo que situamos su primera inauguración entre el 1912 y el 1918, y no en la década de los 30 como afirmaban algunos bloggers. ¿Y porqué hasta el 1918? Porque el famoso anarquista español Juan García Oliver cuenta en su “biopic” hecho en papel, titulado El Eco de sus pasos, que fue contratado de camarero en dicho hotel ese mismo año siendo esta anécdota una de las ínfimas muestras escritas que hay sobre este lugar. Añadir que este señor creó el grupo Los Solidarios que luchaba por el proletariado y se le adjudicaron varios asesinatos entre políticos y empresaUrios. 
Masia de la Creu.

Volviendo al dueño del hotel, se insinúa que el señor Puig era muy amiguete de Alejandro Lerroux que fue presidente de la 2ª República española durante un “largo” período de tiempo… un mes en el año 1933. Y se dice que la cúpula del partido republicano radical que Lerroux encabezaba ayudó a sufragar los gastos de la construcción del Hotel al Sr. Puig. Como se observa el desvío de fondos tiene muchos años.


El Hotel está situado delante del Monasterio de Sant Benet que está formado por una congregación de monjas de dos comunidades distintas (Sant Benet de Mataró i Santa Clara de Barcelona), y como pasa en todas las casas, estas monjas tienen enterradas en su monasterio a las creadoras de su orden. Welcome to the yuyu.
El Hotel Colonia Puig, que disfrutaba de tres pisos, se hizo muy popular por su tranquila ubicación y pronto se transformó en una posada de “alto copete” donde disponía de habitaciones a 3,50 pesetas y pensiones a 15 pesetas, lo que son ahora 0,09 € y que se ve que en aquella época era todo un pastizal. No dejan de ser curiosos los detalles del cartel como los cinco dígitos del número de teléfono o la posesión, por parte del hotel, de una flota de autocares marca Hispano Suiza que trasladaba a sus comensales.





Pero todo ese lujo cambió en el 1936 cuando estalló la guerra civil. El Hotel Colonia Puig pasa a manos del gobierno militar y se adecua para convertirlo en un hospital de sangre. El Hotel pasa de ser un emplazamiento de relax a transformarse en un hospital provisional repleto de heridos, amputados y combatientes a punto de fallecer. Pensad que los aviones Stukas alemanes prestados a los franquistas dieron mucha caña por aquella zona y el pueblo el cual hacía broma en el prólogo, Monistrol de Montserrat, el 25 de enero del 1939 fue destruido completamente a bombazos llevando a la muerte mucha población civil.



Uno de los ilustres heridos que sanó en este hotel “hospital” fue Alejandro Finisterre (1919-2007), el gran creador del futbolín. En Madrid quedó sepultado por un ataque franquista acabando gravemente herido; lo trasladaron a Valencia y viendo que necesitaba una estancia más larga por problemas respiratorios lo llevaron al Hotel Colonia Puig. Pasó su estancia ayudando a una enfermera a pasar las páginas de las partituras mientras esta tocaba el piano. Sí, aquel piano que hubiera encontrado si no hubiera sido destruido, quemado y vendido a algún chatarrero. Finisterre quedó cojo por las heridas y su pasión por el fútbol y el tenis de mesa, originó que en el mismo Hotel y con la ayuda de un carpintero de Monistrol de Montserrat, ideara el futbolín.



Al acabar la guerra, el hotel volvió a funcionar quedando constancia que en el 1955 se celebró un gran banquete para conmemorar el décimo aniversario de la marca de motocicletas “Montesa”, donde también se invitó a todo el personal de la empresa a visitar Montserrat pero a pie, sin moto.
La fecha de su clausura no es muy concreta ya que encontramos fuentes que señalan que el hotel cerró en el año 1968 y otras que aseguran que fue clausurado por la década de los 80. En mi búsqueda entre las heces de rata y demás roedores, encontré una especie de recibo que fechaba en 1989, motivo que sustenta la segunda teoría.



Dentro del Hotel:

Al llegar al hotel, sin poder identificarlo correctamente porque nuestros amigos se habían llevado hasta el cartel, empecé a observar por las ventanas desde el exterior. Por mis espaldas aprecié la presencia de dos guiris con tintes “perroflautas” que al percatarse de mi interés por el hotel, me preguntaron si iba a okupar el edificio, a lo que les respondí que sí, que los pisos estaban muy caros. La risa estúpida de las dos chicas respecto a mi imbécil respuesta fue la antesala a la trepidante incursión al hotel.
La entrada delantera era infranqueable por lo que tuvimos que entrar al recinto por los alrededores. Como veis en la siguiente instantánea las medidas de seguridad eran peligrosas, lástima que la puerta estaba abierta.



Aún así con la puerta abierta, decidimos entrar por una ventana que daba al comedor principal donde a lo alto se mostraba una especie de palco que seguramente estaba destinado a los personajes más ilustres. Actualmente, estoy seguro que ese palco conecta y te baja directamente al comedor como resultado del derrumbe.


Ahora
Antes

Bajando unas escaleras llegas a la inmensa cocina y dadas las dos aperturas donde se vislumbraba penumbra detrás de ellas, dejé mi hombría a un lado y fui a buscar a mis dos compañeros para que fueran delante de mí y así, si sucedía algo espantoso seguramente yo podría tener más tiempo para escapar. Supervivencia. Añadir que cuando entramos en el hotel nos armamos con el palo típico de trekking en lo alto por si había algún caminante por la zona ya que en las últimas fotos vistas, identificamos que podría pernoctar alguien dentro del recinto.


Seguimos por la cocina hasta llegar a los típicos estantes donde se guardaban los alimentos del restaurante; y en el vídeo se observa una botella vacía de Coca Cola que se me pasó por alto y no pude comprobar de que año era (seguro que era de ayer). Siguiendo el pasillo, pisando maderas caídas y siendo arañados por todo tipo de hierros en punta facilitando la entrada del tétanos, llegamos a un diáfano patio donde se podían observar los dos pisos de arriba, una especie de túnel y un agujero sin fondo que seguramente si dejabas caer una moneda a lo "El chico de oro" podrías encontrarla en el mismo suelo de Pekín.




Después de visitar el túnel que no tenía “ni chicha ni limoná”, recorrí los dos pisos donde antiguamente se situaban las lujosas habitaciones y que en algún momento fueron la última visión de aquellos soldados republicanos. En las instancias encontramos un par de sillas rotas de la época, un lavadero donde nuestras abuelas fregaban a mano y una chimenea. Sin duda yendo por los pisos superiores te juegas un poco el físico y como peses más de 70 kg, lo tienes un poco difícil; pero lo bueno estaba por esperar.


El túnel sin luz al fondo.

Aparecimos en una especie de patio donde nos topamos con una entrada minúscula que daba a un lúgubre y oscuro desván. Al no estar muy alto el lugar tuve que ir agazapado por el inmenso desván y usar la linterna. Me recorrí la estancia cagado de miedo por si en un enfoque de estos rápidos con la linterna veía algo extraño o me saltaba alguna cosa a la cara rollo “Alien”. Encontré las cartas de Menú de aquellos tiempos y hallé las antiguas cabeceras de cama hechas de madera que supongo que gracias a la poca maniobrabilidad del desván, los vándalos no pudieron llevárselas.





Me fui en solitario a grabar por los alrededores y en un golpe de viento (espero) giró de golpe uno de los porticones de las ventanas haciendo un ruido espantoso. Esto me propició un amago de infarto seguido de la típica sonrisilla de “aquí no ha pasado nada” y desembocó en un acelerón en mi paso. Al llegar otra vez al comedor nos pusimos a rebuscar en una pila de papeles a ver si encontrábamos algo interesante. Se localizó un par de postales de cuando el Papa Juan Pablo II visitó el monasterio de Montserrat en el 1982, sólo cuatro años después de ser Papa. También nos topamos con un recibo, la tarjeta típica de hotel con la habitación donde se indicaban los teléfonos 8350026 (restaurante) y 8350268 (Hotel) y una factura del 27 de junio de algún año de la década de los 70, donde el Sr.M. Rafa se gastó 1.026 pesetas en la habitación y 2.790 pesetas en el bar. Este seguro que iba a desconectar.




Pero lo más curioso es que encontramos un documento llamado “Impreso de Remesa” emitido por una empresa rara (y vigente) llamada Diners Club. Ese Impreso de remesa fueron las primeras tarjetas de crédito que se crearon inicialmente para que los norteamericanos pudieran gastarse la pasta en España y eran muy pocos los establecimientos que aceptaban este tipo de pago. Por este motivo se da entender que este hotel era bastante potente ya que tenías que tener una cierta confianza con el cliente cuando los servicios del hotel se pagaban a través de una tarjeta de cartón. He aquí el impreso y desconozco el año de emisión pero tiene que estar entre el 1954 y la década de los 80.



Dejando atrás el hotel y con la sensación de decepción ya que esperaba haber encontrado trolls, ovnis, psicofonías a tutiplén y expedientes Warren’s por la zona, seguimos por el norte hasta llegar al pueblo de Sant Cristòfol que según su censo habitan 48 personas. Nosotros vimos dos.
Lo que tiene noviembre es que oscurece pronto y otra vez nos volvió a coger la noche en medio de la carretera. Realmente es muy divertido el hecho de lanzarse hacia un lado de la carretera cuando ves venir a un coche; y más por el parque natural de Montserrat, donde lanzarse hacia un lado con la oscuridad prominente puede originar el riesgo de que te caigas 50 metros hacia abajo. Y ya por fin llegamos a la fantasmagórica estación de ferrocarriles de Castellbell i el Vilar. Una estación tétrica que disponía solamente de una vía, no se contemplaba ninguna persona en el andén y no había posibilidad de adquirir billete (si es que había alguna intención).




Aprovecho para agradecer a la joven de la parada de Mataró que en un acto de solidaridad y seguramente al ver el ridículo que hacíamos yendo de una máquina a otra, nos ofreció su tarjeta para que pudiéramos salir de la estación. En Cataluña si no pagas, estás atrapado.

PD: Las fotos actuales y el vídeo son de cosecha propia. Las fotografías viejunas son hurtadas por la web.


Hotel Colonia Puig en Montserrat from Soytutioargail on Vimeo.

Príncipe de Zamunda (1988)

$
0
0

Sinopsis:

El príncipe Akeem (Eddie Murphy) es el heredero de la corona de Zamunda y con motivo de su vigésimo primer cumpleaños, está obligado a contraer matrimonio con una mujer a la que han preparado desde pequeña para que sea su futura esposa y futura reina de Zamunda.

Pero Akeem quiere una mujer que lo ame de verdad y no desea una esposa que ladre y salte a la pata coja cuando él se lo ordene. Akeem habla con su padre, el rey de Zamunda (James Earl Jones) y con su madre Aoela, reina de Zamunda (Madge Sinclair) para posponer la boda y así poder encontrar a la mujer de su vida. Los padres aceptan, pero le dan un plazo de 40 días.



Akeem y su siervo Semmi (Arsenio Hall) giran un globo terráqueo y deciden viajar a la ciudad de Queens, Nueva York. En la gran urbe ocultaran su verdadera identidad y trabajarán para el dueño (John Amos) del restaurante de comida rápida "Mcdowells", haciéndose pasar por maestros del fast food a nivel fritanga. Al seguir dando palos de ciego en la búsqueda de una dama, los habitantes de Queens indican a nuestros “Zamundeños” que se pasen por una iglesia en la cual se celebrará una gran fiesta. De repente aparece en el escenario la hija de su jefe, Lisa Mcdowell (Shari Headley) y Akeem queda totalmente prendado de ella por su valiente carácter pero él desconoce que ella sale con el clásico adinerado e insoportable Darryl (Eriq La Salle). Sin embargo nuestro príncipe no se dará por vencido y utilizará sus artes amatorias para conquistar a su reina.

Película:



El Príncipe de Zamunda es otro gran clásico ochentero que nunca debería ser olvidado por la psique humana ni siquiera por navidad. Película que bebía de la comedia y del romance sin transmitir un ápice de pastelosidad y dueña de un sentido del humor de lo más simpático. El argumento de Príncipe de Zamunda se podría definir como un cuento de hadas metropolitano o como la versión urbana y moderna del cuento de la Cenicienta.

Vienen a mi mente escenas inolvidables como el gran hit“Chocolate sexy” o la hilarante escena de la discoteca o cualquier secuencia de la barbería… o cuando Eddie Murphy mira a cámara al ver que la mujer que tiene que ser su esposa empieza a saltar a la pata coja y a ladrar. No hay duda que tonterías de este calibre a uno le hacen pasar un buen rato.



El príncipe Akeem (Eddie Murphy) deseaba encontrar a su amada en cualquier lugar del mundo y que mejor sitio donde localizar reinas que en “Queens” (ja). No deja de ser curioso que la actriz que interpretaba a la enamorada del príncipe Akeem, Shari Headley, en la vida real es también oriunda de Queens (NY).

Siguiendo con el tema del reparto, el padre del Príncipe Akeem fue interpretado por el genial James Earl Jones, sin embargo el director John Landis  quería que actuara en ese papel el ganador de dos Oscars, Sidney Poitier pero su representante pedía demasiada pasta. Al estrenarse la película, Poitier se puso en contacto con el director Landis y le dijo que si hubiera hablado con él directamente habría participado en el film sin pensárselo. También antes de escoger a la desconocida y guapa, Shari Headley, parte del equipo técnico deseaba que interpretara ese papel Vanessa Williams a la que conocemos (o conozco) de Eraser (1996).


He aquí los descartes
Uno se pregunta qué similitud puede haber entre el Príncipe de Zamunda y Mi amigo Mac que son como el huevo y la castaña. Está claro ¡El amor por Mcdonalds¡. Curiosamente el actor John Amos que interpreta al dueño del restaurante de comida rápida Mcdowells trabajó en su juventud en un Mcdonalds. Y aparte del enorme parecido entre los dos nombres de la franquicia, hay varias secuencias de aquellas vergonzosas (y a las que uno se acostumbra) en la que se cita textualmente el restaurante Mcdonalds. En una de ellas sin venir a cuento hay una mujer que en medio de un banquete espeta que le gustan más las patatas de McDonalds que las del restaurante Mcdowells. Aún así con toda esta propaganda tuvieron que pedir un permiso a la multinacional por usar el término Mcdowells ya que tienen la patente de todas las razones sociales que incluyan las siglas Mc. Espero que a Mc Hammer no le pusieran un pleito (matarme). Mcdonalds aceptó pero se cuenta que había un restaurante McDonalds por la zona que no fue informado de esta autorización y dicho local contrató a un fotógrafo para poder conseguir pruebas de la existencia del “pseudo” restaurante Mcdowells y así presentar la denuncia pertinente. Este suceso anecdótico se plasmó en la película en una escena.



John Landis VS Eddie Murphy

Eddie Murphy estaba en la cima tras iniciar la genial saga Superdetective en Hollywood y se embolsó por participar en el Príncipe de Zamunda todo un pastizal, 8 millonejos. John Landis declaró en una entrevista que Murphy ya no era el “pipiolo” con el que trabajó en la entretenida “Entre Pillos anda el juego” y afirmaba que el rodaje con Murphy fue insoportable, ya que este poseía un ego muy subidito y literalmente Landis llegó a decir que Eddie Murphy era un cerdo arrogante.



Por otro lado en una entrevista en el Playboy, Murphy comentó que Landis nunca le perdonó que no le defendiera cuando el director casi es condenado a pena de cárcel por el homicidio imprudente de dos niños y del actor Vic Morrow en el film En los límites de la realidad (1983). Murphy comentaba que no podía apoyar a Landis de ningún modo ya que no veía correcto que tuviera a dos niños trabajando a las doce de la noche y en esas condiciones. Si ocurría cualquier accidente en esa situación; el único responsable es la persona que grita ¡acción¡.
Cuenta Murphy que en el set de rodaje se insultaron a grito pelado y que un día el actor quería ir a cenar con todo el reparto pero el director Landis agarró del brazo a la actriz protagonista Shari Headley y le aconsejó que no se acercara a Eddie porque él solo quería su vagina. Increible-ble.



Años más tarde Eddie Murphy pidió volver a trabajar con Landis en la reivindicable Superdetective en Hollywood III dando un halo de paz al asunto. La verdad que con la inquina que hubo entre director y actor es difícil creer que se gestara una de las comedias más emblemáticas de los 80.

Filmografía:



Película dirigida por el entretenido realizador John Landis que dirigió las dos versiones de Blue Brothers, Entre Pillos anda el Juego (1983) y el célebre videoclip de Michael Jackson, “Thriller”.
Como “prota” el inconfundible Eddie Murphy que empezó su carrera en el mítico programa “yanqui” Saturday Night Live. ¿Alguien recuerda la intentona que hubo en Spain? Eso sí que fue para partirse. Murphy saltó a la gran pantalla en la genial Límite: 48 horas (1982) y encarriló éxitos como la trilogía Superdetective en Hollywood y el Chico de Oro (1986) de la que soy muy fan, hasta que desgraciadamente a partir del 1995 su filmografía se hizo insufrible. Como curiosidad por problemas de agenda no pudo ser el cuarto cazafantasmas pero para más Inri quién ponía la voz a este cazafantasmas en la serie de dibujos animados era su amigo y compañero de reparto en este film, Arsenio Hall.


Y por aquí empezamos. Como amigo inseparable del príncipe Akeem aparece el actor Arsenio Hall, recordado por aquella serie policíaca que aparecía un chino obeso, llamada Ley Marcial. Completando el personal tenemos a James Earl Jones que es visto en Campeón de Campeones (1989), a John Amos recordado por su rol de militar corrupto en la Jungla de Cristal II (1990) y a Eriq La Salle que es visto en la serie Urgencias que tan popular hizo al amigo George Clooney. Por último aparece de soslayo el actor Frankie Faison como dueño del hostal donde reside el príncipe Akeem y que aparece en toda la saga de Hannibal Lecter como bedel.

En el sector femenino, tenemos a Shari Headley como la enamorada del príncipe que empezó su trayectoria en el Show de Bill Cosby y a Madge Sinclair que tristemente falleció en el 1995 a causa de la leucemia y que puso voz a la madre de Simba en el Rey León (1994).


Shari Headley
Vestuario y maquillaje:


Deborah Nadoolman y Rick Baker
Príncipe de Zamunda fue la primera película en la que Eddie Murphy interpretó a varios personajes; que como todos sabéis es un recurso que ha utilizado con éxito en futuras proyecciones como Norbit y el Profesor Chiflado. Es sarcasmo puro. Aún así gracias a la dirección de Landis y al maquillador Rick Baker, este aspecto en esta película está realmente bien aprovechado.


Murphy y Hall en sus diferentes papeles.
El príncipe de Zamunda fue nominada a los oscars por mejor vestuario (Deborah Nadoolman) y por mejor maquillaje (Rick Baker). Este Rick Baker tiene siete oscars en sus estanterías es más, inauguró y encima ganó esta categoría por primera vez en la historia de los oscars gracias a su destreza en la película Un hombre lobo americano en Londres (1982).
Donde Rick Baker tuvo que emplearse a fondo en este film fue creando al cliente judío de la barbería que dejó a Eddie Murphy tan impactado que se levantó con el maquillaje puesto y se fue por toda la Paramount a tirar los tejos al sector femenino. Todas creyeron que era un viejo verde y que no se trataba de Murphy. La caracterización de este personaje está inspirada en el suegro del maquillador y aprovechando la similitud, su suegro realiza dos cameos en el film sustituyendo a Murphy cuando este interpreta a otro personaje en pantalla.


Ahí detrás está el suegro del maquillador Rick Baker.
El vestuario del film lo diseñó la mujer de Landis, Deborah Nadoolman, que entre sus logros están la chaqueta roja de Michael Jackson en “Thriller” y el sombrero y la chaqueta de Indiana Jones. Confesó que las prendas con animales que visten los reyes de Zamunda pertenecen a animales reales disecados pero ya estaban muertos y disecados, es decir no se asesinaron a la carta expresamente para que los actores lucieran esos ropajes. También reveló que al final del film, en la boda, se vio obligada a realizar un traje de novia de color rosa porque Eddie Murphy posee un color de piel muy especial y si hubiera ido de blanco, hubieran parecido un postre de menú. Esto aparece literal en los extras del DVD, no racist.



Historia original y consecuente “pollo” con la Paramount:

Siempre me ha causado regocijo cuando se querellan por plagio sobre una historia o un guión original cuando éste lo podría haber escrito un insecto cachipolla. Supongo que no es lo mismo el guión de Memento que del Príncipe de Zamunda. En fin…
Por un lado, la historia original surge de la imaginación del mismo Eddie Murphy que escribe un relato que trata sobre una mujer que se enamora de un hombre sin saber que esta persona es en realidad una importante celebridad. Esta idea venía del mismo Eddie ya que por aquellos años estaba en la cima y se supone que se lo copulaban sólo por su parné y no por su corazón. Y eso a él le dolía (Ja). Afirma que estando de gira escribió 25 páginas de esta historia en la parte trasera de un autobús y que su título original era “The Quest”, sí amigos, como la de Van Damme.

Sin embargo, al estrenarse el film, todo un premio Pulitzer, el señor Art Buchwald, que escribía una columna en el periódico Washington Post, denunció a la Paramount señalando que la historia del Príncipe de Zamunda estaba basada en un guión suyo llamado Rey por un día y que entregó en mano a la major.



En el juicio se demostró que al estar el guión extraviado por los parajes de la Paramount, Landis y Eddie (u otros) podían haber accedido al libreto de Buchwald, con claras evidencias de que el argumento de la película y del libreto de Buchwald eran muy similares. Buchwald ganó el pleito pero la Paramount afirmó que no debía de abonar ninguna cantidad a Buchwald porque la película no había obtenido beneficio neto ya que aparte de los gastos de producción, había más pagos en concepto de publicidad, etc. Esto no se lo creyó ni el papa. Según la Paramount con un presupuesto estipulado de 39 millones y recaudando más de 288 millones en taquilla no se pudieron conseguir beneficios.

La cagada de la Paramount fue inmensa (hasta hay un libro sobre este caso) ya que destapó una posible práctica en todas las majors sobre inflar sus presupuestos de producción para pagar menos “dinerillos” en concepto de derechos de autor. Lógicamente Buchwald ganó y la Paramount le pagó hasta el último centavo y así evitó no recibir un aluvión de guionistas y demás profesionales que quisieran analizar los presupuestos de anteriores películas para cobrar “retroactivamente”. Después de ese día las grandes compañías se miran los guiones con lupa y muchos de los libretos no solicitados acaban otra vez en manos de sus autores sin ser abiertos. Canguelo.



Lo curioso de todo el lío, es que el mérito del éxito del film no se debe a la historia de Murphy o de Buchwald sino a los guionistas David Sheffield y Barry W. Blaustein que fueron los culpables de todos los grandes gags que se muestran en el film. Estos escritores dominaban el arte de la comedia ya que trabajaron muchos años para el Saturday Night Live y coincidieron con Eddie Murphy cuando éste se hacía un nombre en la stand-up americana. (Stand-up=Monólogos en vivo)

BSO:



La banda sonora está realizada por el guitarrista Nile Rodgers que es famosete por formar parte del grupo Chic y cantar la canción Le Freak (1978). Sí, aquel tema que empezaba con un célebre ¡Freak Out¡ y que era idóneo para realizar tus mejores coreografías en la disco antes de que te echaran por ruin. Además Rodgers produjo el primer disco de Madonna y el Let’s Dance de David Bowie entre otros. Toda una eminencia. Landis le contrató porque dominaba el campo de la música clásica y este detalle le hacía mejor compositor que otros artistas de color (según el director).


La eléctrica coreografía del baile nupcial fue orquestada por Paula Abdul, célebre cantante de los 80 y 90 y que el público conocerá por su hit Opposites Attract donde aparecía bailando con un gato de dibujos animados.
Eddie Murphy y Arsenio Hall querían cantar la canción final pero no les dejaron. Por eso para sacarse esa espinita Eddie Murphy nos deleita en la película con una versión libre de la canción “To Be Loved” de Jackie Wilson recibiendo los insultos e improperios del vecindario en la escena.



Curiosidades:

Siento afirmar que el reino de Zamunda no existe y que en los créditos finales se jactan de ello, agradeciendo los permisos de rodaje que les proporcionaron la archifamosaThe Zamundan Film Comission”.

El actor Eriq La Salleque interpreta al novio de Lisa Mcdowell, lleva peluca en el film. Imposible que un humano lleve tal permanente.



En principio el origen del país se debe a una broma pactada del equipo técnico y el director Landis, para hacerlo más africano, le incluyó la N, quedando en Zamunda. Aunque otras teorías dicen que Zamunda proviene de un chiste de Richard Pryor o de un homenaje a un escritor llamado Bob Zmuda.

El hecho de que se encuentren animales en libertad por el palacio de Zamunda se inspira en el último emperador de Etiopía, Haile Selassie, que decían que conocía el lenguaje de los animales y por tal motivo tenía leones y otras bestias sueltas por sus aposentos.



El restaurante Mcdowells en realidad era un restaurante de comida italiana llamado Wendy’s pero este año 2013 ha sido (o será) demolido entristeciendo a gran parte del reparto que veía el local como emblema nostálgico de sus carreras.

Si hubiera un país parecido a Zamunda, este sería el reino de Suazilandia ubicado al sur de África y no es ni de lejos tan romántico como lo era Zamunda en el film. El 70 % de la población vive con menos de un euro mientras que el último monarca absolutista de África, Mswati III, se compró 32 BMW con el dinero de la ayuda internacional. Posee 14 esposas y cada año hace una selección de otra mujer mediante un baile.



Cuando nuestros protagonistas llegan al aeropuerto, por el megáfono se escucha un aviso conforme el señor Frank Oznowicz se ha de dirigir al teléfono blanco. Este Frank Oznowicz es el nombre completo del director del remake de la tienda de los Horrores y del doblaje de la VO de Yoda, Frank Oz.

Samuel L. Jackson aparece unos breves instantes atracando el restaurante de comida rápida y un joven Cuba Gooding Jr se deja ver por primera vez en el cine interpretando al cliente de la barbería. En realidad decía una frase pero se la cercenaron en el montaje final.



En una escena el personaje de Akeem, Eddie Murphy, deja una bolsa con dinero a dos mendigos. Estos vagabundos son los actores Don Ameche (Cocoon) y Ralph Bellamy que justamente quedaban arruinados en la anterior película de John Landis “Entre Pillos anda el Juego” y que también participaba Eddie Murphy. Tristemente los dos actores ya han fallecido.



En los créditos finales, aparece un personaje llamado “Extremely ugly girl” interpretado por Arsenio Hall aunque conozco gente que con tres JB’s en el cuerpo le daban un pase. También aparece realizando un cameo no acreditado el director Tobe Hooper (Poltergeist) y me permitiréis destacar tres cameos más bastante “friks”. El primero es interpretado por actor el Ruben Santiago-Hudson en el papel de vendedor ambulante y que es visto como jefe de comisaría en la serie Castle y no es Martin Lawrence como afirma la Wiki.es. El siguiente es Vondie Curtis-Hall que interpreta a un “zamundeño”que reconoce al príncipe Akeem en un campo de béisbol y es visto, más bien atollinado, en Jungla de Cristal II. Y el último es el hombre fitness Jake Steinfeld que actúa en el papel de conductor de taxi. En realidad dudo que la mayoría de lectores les suene este personaje pero yo me lo he tragado en muchas ocasiones por la TV, y siempre en estado de ebriedad y de madrugada, intentándome vender sus productos por la teletienda hará años A.



El actor Paul Bates, que hace de siervo regordete de Akeem, en el momento de la boda arranca con una canción totalmente improvisada que quedó tan bien que la dejaron como está.



Después del éxito de la película se intentó emitir una serie donde sólo repetía el actor Paul Bates pero no dispongo de más información y creo que se quedó la cosa en el episodio piloto. También se comentó de rodar una secuela protagonizada por Martin Lawrence llamada “Back to America” con la historia a la inversa. Lawrence vive en USA y se entera de que es miembro de la realeza de un país africano pero creo que el proyecto no llegó tampoco a buen puerto.



Cuentan en los extras del DVD que Murphy y Arsenio Hall salieron de fiesta dos horas y a la vuelta se trajeron al set de rodaje a toda la gente que habían conocido. No pasó nada destacable.

Siguiendo el cachondeo, en los créditos finales aparece “Face on cutting room floor” Jim Abrahams. Jim Abrahams es uno de los tres directores de Aterriza como puedas y Agárralo como Puedas y se supone que tendría una especie de cameo en el film pero que en la sala de montaje (cutting room floor) la eliminaron.

El actor James Earl Jones y la actriz Madge Sinclair que interpretan a los padres de Eddie Murphy siendo los reyes de Zamunda, también fueron los reyes de la selva poniendo la voz a Mufasa y a Sarabi respectivamente en la película de Walt Disney, el Rey León.


Nos vemos en el 2014!!


Freejack (sin identidad) 1992

$
0
0
Sinopsis:


En el año 1991, Alex Furlong(Emilio Estevez) es un famoso piloto de Fórmula 1 que está a punto de disputar la carrera de su vida. Antes del evento, Alex promete a su novia de toda la vida, Julie Redlund (Rene Russo), que después del campeonato se casará con ella. Mal augurio.

Alex Furlong desconoce que durante esa carrera fallecerá en un trágico accidente estampado contra un flamante cartel de la empresa Nissan (ea). Todo este triste suceso acontecerá delante de los ojos de su futura esposa Julie y de su agente Brad (David Johansen).
No obstante, en una realidad paralela situada en el año 2009 y tecnológicamente superior, existe una organización que sabe que Alex morirá en ese mismo instante y que su cuerpo será el anhelo de moribundos adinerados.

En esa realidad alternativa del año 2009 la contaminación es insostenible, las drogas de diseño imperan, la falta de salubridad es latente y la diferencia entre clases sociales es abismal. Por este motivo millonarios enfermos pagan a empresas por la recuperación de organismos sanos del pasado para conseguir trasplantar su cerebro a ese nuevo cuerpo, y así poder esquivar la muerte.


Los empresarios McCandless (A. Hopkins) y Michelette (Jonathan Banks) pertenecen a esa estirpe de acaudalados personajes y contratan al mercenario Vacendak (Mick Jagger) para que utilice su tecnología y teletransporte el cuerpo de Alex justo en una fracción de segundo antes de que éste muera en su última carrera. Vacendak consigue rescatar el cuerpo con éxito pero cuando Alex llega al futuro y antes de que sea “lobotomizado” por completo (freído el cerebro); el “convoy” de Vacendak es atacado por unos desconocidos criminales.

En la confusión de la reyerta, Alex consigue escapar e intentará ocultarse en un mundo que irá descubriendo que no le pertenece. Pero ahora su cabeza tiene precio y sus captores solo tienen tres días para atraparle antes de que el cliente que espera su nuevo cuerpo, fallezca definitivamente. Solamente una entrañable monja armada con una recortada (Amanda Plummer) y algunos de sus amigos del pasado, ayudarán a Alex a encontrar a su novia Julie y descubrir quién ha sido el responsable que ha comprado su cuerpo.


Peli:

Freejack sin identidad (1992) fue una gran película de videoclub escrita a tres manos por, ni más ni menos, que Steven Pressfield (que lo conocen en su casa), Ronald Shusset creador del libreto de Alien, el octavo pasajero (1979) y guionista de la fabulosa Desafío Total (1990) y Dan Gilroy célebre por escribir junto a su hermano Tony Gilroy, el Legado de Bourne (2012). No olvidarme que el guionista de esta película, Dan Gilroy, se casó ese mismo año con la protagonista de este filme Rene Russo. Doble premio.

Con el previo éxito de Schwarzenegger en Desafío Total; el pequeño Emilio Estevez no tenía mucho margen  para adquirir la etiqueta de héroe de acción. Mucha crítica se mofó jurando que el cantante Mick Jagger (o quizás aquel personaje que era un casco pegado a Jagger) realizaba una mejor interpretación que el pobre Emilio Estevez. También espetar que la relación entre Estevez y Russo no posee la química sentimental que debería. Es más, uno llega a pensar que tal como le va al personaje que interpreta Rene Russo en el futuro, hubiera sido mejor dejar al personaje de Alex Furlong que se estrellara tranquilo con el poste publicitario y no regresara jamás. No había “chicha”. A parte, Hopkins está totalmente desaprovechado aportando a “modo de cameo” una interpretación a “modo de holograma”.


Normalmente los directores que realizan una película de ciencia ficción se aseguran de determinar un año lo más lejano posible para situar la acción futurista de la historia y ya de primeras evitar que gracias al paso del impávido tiempo te encuentres de que llegue ese año y observar que tus magnánimas naves espaciales todavía son coches a diesel. En Freejack sin identidad el argumento futurista se localiza en el año 2009 y según su director ya tendríamos que realizar viajes entre realidades paralelas con la misma facilidad que uno va a un restaurante chino,  poseer vehículos en forma de cúpula y por supuesto, armas láser.


El futuro Seat León.
Aún así esta película acierta en algunos aspectos terrenales y actuales como por ejemplo el aumento de la contaminación, la crisis económica, la lenta desaparición de la clase media y que nuestro esperma cada día sea más triste. Pero donde la ciencia ni la película han hallado respuesta es en la inexplicable conservación del rostro de Mick Jagger, que permanece imperturbable tanto ahora como en la fecha del estreno del filme.
Freejack sitúa su argumento en un futuro distópico (futuro no deseado) donde la población vive sometida bajo unas estrictas leyes. Este régimen totalitario origina en la película una sociedad “cyberpunk” en la cual la alta tecnología (naves espaciales...) se mezcla con un bajo nivel de vida (contaminación, nuevas drogas...), aspecto ya reflejado en películas como Akira (1988) o Blade Runner (1982).


3D Nudes!!


Freejack sin identidad tenía una idea innovadora fusionando viajes en el tiempo (vistos actualmente en Looper, 2012) con la idea del trasplante de cuerpos (o partes) para evitar la muerte (visto en La Isla, 2005). La película presenta un arranque potente con el accidente de Furlong y su teletransportación, y finaliza con un buen giro argumental y una buena batalla mental entre Furlong y McCandless. Por si hubiera poco; todo esto es aderezado con una genial escena donde los protagonistas viajan hacia la mente de McCandless (Hopkins) y recorren un conducto a una velocidad vertiginosa provocando una sensación de ingesta de media docena de caleidoscopios. Secuencia que me recordó al “ending” de la serie Dr. Who de los 70. Sin duda nos encontramos ante una película de culto.


Ficha técnica:


El firmante de esta aventura es el neozelandés Geoff Murphy, amiguete de Peter Jackson y por lo que se ve, amante de las secuelas ya que ha dirigido películas de “dudoso cobro” como Alerta máxima 2 (1995), Fortaleza Infernal 2 (1999) e Intrépidos forajidos (Young guns 2, 1990) que justamente también interpretó el extraño Emilio Estevez.
Pero quizás su trabajo más importante se halla como director de segunda unidad en la trilogía “El señor de los Anillos” donde dirigió las grandes batallas de la saga mientras su director Peter Jackson aprovechaba para ponerse a dieta. Como ya se sabe en el film El Hobbit (2012) su cargo como segundo director lo ocupó Andy Serkis (el tío que interpreta magníficamente a Gollum) ya que Geoff Murphy cuenta con 74 años y ya no está para mucho orco.

El “prota” es interpretado por el actor y director Emilio Estevez, célebre por ser reclutado por Francis Ford Coppola para la película Rebeldes (1983) junto a los “teenagers” Patrick Swayze y Tom Cruise. Como ejemplos, protagonizó Arma joven (1988), el Club de los cinco (1985) y Somos los mejores (1992) y como director realizó Bobby (2006) con Anthony Hopkins y The Way (2010), película que protagoniza el padre de Emilio Estevez, Martin Sheen y que trata sobre el Camino de Santiago.
Emilio Estevez es hermano del entrañable Charlie Sheen y como he espetado también es hijo de Martin Sheen. El público avispado puede deducir que el pobre Emilio Estevez es hijo del “butanero” o una especie de Jon Nieve de Juego de Tronos pero no es así, ya que el nombre real de Martin Sheen (su padre) es Ramón Antonio Gerardo EstevezPhelan.


Como actriz principal aparece Rene Russo conocida por su papel de detective en Arma Letal 3 y 4. Curioso es que esta actriz fue descubierta en un concierto de los Rolling Stones en el 1972 y seguro que no cabía en sí de gozo cuando se percató de que el villano de este film era el inefable…Mick Jagger. Este recurso del cantante “malote” no fue nada extraño por aquellos lustros, como por ejemplo en la infame Mad Max 3 (1985), con Tina Turner o también en el film Dentro del Laberinto (1986) con David Bowie, amigo (y amante sin confirmar) de Jagger.

También se deja ver el actor Grand L. Bush conocido (al menos por un servidor) por interpretar al personaje de Balrog en aquella obra maestra llamada Street Fighter (1994); y la actriz Amanda Plummer, popular por ser la acompañante de Tim Roth en la escena del atraco en Pulp Fiction (1994) y que realiza un papel de lo más divertido vestida de monja. Amén.
Acompañan en el reparto David Johansen,que apareció en Los fantasmas atacan al jefe (1988) como el fantasma de las navidades pasadas, con un corto papel aparece el actor John Shea que encarnó a Lex Luthor en la serie de Superman Lois & Clark, y John Frankie Faison que actuó de celador en las tres películas más famosas del asesino en serie Hannibal Lecter. Y cierto es que aparece el mismísimo Anthony Hopkins, que a modo de cameo y de frondosa melena nos desvela la trama de la película. Y acabando en la faceta interpretativa, nombrar a Jonathan Banks que ha sido visto en Límite: 48 horas (1982), Gremlins (1984) y se deja ver en aquella serie que no sigo, Breaking Bad.


En el apartado técnico no deseo dejarme al responsable de los escenarios de esta película, Joe Alves que fue el célebre diseñador del escualo que se utilizó en Tiburón (1975) y nominado a los Razzies por dirigir Tiburón 3.

BSO:
En cinta TDK se escucha mucho mejor.
La banda sonora fue a cargo del compositor Trevor Jones, popular por la melodía del film el último Mohicano (1992). Y aprovechando esa curiosidad sentimental Mick Jagger- David Bowie, se dio la casualidad que este mismo compositor orquestó la banda sonora de la cinta Dentro del Laberinto (1986) en la que Bowie hacía de descafeinado villano.  
La cruda realidad es que la banda sonora de Freejack sin identidad deja mucho que desear y tranquilamente se podría catalogar como una aproximación fallida de la banda sonora del film Blade Runner (Vangelis), siendo horriblemente optimista. Aún así el grupo de rock Scorpions con su canción Hit between the eyes y que llego a formar parte del Soundtrack del film, salvaron la película de la quema en esta materia.

Orígenes:



Tal y como aparece en los créditos, el argumento está basado (o muy por encima) en la novela Immortality, Inc (1958) del autor estadounidense Robert Sheckley. En esta obra de ciencia ficción se cuenta que el personaje Thomas Blaine sufre un accidente automovilístico y se despierta en el año 2110 dentro de un cuerpo que no es el suyo. Recurso cronológico que podría haber aprendido el director del film y no ser la mofa del gremio al situar  Freejack en el año 2009.


Y aunque no de forma acreditada, Freejack bebe de otra novela, Millennium de John Varley (1983), la cual existe una película titulada igual. En esta obra, nuestro planeta ha sufrido 19 guerras nucleares y la raza humana está a las puertas de la extinción. La única solución es efectuar viajes al pasado y recuperar a seres humanos que han fallecido olvidados o sin ser vistos (barcos hundidos, guerras) para no corromper la línea de tiempo. Y por último trasladar estos seres humanos a un planeta no contaminado.
En ninguna de las dos obras escritas se menciona la palabra Freejack para definir una persona trasladada en el espacio-tiempo.
Curiosidades:

En plena persecución, Alex Furlong conduce una furgoneta de “champagne” y se ve obligado a sacar de la carretera a uno de los coches que lo persiguen forzándolo a subir a la acera. En medio de los saltos de los peatones para esquivar dicho automóvil se escucha el típico grito de la canción de James Brown “I feel good”. Alrededor del minuto 41:18 de película.



Este mismo famoso coche “perseguidor” cuando choca con otro vehículo aparcado realiza una espectacular vuelta de campana muy al estilo “El equipo A”. Si uno se fija se puede observar la rampa que ha ayudado al coche a dar tan tremendo salto.

En la película Amor a quemarropa (1993) de Tony Scott, hay una escena en la que Brad Pitt está viendo una película en la tele tumbado en el sofá. Ese film es Freejack sin identidad.


Rene Russo mide 1,73 m. y Emilio Estevez mide 1,64 m. Cuando ellos dos pasean acaramelados se ve claramente que Russo es más alta que Estevez pero cuando están inmóviles Estevez le saca a Russo un palmo. ¿Qué elaborado artefacto hay en los pies de Estevez? ¿Puede que una inanimada caja?


Cuando Alex Furlong se escapa de sus captores en el futuro observa un letrero que indica que se encuentra en el día jueves 23 de noviembre del 2009. El 23 de noviembre del 2009 fue lunes.

El personaje Alex Furlonglee una frase célebre de A. Einstein en la pared de un restaurante. Esta frase termina con la expresión Kia Ora que significa gracias o que tengas salud en maorí. El maorí es una de las lenguas oficiales de Nueva Zelanda, país de origen del director de la película Geoff Murphy.

Freejack sin identidad costó 30 millones y solo recaudó 17 millones. Un auténtico éxito, vamos...

La carrera inicial donde Alex muere se rodó en el circuito de Road Atlanta donde se suelen celebrar las carreras Nascar, y los coches de carreras que aparecen no son de Fórmula uno sino de competición Formula Atlantic. Esta competición se disputó entre el 1974 y el 2009 pero se canceló por baja participación. Los monoplazas de esta competición son más pequeños que los coches de F1.

La actriz Linda Fiorentino, vista en Men in Black, fue la primera opción para interpretar el papel de Rene Russo pero a la semana fue despedida.


Freejack estuvo nominada en los premios Saturn de ciencia ficción por mejor película, mejor vestuario y mejor actriz de reparto. No ganó ni uno.


En la escena del bar, donde se produce una entrevista a Alex Furlong, la reportera es la actriz Jerry Hall que en aquel entonces era la esposa de Mick Jagger. El público de a pie (como yo), la reconocerá por su interpretación de desfigurada novia de Joker en la película del héroe Batman de Tim Burton.



Puntuaciones web: IMDB 5,1 / Filmaffinity 5,0 / Rotten Tomatoes críticos 15% Audiencia 27 %.

Un poco de rock and roll!!

Un ciudadano ejemplar (2009)

$
0
0
Sinopsis:


Clyde Shelton (Gerard Butler), su mujer y su hija componen una feliz familia que vive en paz y armonía en Filadelfia. De repente una noche, dos ladrones entran en su hogar y asesinan brutalmente a la familia delante de los ojos del padre al que daban por muerto.

Más tarde Clyde Shelton, ya recuperado, confía en que el fiscal Nick Rice (Jamie Foxx) lleve a juicio a los criminales y que reciban su merecida sentencia. Sin embargo Rice es incapaz de usar pruebas concluyentes y presiente que si van a juicio puede que los criminales sean liberados. El fiscal Rice para no ver reducido su flamante porcentaje de condenas, decide no arriesgarse a ir a juicio y pacta con la acusación para que uno de los asesinos testifique contra el otro. Clyde Shelton no puede entender lo sucedido.



Uno de los dos ladrones es condenado a muerte mientras el otro criminal y verdadero responsable de los atroces asesinatos será liberado en breve tras acusar a su compañero. El padre, Clyde Shelton, observa con impotencia como una cadena de errores entre los diferentes estamentos de la justicia han dejado en la calle al asesino de su familia; pero lo que no sabe la propia justicia es que ha traicionado al hombre equivocado.  



Película:

No hay nada más gratificante que tras vivir la “fantástica” abolición de la doctrina Parot; uno pueda escribir sobre esta gran obra magna. Un ciudadano ejemplar nos insinúa que dependiendo del dinero que se gaste uno en abogados, o de cómo se levante el juez esa mañana (o de una decisión de esa gran mierda llamada Tribunal europeo de los derechos humanos), cualquier individuo puede tener la oportunidad de ver a los asesinos de su familia hacerse unos gin tonics en el bar de al lado de su casa. Y esta sensación de impotencia es la misma emoción que sufre nuestro protagonista interpretado magistralmente por Gerard Butler, en esta sátira o crítica sobre un arbitrario y sobrecargado sistema judicial.

Un ciudadano ejemplar es un intenso thriller que en su estreno pasó por la “bajini” eclipsada por la grandilocuente Avatar; pero que gracias al clásico boca a boca, hizo un dineral. El film costó 53 millones de petrodólares y recaudó casi 127. Por eso sorprende mucho la crítica negativa del mundo blogger cuando sus respectivas valoraciones en las páginas “mother” por antonomasia de cine (Imdb y Filmaffinity) supera el 7 de media. Soy consciente que es difícil de creer que una película en Filmaffinity, posterior al año 1979, tenga más de un 5,3 pero sí, es real.



Un ciudadano ejemplar forma parte del género llamado género vigilante donde se catalogan propuestas como Harry el Sucio, El Castigador, el Cuervo, etc y en resumen no serían más que aquellos films; el cual nuestro protagonista se muestra vigilante (ea) por el padecimiento de una acción injusta que desembocará en una sutil venganza. O lo que es lo mismo, el amado “ojo por ojo”. En este film, nuestro protagonista perpetra una trabajada y crudavendetta al ver como la justicia le da la espalda tras el brutal asesinato de su familia. Y se afirma el concepto de “cruda” ya que podemos observar en la película como el personaje de Gerard Butler apuñala en múltiples ocasiones el cuello de su colega de celda mediante un hueso de ternera, originando una sangría propia de un matadero. Sólo por esta escena el organismo MPAA, encargada de catalogar las pelis por edades, clasificó el film para mayores de 17 años. Más tarde se modificó esta escena para la versión cinematográfica y así no cercenar la asistencia de público con todo lo que conlleva (la pasta). Sin embargo, en el formato doméstico sí que podemos disfrutar de toda la hemoglobina salpicando en nuestro plasma.


Cortar un cuello cansa.
El film cuenta con un guión de Kurt Wimmer que dirigió la fabulosa y defenestrada Equilibrium, y es dirigida por el afroamericano F. Gary Gray que firmó la fantástica El Negociador (la del Eddie Murphy no, la otra). Al director de este film, F. Gary Gray (Italian Job), le atrajo el proyecto porque le parecía impresionante la idea de que un preso desde su celda pudiera transmitir tanto miedo a toda una ciudad. Y quien haya contemplado el film recordará aquella sensacional escena en la que nuestro padre coraje amenaza al fiscal con matarlos a todos si a las 18 horas no se encuentra libre de cargos. La sensación que produce aquella secuencia en la que todo el personal de justicia, totalmente aterrado, no puede dejar de observar la manecilla del reloj, es realmente sensacional.
No quiero dejarme el magnífico doblaje que realiza un tal Jordi Boixaderas con el personaje de Gerard Butler; que para mí es uno de los mejores que hay en activo. Para hacernos una idea este Boixaderas es el que dobla a Russell Crowe y a Daniel Craig entre otros. También a Sean Bean pero como siempre se lo cargan había considerado no mencionarlo...



Su final, obstáculo ¿insalvable?

Sin duda su polémico final políticamente correcto resulta el principal escollo de esta obra de arte que es Ciudadano ejemplar. Si algo me ha enseñado la vida es a no juzgar y cargarme cualquier contenido visual sólo por el hecho de poseer un final polémico o paupérrimo (mierder).  
Aún así, si el lector lee en algún medio que el final del film no es lo esperado, es muy posible que el emisor del mensaje tenga razón. Gerard Butlerexplica en una entrevista que la idea del film es como la justicia puede transformar a la víctima en peor ser humano que un asesino despiadado. Sin embargo esta conclusión tan romántica difiere con la opinión del espectador. El final presenta fallos tanto argumentalmente (véase como el personaje de J.Foxx descubre los trabajados métodos de Butler mediante ciencia infusa (o potra) abriendo un maletero que no sabía ni él que estaba ahí) como moralmente. Quizás el término “moralmente” es más subjetivo ya que sin spoilear en demasía, si fuera mi guión en la escena final hubiera volado el conservatorio con infantes incluidos en el pack, pero soy conocedor que esa opción no es viable ni tampoco encajaría en los parámetros del cine de Hollywood.


Uno llega a pensar que el final escrito por el guionista Kurt Wimmer no es el mostrado en el film ya que como siempre sucede, un guión antes de convertirse en película acaba pasando por muchas estilográficas y en este caso, habría sufrido la intervención de una mano con sobredosis de “moralina”, edulcorando el desenlace y provocándonos un coitus interruptus cinematográfico de proporciones épicas. Personalmente sospecho de algún miembro de la producción como es un clásico en este tipo de temas. Un tío como Wimmer que se inventa el “gun kata” de su película Equilibrium en el jardín de su casa merece toda mi férrea defensa…



Es más, se confirma que existía un final totalmente distinto al del film que se centraba en una persecución en coche entre el fiscal Nick (Jamie Foxx), su ayudante Dunnigan (Colm Meaney) y el personaje de Gerard Butler. En este final el tal Dunnigan y el fiscal Nick van en coche en captura de Gerard Butler. Dunnigan realiza una llamada para pedir apoyo pero por sorpresa el teléfono dispara una bala que lo mata en el acto perdiendo el control del vehículo. El fiscal (Jamie Foxx) queda malherido en la carretera mientras el personaje de Butler tira millas. Quién haya visto el film se habrá percatado que de este pseudo final se recicló el método de la muerte de Dunnigan para otra escena. Aún así siendo benevolentes el final que aparece en la película con un segundo visionado, y con la libido bajada, resulta más digerible y loable.

En conclusión, Un ciudadano ejemplar es un thriller de acción más que aconsejable. Por muchos no sentará cátedra en la historia del cine pero sí que trascenderá en mi lista de culto dando paso a su adquisición en Bluray para que repose en mis polvorientas estanterías azules del Ikea. Reitero que el espectador verá en Ciudadano ejemplar una de las mejores hora y veinte minutos del cine de acción contemporáneo y percibirá una prohibida empatía con Clyde Shelton, nuestro padre coraje.


Clyde Shelton la liará bien parda
Localización:

Las secuencias de la cárcel se filmaron en la prisión de Holmesburg y en la prisión de Broad Meadows. Sin embargo nos centraremos en la terrible prisión de Holmesburg que tiene más miga y fue construida en 1896, cerrada en 1995 y reabierta en julio del 2012 para paliar el exceso de presos. Esta cárcel se hizo célebre gracias a los experimentos perpetrados por grandes farmacéuticas y empresas de cosmética, que se dedicaban a reclutar internos por un módico precio para ser tratados como cobayas humanas entre los años 1951 y 1974. Por ejemplo, tratamientos para la caspa, cremas faciales, otros experimentos con dioxinas e isótopos radioactivos fueron la tónica entre los más afortunados. Curioso y para partirse es que entre estas empresas participaba una bastante conocida como es Johnsons & Johnsons; que creó aquel champú con el slogan“no llores más”. Aquel champú que te podías echar directamente en el ojo secándote por completo el lagrimal. Jamie Foxx, en los extras, comentaba que notaba espíritus rondando por aquella cárcel mientras grababan.





Justicia:

Quitando el inexplicable tráiler de la decrépita película de Bigas Luna y Elsa Pataky que te tienes que comer cuando adquieres el Bluray; el disco cuenta con unos escuetos pero interesantes extras. En uno de ellos, titulado justicia, explica cómo son tratados judicialmente los hechos ocurridos en la película para que sean lo más verosímiles posible. Aclaro que no soy abogado y que en los detalles me puedo colar con suma facilidad.
- En el film uno de los dos ladrones es el artífice de la violación y del asesinato de la familia pero su cómplice también es acusado de los mismos delitos que el otro. ¿Por qué? Porque en mi amada USA, por ejemplo, si dos personas atracan un banco y una de ellas por accidente mata a alguien; los dos serán culpables de asesinato aunque una de ellas simplemente esté esperando en el coche.



- Clyde Shelton pide al fiscal Nick que lleve a los asesinos a juicio porque él puede declarar como testigo ocular pero el fiscal se niega por miedo a perder el juicio. ¿Por qué? Una persona malherida delante de tal brutal asesinato puede delirar y afirmar sucesos que no han ocurrido. El abogado defensor podría atacar a la acusación por aquí y convertir al testigo en poco fiable.
- La jueza en la película no admite las pruebas forenses (ADN, etc) y aplica la norma de exclusión ¿Por qué? Porque se supone que ha habido un abuso de autoridad y se ha realizado la extracción de ADN de los asesinos sin orden del juez. Por poner un ejemplo en la serie CSI antes de meter el bastoncillo de las orejas dentro de la boca del presunto homicida siempre el sospechoso pregunta antes si tienen una orden.

BSO:
El director Gary Gray y el músico Brian Tyler
La magnífica banda sonora está orquestada por Brian Tyler, músico especializado en componer para películas de acción como Los Mercenarios, A Todo Gas o Iron Man 3 y no lo hace nada mal. Melodías con mucha fuerza y con un buen uso del sintetizador muy al estilo Zimmer; y que junto a Michael Giacchino componen esa horda cuarentona de nuevos y grandes compositores que nos ayudarán a que podamos olvidar, en mayor o menor medida, a los viejos “rockeros” como los Williams, Horner, Morricone i Cia.


Curiosidades:

En un principio Gerard Butler interpretaba al abogado fiscal mientras Foxx encarnaría al vengativo Clyde Shelton. Cuando Foxx leyó el guión exclamó que él actuaría mejor de abogado y qué razón tenía.


Butler para poder clavar su interpretación se entrevistó con criminólogos para poder aprender conocimientos de cómo suele razonar un asesino en serie. Por su lado Jamie Foxx se reunió con abogados y fiscales para aprender su rol a la perfección, llamándolos gladiadores de los tribunales. Es más, nada más al principio del film se ve al personaje de Jamie Foxx como se jacta de su porcentaje de condenas, aspecto muy típico en las charlas de los fiscales americanos.

Un ciudadano ejemplar fue nominada a los divertidos Saturn Awards (premios de ciencia ficción, fantasía y terror) en la categoría de mejor película de acción pero se lo llevó Malditos bastardos.


Es la primera película co-producida por la productora del amigo Butler llamada Evil Twins (gemelos malvados) y nació en el 2008 con una multa bajo el brazo ya que nada más aparecer esta productora; le clavaron dos millones de multa porque ya había otra empresa con la misma razón social Evil Twin Prods (gemelo del mal) creada en el 1996. Eso es empezar con buen pie, y más sabiendo que Butler estudió derecho y ejerció brevemente en la abogacía.

El personaje de Butler pide que le traigan a su celda comida del restaurante Del Friscos. Este restaurante Friscos  es una brasería donde el director F. Gary Gray cenaba en muchas ocasiones durante el rodaje.

El asesino que es ejecutado por inyección letal es interpretado por el actor Josh Stewart protagonista de las pelis de terror The Collector y su secuela (2009).


Frank Darabont (La Milla Verde, Cadena Perpetua) fue la principal opción para dirigir este film pero abandonó por diferencias creativas. También la actriz Catherine Zeta-Jones se apuntó al reparto para interpretar a la alcaldesa pero al final su rol lo hizo la nominada al óscar, Viola Davies. Catherine Zeta-Jones tuvo que abandonar el proyecto por problemas de agenda. Supongo que tenía dos proyectos entre manos, era laboralmente bipolar como ella misma.

La persona que aguanta la biblia cuando el personaje de Jamie Foxx jura para ser fiscal es Michael Nutter, el alcalde (real) de Filadelfia. También el director del film F. Gary Gray realiza un cameo en su propia película entregando una bolsa con pruebas al personaje de Jamie Foxx, después de la escena de la ejecución inicial.


Foxx, el alcalde y la actriz Viola Davies.
El personaje de Butler espeta un “al estilo de Von Clausewitz va a ser una puta guerra”. Este Von Clausewitz no fue un jugador de la selección holandesa sino un militar estratega prusiano del 1780, que escribió obras militares que hoy en día aún se utilizan. Entre sus conceptos más cercanos al personaje de Butler destacan párrafos como que La guerra es la continuación de la política por otros mediosy como el odio, el cálculo y la inteligencia son tres de los elementos que forman la filosofía de la guerra.



Al final del film se ve como el personaje de Butler trabaja para la empresa de limpieza “Nomos”. Curiosamente la palabra griega Nomos significa ley y en términos sociológicos es sinónimo de orden y obligación para aquellos que caen bajo su jurisdicción. Definición muy coincidente con los actos de nuestro protagonista.

Os dejo una escenota. Un abrazo!




Escena juicio - Un ciudadano ejemplar (2009)por soytutioargail

Mis locas aventuras con Youtube y su gran historia.

$
0
0

Narciyoutubismo:

Anterior a las aperturas de mis cuentas de blogger, de twitter, de facebook y otras de dudosa moralidad..., me di de alta como usuario de Youtube allá en el lejano 2008. En el mes de noviembre subí mi primer vídeo que contenía una divertida escena del film Agárralo como Puedas y actualmente cuento con 286 suscriptores y 30 vídeos publicados; que no está nada mal teniendo en cuenta que los vídeos que suelo subir al portal no son de cosecha propia.
Simplemente no tratan de cómo depilarse correctamente el entrecejo o de un tutorial de cómo encajar a tu suegra en un microondas, sino que se basan en material audiovisual de contenido con copyright. No hay ningún mal en recordar que el usuario “standard” no tiene permiso para subir a Youtube material protegido (fragmentos de películas, series o canciones realizadas por otros) aunque la realidad sea muy diferente.

Gracias a las vivencias con este majestuoso portal de vídeos en streaming y aderezado con la suerte e inteligencia de sus jóvenes fundadores, me he animado a realizar un divertido resumen de su historia y demostrar que una idea idiota bajo los efectos del alcohol puede convertirte de la noche a la mañana en un podrido multimillonario.

El origen de Youtube:

Como si empezáramos un chiste horrible, en febrero del 2005, un estadounidense, un taiwanés y un alemán, residentes en USA y que no eran más que tres “frikis”, crearon el portal de vídeos más influyente y rentable del planeta, Youtube.com. Chad Hurley como diseñador, Steve Chen y Jawed Karim como ingenieros, se conocieron a la edad de veinte largos años cuando trabajaban para la empresa de pago seguro por internet, Paypal.


Steve Chen, Chad Hurley y Jawed Karim felices porque son pobres.
Durante una épica fiesta, estos tres personajes e integrantes de dicha algarabía consideraron que era la hora de inmortalizar tal desvarío con sus cámaras. Pero cuando llegó el momento de compartir ese material audiovisual con el resto de beodos fue cuando comprobaron lo difícil que les resultaba enviarse esos vídeos (recordad que en un email sólo se pueden enviar 25 Mb a pelo). Y de esa simple frustración tecnológica surgió la plataforma de vídeos más importante de nuestra era.

También añadir que pasado no mucho tiempo y cómo tres son multitud, el miembro alemán, Jawed Karim, en un ataque de ego, declaró una nueva versión sobre el origen de Youtube comentando que dicha fiesta nunca ocurrió, y que la idea fue exclusivamente suya. Los otros dos cofundadores no tardaron en responder y confirmaron que la fiesta sí existió y que la idea original del travieso Karim era crear un portal donde el usuario subía un vídeo personal a la web para que el resto de los visitantes votara que le parecía el muchacho/a. 



Karim, que supongamos que formaba parte de aquel colectivo friki= no novia, ideaba lo más parecido a una página de citas en streaming y no tardó en confesar que el origen de su inspiración provino de la página Hotornot.com. (Hotornot.com: plebe que cuelga sus fotos más sugerentes con el fin de que el resto evalúe su físico pero no su intelecto).

Primer vídeo y el primer comentario:

En abril del 2005, uno de los tres fundadores, el renegado Jawed Karim sube y protagoniza el primer vídeo a Youtube llamado “Me at the Zoo”. Un vídeo de 20 segundos grabado a “bad definition” donde se nos muestra lo bien cuidados que están unos elefantes en el zoológico de San Diego. Mientras tanto, nuestro “friki” nos informa que está muy feliz porqué los elefantes tienen unas grandes trompas (long trunks). 



Seis meses más tarde, la marca Nike fue la primera empresa en subir un vídeo con tintes comerciales a Youtube. En este vídeo aparecía Ronaldinho con la camiseta del Barça dando unos toques de balón a ritmo de Samba. El vídeo se convirtió en un tremendo éxito y originó el disparo de salida para que múltiples marcas se apuntaran al carro subiendo sus anuncios a esta plataforma.




Por último apuntar que el primer vídeo de Youtube originó el primer comentario de la historia de Youtube. Y no es más que un conciso pero desgarrador: interesting.... comentado por un usuario llamado Cobaltgruv. Este pobre hombre ha llegado a ser tan célebre en la web que muchos son los usuarios que han ametrallado cada uno de sus vídeos insertando el sublime ...interesting...

Inversión inicial:



Youtube tuvo un crecimiento meteórico desde su origen que desbordó a sus a creadores y atrajo a un número elevado de usuarios. Este hecho desencadenó que muchas empresas se interesaran por tal fenómeno y se originara una especie de reclamo para los llamados inversores ángel o entidades de capital de riesgo que veían con buenos ojos una inversión en Youtube. Como definición general estos inversores ángel o entidades de riesgo son corporaciones que financian una empresa que acaba de nacer (Startup) sin saber a ciencia cierta si la cosa irá bien o mal. Más o menos es como ir de farol en el poker pero sin apostar garbancitos.

Por ejemplo la entidad Sequoia Capital que apostó por Youtube desde su nacimiento, le prestó 3.500.000 de dólares nada más empezar. Actualmente esta entidad se lía cigarrillos con billetes de Benjamin Franklin tras la venta de Youtube a Google. Esto es una evidencia de que la inversión salió rentable, pensar que la entidad Sequoia acabó invirtiendo en Youtube 11,5 millones y tras la venta se ha llevado 442 millones. Festival.

Compra de Google:


Youtube con tan solo dos años y cinco meses de vida convence a Google de que su portal de vídeos, aquel “Google vídeos”, ¿alguién se acuerda?, es realmente una bazofia. Google no se lo piensa y accede a golpe de talonario (o de acciones) a realizar la tercera compra más cara de su historia (por ahora); adquiriendo Youtube por 1.650 millones de dólares. Es necesario comentar que Google puede que transmita que es una empresa muy emprendedora, que hacen siestas y beben cerveza pero cuando una de sus aplicaciones no alcanza el nivel tecnológico adecuado no dudan en ponerse un sombrero de cowboy para negociar y tirar de dólares americanos para comprar la competencia. Google ya lleva más de cien empresas adquiridas, entre las más sonadas y caras, Motorola y Doubleclick.

Tras la venta de Youtube, curioso fue el reparto de las ganancias entre los tres fundadores, Hurley, el americano, se llevó 345 millones en acciones, Chen el taiwanés ganó 326 millones y sólo 64 millones se llevó Karim, protagonista del primer vídeo de Youtube y fan de la web Hotornot.com. Todo esto se debe a que abandonó la empresa desde el principio para obtener un título de postgrado en ciencias de la computación. A veces es mejor dejar de estudiar a tiempo.


Copyright y sus entresijos:


El lema de Youtube es un sutil “Broadcast Yourself” (transmítete a ti mismo), dogma que los usuarios que suben vídeos y el mismo Youtube se pasan por el forro, y esto sucede porque se necesitan mutuamente aunque se intente aparentar todo lo contrario. 

Es importante saber que un tercio de la fuente de ingresos totales de la página proviene de la publicidad que Youtube inserta en los vídeos alojados con contenido de terceros sin autorización. Y es que a quién le importa que Manolito se grabe realizando la pesca del alburno, la plebe quiere ver el último videoclip de Lady Gaga subido por Menganito ya ser posible saltándose el copyright a la torera. Si Youtube se basara sólo en la emisión de vídeos “domésticos” ya hubieran bajado la persiana hace un lustro.

Pero como era lógico no tardaron en llegar las primeras demandas de artistas y distribuidoras, originando que en el año 2007 Youtube creara la herramienta Content ID que costó más de diez millones de dólares en realizarla (casi como el Paint ¡ja¡). Esta aplicación posee la función de comparar el vídeo subido por Menganito con el vídeo y audio facilitado por el artista o productora. Si esta herramienta detecta que la imagen y/o el audio de tu vídeo coincide con la información almacenada en la base de datos de Youtube ¡zasca! te silenciarán el audio o te eliminarán el vídeo directamente; con el consiguiente envío de una notificación a tu cuenta. A las tres notificaciones ¡más zasca!, cuenta cerrada sin importar los vídeos y suscriptores que tengas.


Aún recuerdo mis argucias, siempre aprendidas de otros usuarios, para que el novedoso software de Youtube no captara mi vídeo y así no poder eliminarlo. Utilizaba métodos tan complejos como el modo espejo o incluir colores sepia o acelerar el audio, pero todo fue en vano. Aprendí que el gratuitoMovie Maker no podía vencer a tal malévola herramienta de diez millones de dólares.

También mis varios intentos me ha hecho saber que distribuidoras o artistas han puesto más ahínco para que esta herramienta detecte sin margen de error su material subido ilegalmente por algún desconsiderado (como yo). Curioso es que contra más conservadora y de derechas, políticamente hablando, sea la empresa dueña de ese material, más complicado lo vas a tener. Ejemplos claros serían la Foxestadounidense (ejemplo Los Simpsons) y sin ir muy lejos, Telecinco. Es una pérdida de tiempo intentar subir material a Youtube de estas dos empresas ya que la herramienta Content ID tiene más material facilitado por estas entidades para cotejar el vídeo.  

Pero lo más cachondo es que el propio Youtube tiene alojados unos vídeos donde se ofrecen consejos de como saltarse ese copyright. Es extraño? Sí y no. Como hemos dicho, Youtube se nutre de los vídeos protegidos y subidos por el malévolo usuario que nunca percibirá ninguna prestación económica. Youtube monetizará ese vídeo con publicidad el tiempo necesario hasta que llegue la correspondiente reclamación del dueño. Después Youtube (o Google) echará la culpa al cruel usuario y eliminará el vídeo para demostrar a su dueño que cumplen con su deber. 


La doble moral es lo que se lleva ahora.
Mientras se producía todo este proceso sólo Youtube se ha lucrado a base de anuncios insertados; en detrimento del usuario y del dueño del contenido del vídeo. Por este motivo y desde hace tiempo Youtube (Google) realiza acuerdos con productoras y discográficas para evitar males mayores como la denuncia de 1.000 millones de dólares que le ha interpuesto la empresa VIACOM, en concepto de daños y perjuicios por la emisión de sus programas sin su autorización. (VIACOM: conglomerado de empresas audiovisuales como la MTV o Paramount).

Consecuencias para el usuario:

Como actualmente en España no pueden multarte por subir material protegido (al menos a Youtube); si el dueño del contenido lo reclama, Youtube te eliminará el vídeo de inmediato y te enviará una notificación conforme eres una mala persona. A las tres notificaciones puedes despedirte de tu cuenta de Youtube con tus vídeos y tus suscriptores inclusive; y tendrás que abrir otra cuenta de correo electrónico Gmail para crear otro canal de Youtube.

Lo más hilarante es lo que acompaña dicha notificación de copyright que te hace llegar Youtube. Te obligan a visionar un horrible y atroz vídeo de dibujos animados sobre el porqué no tienes que subir vídeos con derechos de autor. Este vídeo es interpretado por un pirata que vomita en un momento dado y un ciervo bajo los efectos de estupefacientes.



Este vídeo se titula “Youtube Copyright School” y tiene en su haber a día de hoy 8.368 Me gusta y 33.313 No me gusta. No contentos con el tutorial, Youtube también te fuerza a responder un formulario para “retardeds” y así comprobar que has comprendido tu error y darte la posibilidad de recuperar tu cuenta.

Esta especie de tutorial nos indica que nos podemos enfrentar a una demanda y al pago de una indemnización !o lo que es peor¡ perder nuestra cuenta de Youtube. Eso sí, de las ganancias que ha generado tu vídeo ilegal gracias a la publicidad insertada de eso no hay mención ninguna.

Uno puede comprender que subir una escena de alguna película que aún esté en cartelera sea motivo de infracción pero no puedo comprender que por ejemplo, a un usuario se le cierre la cuenta por subir una escena de la película Pretty Woman que seguramente tenga el récord de emisiones en TV en nuestro país o que alguien suba el vídeo de su boda con la mala suerte que en ese mismo momento esté sonando alguna canción con derechos de autor.

Moraleja:

Cambiando de tercio y para finalizar, en su momento se presentó el vídeo oficial y serio de los fundadores de Youtube explicando al mundo la venta de su página. El vídeo está en inglés pero visionarlo a partir del minuto 1 e imaginaros que cara se te quedaría si en menos de dos años ganas más de 1.000 millones dólares. Tras la venta, los fundadores no pueden contener el partirse escondiendo lo que sabemos todos, que se han forrado.



En el momento más inoportuno y con la ayuda de algún que otro estimulante, a veces surgen las mejores patentes. Chad, Steve y Jawed con una media de 28 años de edad se convirtieron en millonarios y uno piensa...¿porqué esta suerte no ocurre más a menudo? O mucho mejor… porqué no me ocurre a mí...?

Curiosidades:

Los seis vídeos más vistos de Youtube con fecha hasta agosto del 2013:

1. Psy - Gangnam Style.
2. Justin Bieber– Baby ft. Ludacris (Lo sé)
3. Jennifer Lopez– On the floor.
4. Eminem– Love the way you lie ft. Rihanna
5. LMFAO– Party Rock
6. Charlie Bit my finger.El video viral de más éxito que se distingue del resto por no ser un vídeo musical el cual tiene su mérito.

- El precio que pagó Google por comprar Youtube equivale a la compra de cinco aviones Airbus A380. Aviones de 500 pasajeros que pueden realizar sin escalas un trayecto Madrid-Australia.
- En 2007, sólo Youtube consumía más ancho de banda que todo internet del año 2000.
- Youtube es la tercera página más visitada después de Google y Facebook.
- En 2009, se transmitió el primer concierto en directo a través de Youtube. El grupo irlandés U2 fue el artífice de tal magno evento.
- Los cárteles del narcotráfico aprovecharon el tirón de Youtube para enviarse vídeos de secuestrados con la finalidad de atemorizar al grupo rival.
- El asesino Cho Seung- Hui que acabó con la vida de 32 estudiantes en un instituto de Virginia, subió un vídeo a Youtube antes de cometer la masacre.




Top Secret! (1984)

$
0
0


Sinopsis:

Nick Rivers (Val Kilmer)es un famoso cantante norteamericano que viaja a la dictatorial Alemania Oriental para ofrecer un concierto de puro Rock & Roll. Ya en Alemania, Rivers conoce a la bella Hillary Flammond (Lucy Gutteridge), miembro de la resistencia francesa que lucha contra el poder opresor que ha encarcelado a su padre, el Dr. Flammond (Michael Gough). El rebelde Nick Rivers, enamorado de Hillary, no dudará en ayudar a la resistencia con el fin de rescatar al padre de ella compartiendo juntos miles de absurdas aventuras.

Película:



En cualquier conversación, si alguien preguntara por Top Secret! sólo nombrando su título; aquel individuo podría quedarse solo, incomprendido y escupido si la situación lo mereciera. En cambio si aquel mismo valiente se refiere a Top Secret! como la peli aquella donde salía el Café Olé o aquella en la que unos personajes se colaban en un cuartel disfrazados de vaca; de pronto verá el despertar de una extraña empatía entre los asistentes de lo más absurda. Así es Top Secret!, absurda hasta en el intento de iniciar una conversación (o post) sobre ella.

Top Secret! es una obra maestra de comedia “absurder” creada por los grandes Jim Abrahams, Jerry Zucker y David Zucker (ZAZ), encargada de parodiar los grandes clásicos del espionaje y de cachondearse de aquellos films donde nuestro Elvis Presley lo daba todo. Y aunque mi generación no haya congeniado en demasía con Elvis, y menos cinematográficamente, no fue posible esquivar ese “hit” amatoma de Florentino Fernández de la peli Fun in Acapulco donde nuestro Elvis tocaba los bongos como nadie.




En una época donde el humor bizarro (Los Morancos, Marianico el corto, etc…) colmaba la parrilla televisiva de nuestros hogares agarré con fuerza aquellas cintas donde lo absurdo, el sinsentido, la incoherencia y el disparate eran la tónica general del argumento. Justamente en la década de los 80 y principios de los 90, vivimos la mejor oleada de humor absurdo gracias a las inolvidables Aterriza como puedas (1980), Agárralo como puedas (1988), Hot Shots (1991), la loca historia de las galaxias (1987) o las locas aventuras de Robin Hood (1993). Sin embargo actualmente el simple hecho de incluir la palabra movie o el “como puedas” en cualquier mierder ha devaluado el sagrado humor absurdo en una masticable bazofia con productos como Disaster Movie, Epic Movie, Date Movie,etc…!pero si hay un Asegúrate como puedas¡ En fin…


Es esta, asegúrate como puedas!
Personalmente tengo predilección por las obras dirigidas por los Zucker y Abrahams tanto juntos como por separado ya que contemplo una especie de atemporalidad en su filmografía. Por ejemplo, en algunos clásicos como El Jovencito Frankenstein (1976) de Mel Brooks o la Vida de Brian (1979) de los Monty Phyton se palpa demasiado el paso del tiempo. En cambio en el film Aterriza como Puedas (1980), uno ve que aun pasando los años la partida de pecho es constante e uniforme. Sin duda es una opinión subjetiva, cualquier variación es muy respetable y más en la comedia, fuente primordial en esta vida.



Una de las características más aplaudidas por los Zucker y Abrahams, y obviamente vista en Top Secret!, es el buen uso del humor en segundo plano. Esto puede originar que al estar tan abstraídos con la acción principal, se nos pase por alto el gag que hay justo detrás o en los alrededores. Hablo por experiencia propia. 
En un último vistazo al film caí que en la cena de gala, cuando le ofrecen una mesa a los líderes nazis, detrás de ellos se puede ver a Nick Rivers (Val Kilmer) en calzoncillos, acompañado de un sastre que le está tomando medidas para confeccionarle un smoking ahí mismo. Por supuesto, Nick Rivers que entró en el restaurante en tejanos, se presenta en la cena de gala con un impecable traje.



O puede pasar todo lo contrario, simplemente no entender el gag; como en aquella secuencia en la que Nick Rivers y la protagonista están en un parque delante de una estatua de un pájaro enorme. De repente, aparecen tres hombres del cielo para situarse encima de la escultura del ave para después volver a alzar el vuelo. Ni idea hasta hoy. 



Se ve que dicha escena era un homenaje a aquellas palomas que defecan sobre todo tipo de ornamentación urbana y los directores quisieron reflejar esa situación a la inversa. Humor absurdo en su máxima expresión.
También recomiendo ver o recordar escenas tan célebres como la conseguida pelea que se perpetra debajo del agua, rollo western, y con taberna y cowboys incluidos. O aquella escena en la que Nick Rivers depende de la rapidez de una octogenaria en andador para no ser ejecutado.
No dejarme algunas referencias de Top Secret! a películas como el Lago Azul (1980) o la estupenda el Mago de Oz (1939) con aquella escena brutal donde la protagonista se despide de sus amigos hasta llegar, sin motivo alguno, al espantapájaros del Mago de Oz sollozándole que a él será al que echará más de menos.



Como solía suceder en aquellos años, y que gracias a “god” no he vuelto a escuchar en esta nueva era, en exceso, es el tema de la inclusión de referencias patrias en el doblaje castellano. Ejemplos claros sería el llamar a un restaurante Al pan, pan y al vino, vino o escuchar como contraseña el perro de San Roque no tiene rabo o frases como si quieres arroz Catalina. Dudo que en la VO digan si want rice Catalain pero sin duda la más notable es cuando Nick Rivers para ocultar su identidad se identifica como Julito Iglesias. En la VO nombran a un tal Mel Tomei que lo conocen en su casa a la hora de la siesta y que se ve que fue un gran cantante de jazz. Como curiosidad este cantante hizo un cameo en Agárralo como puedas 2 y medio, rodada por los mismos realizadores. Tampoco nos tiene que sonar raro tanta “españolización” ya que los mismos directores nos regalan esta escena.


  
Reparto:

Protagonizada por un gran y (jovencísmimo) Val Kilmer de 24 años; Top Secret! fue su primera interpretación para la gran pantalla y fue descubierto cuando trabajaba en una obra de teatro junto a otra vieja gloria como Kevin Bacon. Lástima que su deterioro físico “amante del king size” ha caminado acorde a sus elecciones cinematográficas y es una pena porque era uno de aquellos actores que verlo en pantalla me daba mucha paz. Kilmer cuenta en su repertorio con clásicos como Top Gun (1986), Willow (1986), Heat (1995) y hasta la entretenida el Santo (1997). También se le atribuyen affairesde puro gentleman con damas de la talla de Michelle Pfeiffer, la “plástica” Cher o Daryl Hannah pero sin duda la relación que más me tocó en lo más “jondo” fue con la actriz que interpretaba a la princesa de Willow, Joanne Whalley, que con esta sí que hubo matrimonio, dos hijos y hostias (figuradas) en su separación. Como curiosidad Kilmer le pasaba 27.500 $ al mes para la manutención de sus hijos. Lo digo por si estáis a punto de casaros y tener críos.



Top secret está dirigida por los tres reyes de lo absurdo Jim Abrahams, Jerry Zucker y David Zucker (ZAZ), creadores de obras culmen como Aterriza como puedas (1980) o la trilogía Agárralo como puedas. Quizás Jim Abrahams fue el más prolífico en materia absurda creando las geniales Hot Shots y la infravalorada Mafia, estafa como puedas (1998) que es una partida de caja en toda regla. Jerry Zucker tiró por otros géneros dirigiendo Primer Caballero (1995) y (quién lo diría) la mítica y excelente Ghost (1990). El tercero en discordia David Zucker se pasó al lado oscuro dirigiendo la tercera y cuarta parte de Scary Movie pero le perdonaremos.



Hay grandes cameos en el film como el del actor Peter Cushing recordado por ser uno de los villanos en Star Wars (Gran Morf Tarkin); o Omar Sharif recordado por aquella peli que nunca veré entera llamada Lawrence de Arabia; o el gran Michael Gough, el eterno mayordomo de Batman, visto en las dos películas de Tim Burton y en las dos versiones de Joel Schumacher, que curiosamente volvería a coincidir con Kilmer en Batman Forever. También aparece Ian McNeice interpretando a un invidente  vendedor ambulante; recordado por ser el típico secundario “regordete” en las geniales Escape de Absolom y Ace Ventura: Operación África.



Es curioso ver a gente de renombre para films de este calibre como Peter Cushing que interpretó al Dr. Frankenstein y a Van Helsing para la productora Hammer. Recordaban los realizadores en los extras, que le dijeron a Cushing que se podía ir a comer porque su escena, justamente la de la librería sueca, iba a ser larga y que ya no se rodaba tan rápido como en los tiempos de la Hammer. Cushing respondió que en esa mañana que había estado rodando, la Hammer ya habría terminado de rodar la película entera y ya estaría realizando la secuela (¿).

También es curioso como la actriz Lucy Gutteridge que encarnaba a la agradable Hillary Flammond en esta película; en 1993 colgó las botas de la interpretación. Puede ser una casualidad pero el sector femenino que aparece en películas dirigidas por los ZAZ, desemboca en una carrera más bien escueta y sin mucho éxito como puede ser Priscilla Presley vista en Agárralo como Puedas o Valeria Golino actriz de Hot Shots.

Oh no! estoy acabada
Curiosidades:

Nuestra querida vaca fue interpretada por varias vacas. Las botas que llevaba el mamífero estaban hechas de velcro y no tenían suelas para que los pobres animales no se las quitaran.

Cuando el personaje de Omar Sharif, entra en la habitación de la protagonista dentro de un coche hecho chatarra, en varias tomas se observa que quién va dentro del coche aplastado es un enano con la foto del actor en la cara.



La película tenía un presupuesto de 8 millones pero los directores sólo emplearon 7 millones. Esto a día de hoy, sería algo inaudito ya que en las películas actuales se puede hacer un presupuesto de 50 millones y al finalizarla darse cuenta que ha costado 200.

Val Kilmer canta él mismo las canciones del film y se llegó a publicar un CD de seis canciones. Es más, existe un vinilo con estos temas de ardua localización.



La escena de la librería sueca donde aparece Peter Cushing está rodada en sentido inverso. Los actores interpretan como si la escena sucediera en aquel instante y sólo “sabemos la verdad” cuando vemos a un perro caminando hacia atrás. Dicen que la escena en los dos sentidos tiene lógica.

Nadie sabe el porqué pero en la celda del personaje Nick Rivers interpretado por Kilmer hay colgada una foto de Cher. Lo que seguro no sabía Val Kilmer es que años más tarde tendría una relación con ella.



En los créditos finales, los directores ofrecían un espacio para alquilar con un sutil “This space for rent”.

También se puede observar un “thanks” a Namco por dejarles emitir una secuencia del videojuego Pacman. Sucede en aquella escena que intentan emular el típico viaje de avión visto en Indiana Jones.

En el concierto de Nick Rivers del film, el público femenino fue ayudado con vídeos de las fans de los Beatles para que representaran el mismo papel de groupis alocadas e histéricas.



Como diseñador de producción en este film, trabajó Peter Lamont; que se llevó un Óscar por su trabajo en Titanic (1997).


El doblaje al castellano se ha tomado bastantes licencias en el cambio de nombre de los personajes que formaban la resistencia francesa. Por ejemplo, Tour Eiffel es Deja vú en la VO, Café Olé (Mousse de Chocolate) o Rococó (Du Qouis).



Se utiliza el idioma Yiddish en muchos gags y es más conocido como el idioma “judeoalemán”. Por ejemplo, aparece un hotel llamado en yiddish, Hotel gey Schluffen, que significa a “a la cama”.

Hay una escena en la que Nick Rivers entra en una habitación y mira la calle a través de una ventana. Se puede comprobar que el paisaje que observa es una maqueta de la carretera con unos hermosos ratoncillos corriendo por ella. Esa maqueta fue reciclada de la película de Superman.


La banda sonora del film fue compuesta por el fallecido Maurice Jarre, ganador de tres óscars a mejor banda sonora por las películas Pasaje a la india, Lawrence de Arabia y Dr. Zhivago. Ésta última más conocida por ser la canción que ha acompañado estos años el anuncio de nuestro calvo de la lotería de navidad.

Los tres nazis que entran en una habitación tirando la puerta abajo son ni más ni menos que los tres directores del film.




Según los extras, Top Secret contiene cuatro escenas eliminadas y una de ellas tendría que haberse incluido en el metraje final. Aquí está…
Recordad que esa misma chimenea persigue a nuestra pareja lanzándose en paracaídas...

                 

El film contiene bastantes gags escritos como por ejemplo el manager de Nick Rivers está leyendo un periódico titulado The Daily Oppressor o cuando en la escena de la librería sueca se observa un libro titulado “Lesbian bars of North Carolina”.



Según la wikipedia el actor, Eddie Tagoe, que encarnaba a nuestro Café Olé, en el 1995 dejó la interpretación para practicar la reflexología en el equipo de fútbol del Newcastle United. La reflexología es aquella pseudociencia en la que se hace presión en varias zonas de los pies y en otras partes del cuerpo con la finalidad de sanar órganos internos.

Un abrazo!!

Viewing all 122 articles
Browse latest View live